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Egon Schiele: Aus dem Gefängnis schnurstracks nach Bregenz

2012-01-25T10:06:00.000+01:00

Am 25.1.1914 schrieb Egon Schiele über Bregenz: "Mir ekelte vor meiner früher so innig geliebten melancholischen Landschaft in Neulengbach. - es trieb mich als Gegensatz an die Grenze(!); ich blieb in Bregenz 1912 und sah nichts als den verschieden stürmenden See und ferne weiße sonnige Berge der Schweiz .- ich wollte ein neues Leben beginnen ..." ...

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Vorarlberger Naturfreunde: Kulturwanderung 25. Jänner
6.7.11/25.1.12/

NS-Kunst[raub]politik

2012-01-24T10:32:00.000+01:00

Eine fast zu schöne Seite für das Thema der barbarischen nationalsozialistischen Kunstraubpolitik. Die Sachlichkeit dieser vorzüglichen Website lässt mehr erschaudern vor der Boshaftig-, Korrumpiert-, Geilheit, Schäbigkeit und Gier der NS-Kultur-Bonzen als es jede noch so flammende Anklage könnte.

Mit einem Schlag erhellt sich, um welche wahnwitzige und primitive, ungebildete und vor allem korrupte Gaunerbande es sich bei den Nazi-Bonzen handelte, was für eine Bande von aufs Pferd gesetzten kulturlosen kriminellen Karrieren sich hier austobte.

Kunst. In dem Teil "Kunst" werden vier bedeutende Werke europäischer Kunst, die alle nachweisbar am Ende des II. Weltkrieges in den Stollen des Salzbergwerks Altaussee gelagert waren, nicht nur in Bezug auf die Geschichte ihrer Besitzverhältnisse untersucht, sondern exemplarisch im Hinblick auf eine allgemeine Verflechtung von politischer Macht und deren Zugriff auf Kunst und Kultur thematisiert. Dazu Objekte aus der "Führersammlung".

Politik. In dem Teil Politik geht es um "Kunstpolitik im Dritten Reich", exemplarische "Methoden der Aneignung", um den Plan der "Kulturhauptstadt Linz", um den "Sonderauftrag Linz" und um "Kunst im Krieg". Dabei wird man mit sparsamen und knappen, aber verständlichen Formulierungen durch einen informativen Text geleitet, der mit einem Schlag erhellt, um welche nicht nur wahnwitzige sondern auch primitive, ungebildete und vor allem korrupte Gaunerbande es sich bei den Nazi-Kunstbonzen handelte.

Sachlichkeit. Das Bestechende an der Website ist die nüchterne informative Sachlichkeit, die darstellt und informiert und auf Moralisieren verzichtet. Sie stellt mit einer selten gesehenen Nüchternheit Dokumente, Täter und Objekte vor und jeder der lesen und sehen kann, versteht mit einem Schlag ganz von selbst, was für eine Bande von aufs Pferd gesetzten kulturlosen kriminellen Karrieren hier sich austoben konnte.

Link ➨ "Kunst & Politik"
18.6.11/23.1.12/

Für eine eigenständige europäische Kulturpolitik

2012-01-24T10:25:00.001+01:00

Der Deutsche Kulturrat kritisiert den Entwurf der Europäischen Kommission zum EU-Rahmenprogramm "Kreatives Europa" und wendet sich gegen eine ausschließlich ökonomische Betrachtung der europäischen Kulturpolitik.

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Europa braucht eine eigenständige Kulturpolitik

Amedeo Clemente Modigliani - The Complete Works

2012-01-22T13:45:00.002+01:00

Modigliani hinterließ der Welt mit seinen nur vierzig Jahren ein wunderbares Œuvre, welches auf der Website der Modigliani Foundation als virtuelles Museum online ist.

1906 ließ sich Amedeo Modigliani in Paris in dem berühmten Künstlerviertel Montmartre nieder, wo sein Talent von der Avantgarde wohl erkannt wurde. Er besuchte dort die Freie Akademie Calarossi. Dort machte er die Bekanntschaft von Pablo Picasso, Kees van Dongen, Henry de Toulouse-Lautrec, Henri Matisse, Pierre Bonnard, Juan Gris und Paul Cezanne, die ihn allesamt mit ihren Werken beeindruckten. Er lernte den Schriftsteller Apollinaire kennen und schloss mit Maurice Utrillo Freundschaft. Im frühen 20. Jahrhundert wimmeln die Cafés und Salons von Paris nur so von mehr oder minder erfolgreichen Kreativen wie Frida Kahlo, Diego Rivera, Pablo Picasso oder Auguste Renoir. Er ist der heimliche Star der Szene und sein Talent wird nur übertroffen von seinem fatalen Hang zur bewussten Selbstzerstörung.

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Amadeo Modigliani - The Complete Works
Vorarlberger Naturfreunde: Kulturwanderung: 22. Jänner

Die Avantgarde vereint mit den Nazimördern

2012-01-21T10:57:00.000+01:00

Am 20.1.1941 lässt sich Goebbels vom Geheimdienst über die Aufnahme des NS-Propagandafilmes "Der ewige Jude" (Die Uraufführung war am 28.11.1940) in der Bevölkerung berichten. Die deutsche "Avantgarde" filmte bei dieser Nazi-Unkultur mit. Genau ein Jahr später findet die Wannseekonferenz statt.

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Vorarlberger Naturfreunde: Kulturwanderung: 20. Jänner

Tsunami + Kultur: Der Schimmelreiter

2012-01-15T23:52:00.000+01:00

Flutwellen waren Stoff für Schriftsteller wie Theodor Storm und Liliencron.

Am 16. Jänner 1362 wischte eine Sturmflut die Stadt Rungholt weg. Die Chroniken reden von 100.000 Opfern. Es war nicht die einzige verhängnisvolle Flut. Bezeugt ist auch eine Flut vom 16.1.1219 - die erste die der Überlieferung nach 36.000 Menschen das Leben kostete. Nach dem Kalendertag wurde sie als die (erste) Marcellusflut benannt. Die Sturmflut, welche die Stadt Rungholt am 16.1.1362 versinken ließ, war nach dieser Namensgebung die zweite Marcellusflut. In den Chroniken wird sie aber als "de grote Mandrenke" (die große Manntränke) erwähnt. Das sind aber nur zwei der Fluten, die das Gebiet der westlichen Nordseeküste heimsuchten.

Ganze Städte - wie Rungholt - verschwanden und die Landkarte der Küste veränderte sich rasant. Schon eine Flutwelle zwischen 120 und 115 v. Chr. an der Westküste der jütischen oder cimbrischen Halbinsel ist belegt. Die dortigen Volksstämme der Cimbern, Teutonen und Ambronen soll diese Flutwelle zum Verlassen der Heimat bewegt haben. Ein Beginn der Völkerwanderung. Jedenfalls erinnert der Name Amrum noch an die Ambronen.

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Vorarlberger Naturfreunde - Kulturwanderung: 16. Jänner

Free mp3: Irische Barden - Folk

2012-01-10T11:13:00.000+01:00

Eine einmalige Website. Über 250 Texte und MP3's irischer, schottischer oder englischer Barden. Unter den Folksongs auch Lyrik - vielleicht vergleichbar mit der der Minnesänger - aus dem 13. Jahrhundert. Aber auch "keltische Sänger" aus der neuesten Zeit sind vertreten.

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Irische, schottische und englische Barden - Eine einmalige Folk-Bibliothek

23.4.08/10.1.12/

Lehr-und Lernmaterialien: Kulturelle Vielfalt - Interkulturelle Kunst im Alltag

2012-01-07T15:21:00.000+01:00

Die Auswirkungen der Globalisierung und das Aufeinandertreffen unterschiedlicher Wertvorstellungen führen oft zu Konflikten und bilden somit eines der aktuellsten Themen für den Schulunterricht.

Mitglieder von Partners in Learning (kostenlose Registrierung) können jetzt das Unterrichtsmaterial "Kulturelle Vielfalt" kostenlos herunterladen.

Um den kreativen Umgang mit kulturellen Wahrnehmungsweisen und Symbole zu erfahren, werden die Schülerinnen und Schüler auf alternative Weise an die Auseinandersetzung mit den Auswirkungen der Globalisierung und dem Einfluss des zumeist konfliktbehafteten Aufeinandertreffens unterschiedlicher kultureller Wertvorstellungen herangeführt und lernen eine problemorientierte Diskussion konstruktiv und kritisch mitzugestalten.

Die Schülerinnen und Schüler formulieren über eine imaginäre Reise in ein Urlaubsland der Wahl eine individuelle Perspektive ihrer Wahrnehmung von Kultur.

Setzen sich über eine gemeinsame sachgerechten Internetrecherche mit kulturellen Gegebenheiten auseinander.
Erlernen die Umsetzung eines 3D-Bildes mit dem Microsoft Onlinetool Photosynth.
Werden mit dem Ablauf eines kreativen Prozesses vertraut gemacht, indem sie ihr Motiv mithilfe des Onlinetools in ein mediales Kunstwerkes umsetzen.
Erkennen über die Diskussionen und Reflexionen unterschedliche Interpretationsmöglichkeiten und persönliche Wahrnehmungen von Kultur.

Materialliste

Arbeitsblatt Ergebnisse der Recherche zum Lieblingsurlaubsland 476 KB
Dokumentation Formblätter zur Dokumentation der Unterrichtsumsetzung 113 KB
Hintergrund Anleitung zur Vorbereitung des Klassenraumes (Inszenierung der Kulturentafel) 316 KB
Photosynth Schritt-für-Schritt-Anleitung zur Erstellung einer 3D-Animation 420 KB
Portfolio: Kulturelle Vielfalt Unterrichtsmaterial (komplett) mit Einleitung, Unterrichtsverlauf, Arbeitsblättern, Kopiervorlagen, Hintergrundinformationen und Dokumentation. 6 MB
Poster 3 Beispiele für die Gestaltung von Postern (GB, GR, IT) 1 MB
PowerPoint-Präsentation zur Einstimmung und Sensibilisierung 1 MB
PowerPoint-Vorlage A3-Vorlage zum Erstellen eines Posters 93 KB

Link ➨ Teacher Guide Vielfalt - Interkulturelle Kunst im Alltag
10.6.11/7.1.12/

Afroamerikanische Sängerin in der Metropolitan Opera

2012-01-06T23:50:00.000+01:00

Den ersten Auftritt einer schwarzen Sängerin in der New Yorker "Metropolitan Opera" (Met) feierte am 7. Januar 1955 die amerikanische Künstlerin Marian Anderson (1902–1993) in der Oper "Maskenball" von Guiseppe Verdi. Die institutionalisierte Rassentrennung hatte Risse bekommen.

Marian Anderson- Schubert- Ständchen D. 957 no. 4

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Vorarlberger Naturfreunde: Kulturwanderung: 7. Jänner
7.1.09/7.1.12/

Jungfrau von Orléans: Bauernmaid, Feldherr, Hexe, Heilige und Popstar

2012-01-06T01:55:00.001+01:00

Der Stoff für Theater, Bücher, Filme und natürlich auch die Bildende Kunst: Am 6. Jänner 1904 erklärt Pius X. die französische Nationalheldin Jeanne d'Arc, seinerzeit als Hexe verbrannt, zur "verehrungswürdigen" Frau. Man spekuliert, ob die Bauernmaid nicht doch blaues Blut aus Bayern habe und ob sie überhaupt verbrannt worden sei.

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Naturfreunde Vorarlberg: Kulturwanderung: 6. Jänner

Free eBook: Pärt-Partitur "Los Angeles" online

2012-01-05T15:39:00.000+01:00

Er ist einer der erfolgreichsten Exportschlager Estlands. Zu Recht. Denn mit seiner zeitlos wirkenden Klangästhetik, in der er Alte und Neue Musik verbindet, fasziniert Arvo Pärt ein breites Publikum.

Wenige dürften wissen, dass der estnische Komponist Arvo Pärt auch die österreichische Staatsbürgerschaft besitzt. Erst wurde ihm das österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst Erster Klasse im Tallinner Kadriorg-Palast von Botschafterin Angelika Saupe-Berchtold überreicht worden.

Pärt erklärte bei dieser Gelegenheit, wie er unversehens Bürger des Alpenstaates geworden ist. Er sei, so Pärt laut Presseberichten, am 20. Jänner 1980 als Staatenloser mit Frau, Kindern und sechs grossen Koffern voller Manuskripte auf dem Bahnhof Wien von einer Mitarbeiterin der Universal Edition abgefangen worden. Der Verlag habe ihm eine Zusammenarbeit angeboten, und einige Monate später hätten er und seine Familie österreichische Pässe erhalten. Arvo Pärt: "Eine so großzügige Geste von einem Staat im vielleicht schwierigsten Moment des Lebens eines beinahe unbekannten Komponisten - Sie können sich vorstellen wie glücklich und dankbar wir damals waren."

Die Universal Edition setzte ein publizistisches Zeichen der besonderen Art: Bevor Arvo Pärts vierte Sinfonie überhaupt uraufgeführt wurde, konntedie Partitur auf einer speziellen Publikationsplattform online abgerufen werden. Die Sinfonie trägt den Titel "Los Angeles" und wurde am 10. Januar 2009 in - wenig erstaunlich - Los Angeles, in der Disney Hall uraufgeführt. Esa-Pekka Salonen dirigierte die Los Angeles Philharmonic. Es ist die erste Sinfonie, die Pärt seit rund vierzig Jahren zu Papier gebracht hat. Die Partitur kann auf der Publikationsplattform ISSUU kostenlos durchgeblättert und sogar ausgedruckt werden.

Get your own - Open publication

Biografie. Arvo Pärt wurde am 11. September 1935 in Paide (Estland) als Sohn eines Kraftfahrers geboren. Mit sieben Jahren erhielt er die ersten Klavierstunden. Zwischen 1954 und 1963 studierte er Komposition bei Veljo Tormis und Heino Eller an der Musikfachschule und Musikakademie in Tallinn. Während des Militärdienstes von 1954-56 spielte er Oboe, Schlagwerk und Klavier in einer Militärkapelle. Bis 1967 arbeitete er als Tonmeister für den estischen Rundfunk und schrieb Filmmusik, um seine Familie ernähren zu können. 1980 musste Pärt seine Heimat auf Druck des Sowjet-Regimes verlassen. Er ging zunächst als DAAD-Stipendiat nach Wien. Ein Jahr später, 1981, ging er nach Berlin, wo er seitdem lebt.

In den 50er Jahren war Pärt von den Komponisten des Neoklassizismus beeinflusst. Dazu gehörten etwa Igor Strawinsky, George Auric und Arthur Honegger, eine Gruppe von Musikern, die sich in den 20er Jahren eine sachliche Kompositionstechnik zu Eigen machten und sich so von der Spätromantik abwandten. Pärt ließ sich jedoch bald auch von den neuesten Strömungen der musikalischen Avantgarde in den 60er Jahren beeinflussen: "Nekrolog", ein Stück, mit dem er im sozialistischen Estland für Furore sorgte, war die erste Zwölftonkomposition in seiner Heimat. Mit "Perpetuum mobile" wandte er sich 1963 auch der seriellen Technik zu. Die Verbindung Alter und Neuer Musik wurde zur Grundlage einer Collage-Technik, wie er sie Ende der 60er Jahre in "Pro et contra" und "Credo" anwandte.

Während einer Schaffenskrise in den 70er Jahren widmete sich Pärt intensiv der Gregorianik und der Renaissance, die ihn stark beeinflussten. Gregorianik, so Pärt in einem Interview mit der Zeitschrift "Fono Forum", habe in erster Linie nichts mit Musik zu tun, sondern mit Leben, Denken und Glauben. Er beschäftigte sich darüber hinaus intensiv mit Religion, insbesondere mit der russisch-orthodoxen Kirche. Nach 1976 wurde für Pärts Stil das Verfahren des "Tintinnabuli" ("kleines Geläute") prägend, ein minimalistisches Konzept, bei dem er seine Musik auf einzelne Klänge reduziert. Die bekanntesten Werke dieser Kompositionstechnik sind "Tabula rasa", "Cantus in Memory of Benjamin Britten" und "Fratres". Kirchenmusik ist ein wesentlicher Bestandteil seines Schaffens. Für "Tabula Rasa" erhielt Pärt den Estnischen Musikpreis. Den Edison Award und Preis der Tokioter Record Prize Academy erhielt er für die Einspielung der "Johannes-Passion".

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12.6.11/5.1.12/

Ceppelina - die Stadt der Zukunft

2012-01-05T01:51:00.001+01:00

Graf Zeppelin in Friedrichshafen arbeitete mit dem Erfinder der Rasierklinge King Champ Gillette an der Planung einer Stadt "Ceppelina".

1982 fand man in einem Archiv der Universität von São Paulo einige Zeichnungen und Pläne, die das Wirken King Camp Gillette's um eine erstaunliche Variante erweiterte und sein Werk weitaus komplexer erscheinen lässt als dies bisher bekannt war. Die gefundenen Zeichnungen und Dokumente, die auf die Jahre zwischen 1908 und 1909 datiert sind, belegen, dass Graff Zeppelin und King Camp Gillette gemeinsam an Entwürfen zu einer Großstadt für ungefähr zehn bis fünfzehn Millionen Menschen arbeiteten, die auf einem 14.400 Quadratkilometer großen Bereich angesiedelt werden sollte. Der Ort: das heutige Brasilia.

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Vorarlberger Naturfreunde: Kulturwanderung: 5. Jänner

Palazzo Altemps - Hohenems mitten in Rom

2012-01-03T19:57:00.000+01:00

Nicht nur ein Palast - ein Stück Vorarlberger und österreichischer Geschichte mitten in Rom.

Das Museo Nazionale Romano (Römisches Nationalmuseum) ist in Rom auf fünf Standorte verteilt, darunter der "Palazzo Altemps" an der Piazza di S.Apollinare 44. Er wurde 1585 für Kardinal Mark Sittich von Hohenems erbaut und beherbergt Sammlungen klassischer Kunstwerke, einschließlich einer Sammlung des Kardinals mit 15 Skulpturen der griechischen und römischen Antike. Das Eingangsportal ziert das Hohenmser Wappen - ein Steinbock.

Link ➨ Palazzo Altemps - Vorarlberg mitten in Rom
5.6.11/3.1.12/

Pinakothek

2011-12-31T20:40:00.000+01:00

Am 7. April 1826 wurde der Grundstein für die Alte Pinakothek in München gelegt. Das griechische Wort Pinakothek steht für Bildersammlung. Der bayerische König Ludwig I. (1786-1868) führte den Namen für seine Gemäldesammlungen ein. Sein Sohn Otto I. kostümierte sich als König von Griechenland.

Pinakothek. (griech. pinax, Gen. pinakos, "Tafel, Gemälde, Bild" und theke "Behältnis, Kiste") bezeichnete ursprünglich einen Raum mit gemalten Weihgeschenken in den Propyläen der Akropolis von Athen. Seit der Renaissance werden damit fürstliche Gemäldesammlungen benannt. Am bekanntesten ist wohl eben die in München, die Alte und die Neue Pinakothek, errichtet unter Ludwig I. von Bayern 1826-1836 bzw. 1846-1853. Ludwig I. von Bayern hatte es besonders mit den Griechen. Er errichtete mit seinem Hofarchitekten Leo von Klenze nicht nur die Pinakothek sondern auch die Münchner Glyptothek für die Sammlung antiker Plastiken. Auch die (germanische) Walhalla in Regensburg ließ er nach griechischen Vorbildern, nach dem Parthenontempel errichten. Leo von Klenze gestaltete in seiner Stellung als Hofarchitekt von König Ludwig I. von Bayern München klassizistisch um: Königsplatz, Ludwigstraße, Glyptothek, Ruhmeshalle, Alte Pinakothek und Residenz. Er schuf weiterhin die Walhalla bei Regensburg, die Befreiungshalle in Kelheim, die Konstitutionssäule in Gaibach sowie die "Neue Eremitage" in St. Petersburg.

Das "Griechische" entsprach ganz einem Zeitgeist, den weitgehend alle kulturellen Persönlichkeiten der Zeit hegten und pflegten. Die Rezeption der griechischen Antike und diese Liebe zum heidnischen Athen mündete in einem Kampf gegen das Osmanische Reich. Diese bewusste politische motivierte Rezeption wurde nun zur Ideologie: Ein Konstrukt, das eine Kontinuität zwischen den antiken heidnischen Griechen und dem Christentum herstellen sollte. Der Grieche neu erfunden. Eine wirre Irrfahrt, die bis in die heutigen Tage anhält. Dabei waren die Errungenschaften Athens, Mythologie und Wissenschaften überhaupt nur dank der Araber, durch die Mauren in Spanien, wieder in Europa rezipiert worden.

Jakob Philipp Fallmerayer. Jakob Philipp Fallmerayer, der südtirolstämmige Münchner Orientalist hatte mit seinem bemerkenswerten Werk "Geschichte des Kaisertums in Trapezunt" die These vertreten, dass die antiken Griechen im Mittelalter ausgestorben seien und durch hellenisierte Slawen und Albaner verdrängt wurden. Wörtlich schreibt er: "Das Geschlecht der Hellenen ist in Europa ausgerottet ... Denn auch nicht ein Tropfen edlen und ungemischten Hellenenblutes fließt in den Adern der christlichen Bevölkerung des heutigen Griechenlands." Er hatte sich damit den Hass der "Philhellenen" und der "neugriechischer Patrioten" zugezogen. In Deutschland warf man ihm panslawistische Propaganda vor, dabei war gerade er es, der vor dem Expansionismus der russischen Zaren warnte. Der Staatsdienst blieb ihm 1834 nach einer Rückkehr von einer Studienreise aus dem Vorderen Orient verwehrt, da Ludwig I. Sohn Otto - noch minderjährig und mit Vormund - König von Griechenland geworden war. Da passte er nicht mehr ins Bild.

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Die Pinakotheken im Kunstareal München
Jakob Philipp Fallmerayer
Wiederholt sich Geschichte? Ein Bayer kostümiert sich als Griechenkönig

Zwangsehe und Autorenprivileg

2011-12-31T20:34:00.000+01:00

Albrecht Dürer trat am 2. Juli 1521 die Rückreise aus den Niederlanden an. Der Grund für seine Reise war ein pekuniärer. Die Stadt Nürnberg wollte sich die hundert Gulden Jahresrente für Dürer einsparen, nachdem Gönner Maiximilian I. gestorben war. Es war seine letzte der großen Reisen.

Privilegien. Seit 1515 gewährte Kaiser Maximilian I. Albrecht Dürer aufs Lebensende eine Rente von 100 Gulden. Die einhundert Gulden hatten allerdings nicht Maximillian sondern die Bürger der Stadt Nürnberg zu begleichen, und so wollte man dort auch gleich mit dem Tode Maximilians I. das städtische Budget entlasten. Doch es ging nicht allein um den jährlichen Hunderter, es ging um weitere Privilegien, die bis heute in der Geschichte des Urheberrechts eine Rolle spielen.

Und so begab sich Dürer ab 12. Juni 1520 mit seiner Frau über Bamberg, Frankfurt, Köln nach Antwerpen und anderen niederländischen Städten, von wo er erst im Herbst des folgenden Jahres zurückkam. Über Antwerpen und Brüssel reist er dem jungen Kaiser, der als Karl V. in Aachen gekrönt wurde, bis Köln nach. Die Reise, namentlich in den Niederlanden, war ein wahrer Triumph, überall wurde der Meister auf das Glänzendste gefeiert; der Antwerpener Magistrat bot ihm vergeblich ein Jahresgehalt von 300 Gulden, ein schönes Haus zum Geschenk, freien Unterhalt und außerdem Bezahlung aller seiner öffentlichen Arbeiten an, um ihn zum ständigen Verbleiben in Antwerpen zu bewegen. Fürsten, fremde Botschafter, Gelehrte - so Erasmus von Rotterdam - und Künstler ehrten ihn und zogen ihn in ihre Gesellschaft. Man sieht schon, die hundert Gulden aus der Stadtkasse Nürnbergs können angesichts eines derartigen Angebotes kaum sein ausschließliches Interesse gewesen sein.

Der neu gewählte Kaiser Karl V. bestätigte ihm auch die früher gewährten Privilegien. Von hoher Bedeutung für ihn waren währenddieser seiner Reise der Anblick der niederländischen Kunstschätze und die Bekanntschaft mit den hervorragendsten dortigen Künstlern. Sein während dieser Reise geführtes Tagebuch gibt darüber Auskunft. In seinem Tagebuch vermerkt er die Entstehung von zwölf Gemälden. Kurz darauf erkrankt er an Malaria, die ihn für den Rest seines Lebens beeinträchtigen wird. Am 2. Juli 1521 trat er die Rückreise an, angeblich weil er über die Gefangennahme Luthers besorgt gewesen sei.

Link ➨ Kunstlinks-Bildertafel Albrecht Dürer

Urheberrecht. Dürers historischer Verdienst liegt vor allem in der "Findung" der Technik des Kupferstiches und in der Postulierung eines "Autorenrechtes", einem unmittelbaren Vorgänger des heutigen Urheberrechtes. Erst mit Albrecht Dürer und seinen frühen Meisterstichen gelangt das Medium des Kupferstichs zu einer neuen, technischen Perfektion. Es geht nicht mehr um die vervielfältigende Reproduktion anderer Medien wie Statuen, Gemälden oder Zeichnungen, sondern um eigene Erfindungen, die speziell für dieses Medium geschaffen und verbreitet wurden. Dürer ist weniger an den Reproduktionsmöglichkeiten des Mediums interessiert als an den Chancen, seine virtuosen Erfindungen und kühnen Innovationen auf einer breiten Basis vertreiben und verbreiten zu können. Die druckgraphischen Zyklen wie die Apokalypse, die Große Passion, die Kleine Passion, die Kupferstichpassion und das Marienleben wurden daher 1511 auch als gebundene Ausgaben mit einem Vorwort des Nürnberger Mönches Benedictus Chelidonius von Dürer selbst im eigenen Verlag verlegt und über den Buchmarkt vertrieben. Nicht zufällig: Eben 1511 sicherte Maximilian I. Albrecht Dürer das kaiserliche Privileg des Verbotes des Nachdruckes. Dürer nutzte dann auch auf geschickte Weise verschiedene Medienstrategien. Seine Blätter waren ebenso über Straßenhändler wie über den Buchhandel zu beziehen. Die Mediengeschichte der Druckgraphik ist daher eng mit der Geschichte des Buchmarktes verschränkt.

Raubkopie. Die Druckgraphik verbreitete sich in rasanter Geschwindigkeit über Europa. Bereits zwei Jahre nach der Entstehung von Dürers Kupferstich Adam und Eva von 1504 kann man nachweisen, dass der italienische Kupferstecher Marcantonio Raimondi aus Bologna dieses Blatt kannte, da er verschiedene Dürersche Elemente wie das Täfelchen mit dem Monogramm und den Schnüren sowie die Art der Körpermodellierung in seinem Kupferstich Apollo, Hyakinthos und Amor von 1506 übernahm. Giorgio Vasari kolportiert in seinen Künstlerviten die Geschichte, dass "alcuni fiaminghi", also entweder einige Niederländer oder einige Deutsche, mit Holzschnitten und Kupferstichen Albrecht Dürers nach Venedig gereist waren. Als Raimondi diese Holzschnitte entdeckte, die auf der Piazza San Marco zum Verkauf auslagen, gab er dafür sein gesamtes von Bologna mitgebrachtes Geld aus. Es muss sich offenbar um die Holzschnittfolge des Marienlebens gehandelt haben, denn er reproduzierte die bis dahin entstandenen siebzehn Blätter sogleich als Kupferstiche, wobei er sogar das Monogramm Dürers mitkopierte, was dieser ihm - nach einer Anekdote Vasaris - allerdings zu untersagen versuchte. Im Zeitalter der technischen Reproduzierbarkeit taucht also das Phänomen der Raubkopie auf, mit der sich Geld verdienen lässt. Dies führt im Buchhandel sehr schnell zum Erlass von Privilegien zum Schutze der Ausgaben und Editionen vor unerlaubtem Nachdruck. Ein Beispiel ist eben die Reise in die Niederlande von Albrecht Dürer zum Schutz seiner Kupferstiche durch Kaiser Karl V. Oft bestand der Zweck des Privilegs jedoch weniger im Ausschluss anderer sondern in der Befreiung von Zunftregeln oder anderen Vorschriften.

Dieser Schutz bezog sich jedoch auf den Schöpfer als Person und brachte den Urhebern noch keine Einnahmen. Angeknüpft wurde auch weiterhin am Werk als einer Sache. Dieser Schutz wurde einerseits als Gewerbemonopol verliehen, andererseits wurden Privilegien zum Schutz bestimmter einzelner Druckwerke verliehen. In letzterem Verfahren kann man den Ursprung des modernen Urheberrechts sehen. Schutzgegenstand war allerdings mehr noch das gedruckte Produkt denn der geistige Inhalt. Die Schutzfristen lagen zwischen einem und zehn Jahren. Mitte des 16. Jahrhunderts wurden Territorialprivilegien eingeführt, die allgemeine Nachdruckverbote in einem bestimmten Gebiet für einen begrenzten Zeitraum darstellten. Die Privilegien der Herrscher sind bis in das 19. Jahrhundert hinein der einzige, allerdings sehr mangelhafte Schutz gegen Nachdruck und Raubkopien, da sie nur für das jeweilige Herrschaftsgebiet des erteilenden Landesherren gelten.

Luther & Cranach. Mit entsteht eine Diskussion um die Authentizität der Drucke, die durch Raubkopien und Nachstiche in Frage gestellt waren. So stellt Martin Luther 1495 seinen Schriften eine Warnung an die räuberischen Nachdrucker voran. Parallel dazu gab es in Deutschland zu Beginn des 16. Jahrhunderts die ersten Autorenprivilegien der kaiserlichen Hofkanzlei, die berühmtesten sind die von 1511 an Albrecht Dürer und 1581 an den Komponisten Orlando di Lasso. Ein Vorkämpfer für die Rechte der Autoren war Martin Luther, der von 1525 an seinen Schriften strenge Worte an die Drucker hinzufügte und sich damit gegen unberechtigte Drucke zur Wehr setzte. Er setzte sich vehement gegen diese Nachdrucker ein und bezeichnete sie als "Räuber und Diebe". Luther hatte guten Grund. Sein Trauzeuge, der Maler Lucas Cranach betreibt ebenfalls eine Druckerei und Luther seufzt: "Ich wünsche von Herzen, gar nichts mehr herauszugeben, denn ich bin müde, solche Dinge zu schreiben. Aber des Lucas Presse braucht Unterhalt. Ich bin der Knecht des Gewinnes oder Geizes anderer geworden." Beim Rat von Nürnberg erreichte Luther, dass die Nachdrucker dem Druckwerk ihren Namen und den Erscheinungsort hinzufügen mussten. Dies kann als Anfang der Impressumspflicht zum Schutz des Urhebers gesehen werden.

Link ➨ Albrecht Dürer (1471 - 1528) - Pinakothek

Koberger & Dürer. Albrecht Dürer ist wiederum in Nürnberg mit dem Drucker Anton Koberger "verbandelt". Koberger ist sein Taufpate. Alle Nürnberger Drucker überragt Anton Koberger, eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der Inkunabelzeit. Er war einer der ersten, die die wirtschaftlichen Möglichkeiten des Buchdruckes erkannten und Buchdruck, Verlag und Buchhandel als kapitalistisches Unternehmen betrieben. In stetigem Wachstum erweiterte Koberger seine Offizin; ebenso planmäßig dehnte er sein Absatzgebiet immer weiter aus. Schon 1470 mietete er ein großes Gebäude am Ägidienhof, das er später käuflich erwarb. Dort wohnte er mit seiner zahlreichen Familie (er war zweimal verheiratet; von seinen 25 Kindern überlebten ihn immerhin 13), und dort betrieb er auch seine Druckerei. Sie soll in ihrer Blütezeit über 100 Mitarbeiter und 24 Pressen beschäftigt haben.

Bis gegen Ende des Jahrhunderts erschienen an die 250 Titel; daneben befasste er sich mit einem ausgedehnten Buchhandel - wohl die Hauptquelle seines Reichtums. Er beschickte die Messen in Frankfurt, Leipzig und anderen Orten, unterhielt Niederlassungen in verschiedenen Städten und beschäftigte zahlreiche Buchführer. Zu seiner Produktion gehören viele berühmte Inkunabeln, etwa die "Reformation der Stadt Nürnberg", die "Goldene Bulle" Kaiser Karl IV., verschiedene Bibeln (darunter die zweibändige 9. deutsche Bibel mit den Holzschnitten der Kölner Ausgaben) und viele Liturgica. Ein künstlerischer Höhepunkt ist die lateinisch und deutsch erschienene "Apokalypse" mit den Holzschnitten Albrecht Dürers.

Zwangsehe und Autorenprivileg. Als Albrecht Dürer Pfingsten 1494 nach vierjähriger Abwesenheit nach Hause zurückkehrte, heiratete er schon am 7. Juli Agnes Frey, die Tochter eines wohlhabenden Bürgers. Dies erfolgte allerdings nur auf ausdrücklichem Wunsch seines Vaters hin. Denn dieser hatte mit Hans Frey die Verheiratung seines Sohnes mit dessen Tochter Agnes ausgehandelt. Agnes und Albrecht gehorchten zwar ihren Eltern, fanden aber selbst keinen Zugang zueinander und zeugten auch keine Kinder. Heiratete man jedoch gegen den Willen der Eltern, hatte man rechtlich gesehen das väterliche und mütterliche Erbe verloren. Noch im gleichen Jahr brach er zu seiner ersten Italienreise auf. Eigentlich eine Flucht vor der wütenden Pest. Seine Frau ließ er dabei im pestbetroffenen Nürnberg zurück.

1528 gibt es - und das ist urheberrechtlich ein weiterer Schritt - ein Privileg Kaiser Karl V. sogar für Dürers Witwe Agnes. Dürers "Vier Bücher von menschlicher Proportion" werden ausdrücklich zugunsten seiner Witwe Agnes unter Schutz gestellt. Mehrfach bezeichnet die Urkunde Albrecht Dürers Werke als seine "Erfindung". Damit sie dem "gemeinen Nutz" dienen können, ohne dass der Autor bzw. seine Nachkommen Schaden erleiden, greift die politische Gewalt regulierend in den Kommunikationskreislauf ein.

Link ➨ Mathematische Aspekte im Werk Dürers

Albrecht Dürer. Er betätigte sich auf vielen Gebieten der Kunst: Er war Maler, Kupferstecher und Zeichner für Holzschnitt, aber auch Kunstschriftsteller. Von hervorrragender Bedeutung sind auch seine drei veröffentlichten Büchern über Geometrie, Befestigungskunst und menschliche Proportionen, wo er sich auch mit den theoretischen Grundlagen seiner Kunst auseinandergesetzt. Dabei ist er insbesondere in der darstellenden Geometrie bis an die Grenzen der damals bekannten Mathematik vorgestoßen und hat bedeutende Impulse für die Arbeiten Galileis und Keplers geliefert.

Geboren wurde er am 21. Mai 1471 in Nürnberg als das dritte der 18 Kinder des Goldschmieds Albrecht Dürer der Ältere (1427-1502). Taufpate ist der Buchdrucker und Verleger Anton Koberger. Dürers Vater, Sohn des Goldschmieds Anton Dürer in Gyula (Ungarn - ungarisch "ajto" = "Tür"), war auf seiner Wanderschaft als Geselle des Goldschmiedehandwerks in die Niederlande gezogen und kam 1455 nach Nürnberg. Er trat bei dem Goldschmied Hieronymus Holper in den Dienst, der 1567 dem bereits 40-jährigen tüchtigen Gesellen seine 15 Jahre alte Tochter Barbara (gestorben 1514) zur Frau gab. In demselben Jahr erwarb er das Bürgerrecht und ein Jahr später das Meisterrecht.

Albrecht Dürer besuchte die Lateinschule, auf der er Willibald Pirckheimer kennen lernte, ein Sohn wohlhabender Eltern, der Dürers lebenslanger Freund werden sollte. Nach der Schulzeit erlernte er beim Vater das Goldschmiedehandwerk; er wollte aber lieber Maler werden und bedrängte darum den Vater so lange, bis er ihn Ende 1486 zu dem Nürnberger Maler Michael Wolgemut in die Lehre gab. In dessen Werkstatt wurden unter anderem die zahllosen Holzschnittillustrationen zum "Schatzbehalter" von Stephan Fridolin (1491) und zur "Weltchronik" des Hartmann Schedel (1493) angefertigt - was für Dürers spätere Entwicklung sehr wichtig war.

Nach Ostern 1490 ging er auf die Wanderschaft, wie es damals für Handwerksgesellen üblich war. Er bereiste weite Teile des "Heiligen Römischen Reiches Deutscher Nation" und kam 1492 nach Colmar im Elsass, wo er hoffte, Martin Schongauer kennen zu lernen. Doch dieser war bereits ein Jahr zuvor verstorben. Dürer lernte jedoch einige Fertigkeiten von dessen Brüdern. Er arbeitete in den Jahren 1492-94 am Oberrhein in Basel und Straßburg bei verschiedenen Druckern und Verlegern als Graphiker für Buchillustrationen. Im Mai 1494 kehrte Dürer nach Nürnberg zurück und heiratete sieben Wochen später Agnes Frey (gestorben 1539), die Tochter eines Kupferschmieds, Mechanikers und Musikers in Nürnberg. Dem damaligen Brauch entsprechend war die Heirat von den Vätern ausgehandelt worden. Kindersegen blieb der Ehe allerdings versagt. Wenige Monate nach der Hochzeit - im Herbst des gleichen Jahres - brach Dürer allein zu seiner ersten Italienreise auf. Ein Jahr später gründete er eine Holzschneide-Werkstatt in Nürnberg.

Die Holzschnittfolge "Apocalypse" entstand im Jahr 1496-1498, die Dürer sofort berühmt machte. Als sein Vater 1502 starb, nahm er seine Mutter und seinen Bruder Hans bei sich auf. 1503 beschäftigte sich Dürer dann ausschließlich mit religiösen Themen, besonders mit Marien-Motive. Außerdem setzte er sich mit der Proportionslehre und mit dem Studium der italienischen Perspektivkunst auseinander. Um 1503/04 beginnt er mit der Holzschnitt-Serie zum Marienleben. 1504 erstellte Dürer den Kupferstich "Adam und Eva", der ein erstes Ergebnis seiner Beschäftigung mit der Proportionslehre war. Da die Pest ausgebrochen war, floh Dürer im Spätsommer 1505 nach Venedig. Seine Frau ließ er im gefährdeten Nürnberg zurück. Dort machte er sich mit der Kunst von Leonardos und Raffaels bekannt. Als er 1507 wieder nach Nürnberg zurückkehrte, entstanden viele berühmte Landschaftsaquarelle. Im folgenden Jahr arbeitete an einem Altar für den Frankfurter Kaufmann Jakob Heller.

Ab 1509 war Dürer Ratsherr in Nürnberg und erwarb ein stattliches Haus, in dem heute das Dürer-Museum ist. 1511 veröffentlicht er, als eigener Verleger und mit dem ersten kaiserlichen Privileg ausgestattet, die "Große Passion", "Marienleben" und die erneuerte Ausgabe der "Apokalypse". Im Jahre 1512 lernt Dürer Kaiser Maximilian I., der sich vom 3. - 15. Februar in Nürnberg aufhielt, kennen. Für die folgenden 3 Jahre war er im wesentlichen für Maximilian tätig (u.a. "die Ehrenpforte"). Kurz vor dem Tod (am 16. Mai 1514) seiner Mutter zeichnet er ein Porträt von ihr. 1518 nimmt Dürer als Vertreter Nürnbergs am Reichstag zu Augsburg teil, wo er neben den Mächtigsten auch den reichsten Mann seiner Zeit, den Kaufmann Jakob Fugger, portraitiert. Um 1519 beginnt er seine Reise in die Schweiz mit Willibald Pirckheimer.

Ein Jahr später bricht er im Juli mit seiner Frau Agnes zu einer Reise in die Niederlande auf. Über Antwerpen und Brüssel reist er dem jungen Kaiser Karl V. bis Köln nach. Danach verbringt Dürer mit seine Frau das Frühjahr in den Antwerpen. Dort studiert er die Kunst der Niederländer. In seinem Tagebuch vermerkt er die Entstehung von 12 Gemälden. Kurz darauf erkrankt er an Malaria, die ihn für den Rest seines Lebens beeinträchtigen wird. Im August kehrt er nach Nürnberg zurück. Dürer widmete sich wieder mit rastlosem Eifer der künstlerischen Tätigkeit. In den Jahren 1520/21 leitete er die Ausschmückung des Rathauses. Er stirbt am 6. April 1528 in Nürnberg.

2.7.11/31.12.11/

TypeMuseum™

2011-12-29T22:15:00.001+01:00

Wir bewegen uns in urbanen Räumen in einem Meer typografischer Botschaften. Das TypeMuseum erlaubt einen systematisierten Einblick in die Vielfältigkeit typografischer Zeichen und ermöglicht eine vergleichende Betrachtung, wie inhaltlich Ähnliches unterschiedlich kommuniziert wird.

TypeMuseum™. Das TypeMuseum zeigt Fundstücke aus vielen Ländern – Fotos von Schriften, Logos, Zeichen, Piktogrammen, Buchstaben, Wappen und anderen typografischen Werken. Das TypeMuseum versteht sich als ein offenes Forum der Diskussion und Auseinandersetzung über visuelle Alltagskommunikation und versucht durch Gegenüberstellungen und analytische Beschreibungen einen Blick auf mögliche Hintergründe und Motive für konkrete Gestaltungsformen zu werfen. Derzeit sind über 9000 Bilder auf der Website des Typemuseums und täglich kommen neue hinzu. Bei den Verbotstafeln und Gebotsschildern besticht ein Paradoxon: Je kreativer die Verbotsidee, desto einfallsloser das Schild. Das TypeMuseum™ ist eine wahre Fundgrube für Auge und Hirn und der virtuelle Besucher ist eingeladen, eigene Sichtungen zum Wachstum der Sammlung beizutragen.

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TypeMuseum™

Dossier Islam • Kultur • Politik

2011-12-25T22:29:00.000+01:00

Gegen das dumme Islam-Bashing aktiv: Mit dem Dossier beabsichtigt der Deutsche Kulturrat eine Versachlichung der Debatte über das Zusammenleben (in Deutschland). Das Dossier zeigt die kulturelle Vielfalt des Islams auf und soll Gespräche über das Miteinander anregen. Zugleich soll das Dossier dazu beitragen, Vorbehalte und Ängste gegenüber dem vermeintlich Fremden abzubauen. Das Dossier ist kostenfrei als pdf-Version zum Herunterladen.

Download:

Dossier Islam • Kultur • Politik - Herausgegeben von Olaf Zimmermann und Theo Geissler - 40 Seiten - ISBN 978-3-934868-26-7 pdf., 40 S., 4, 3MB, 20.12.2010

26.5.11/26.12.11/

Inhalt zur Vororientierung:

Editorial
1 Zweifellos Von Olaf Zimmermann - Einführung
2 Einladung zur konstruktiven Auseinandersetzung: Was ein Dossier „Islam ·
Kultur · Politik“ leisten kann von Olaf Hahn

Islam · Kultur · Politik
2 Ein Leitfaden durch das Dossier Islam Von Gabriele Schulz und Stefanie ErNst

Islamische Vielfalt
3 Islamische Vielfalt - Von den Gesichtern des Islam - Von Reinhard Baumgarten
4 Was glauben Muslime?
Grundsätze und Ziele des Islams - Von Aiman A . Mazyek
5 Herkunft, Glaubensrichtung, Bildung, Partizipation - Vom Eins-Werden und vom Einssein - Von Sonja Haug
6 Denken lassen: Das islamische Denken... - Deutschland kann der Ort einer modernen - Theologie werden - Von Katajun Amirpur
7 Alevitentum und Aleviten in Deutschland - Eine Religionsgemeinschaft mit dem Streben nach freundschaftlichem Dialog - Von Ismail Kaplan
7 Sufitum – die mystische Dimension des Islams - Asketen, Einsiedler, Derwische und Hochschullehrer - Von Reinhard Baumgarten

Judentum · Christentum · Islam
8 Jüdisches und christliches Erbe im Koran - Die Offenbarungen vorislamischer Propheten - Von Stefan Schreiner
9 Sind interreligiöse Bewegungen politisch relevant? - Offene Gesellschaft, religiöse Vielfalt - Von Regina Ammicht Quinn
9 Gewaltige Heuchelei - Ein Kommentar von Heribert Prantl
10 Akzeptanz und Wahrnehmung des Islams - Zu den Ergebnissen einer Studie der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster - Von Detlef Pollack
10 Glauben leben, wechseln, aufgeben - Konversionen zum und aus dem Islam
Von Jörn Thielmann
11 Aufklärung und Islam - Goethe, Lessing und andere Vordenker - Von Reinhard Baumg arten

Bildung · Religion · Glaube
12 Islamische Studiengänge in Deutschland - Tübingen, Münster/Osnabrück als Vorreiter - Von Annette Sch avan
13 Vorbeter, Seelsorger und theologische Referenz - Die Notwendigkeit einer Imamausbildung in Deutschland - Von Rauf Ceylan
13 Imame für Integration - Dreijährige Fortbildung: Qualifizierung für das neue Lebensumfeld Deutschland - Von Angela Kaya
14 Schwieriger Weg - Wie kann islamischer Religionsunterricht sinnvoll gestaltet werden? - Von Hamideh Mohagheghi
15 Allah und die Schöpfung - Aufgaben und Ziele des islamischen Religionsunterrichts - Von Eva-Maria El-Shabassy
15 Religionsunterricht als kulturelle Bildung - Alevitischer Religionsunterricht an den Schulen - Von Ismail Kaplan

Wissen über den Islam – Wissen des Islams
16 Transkulturelle Alternative zu den „Islamischen Studien“ - Die transnationale Dimension der Islamwissenschaft - Von Patrick Franke
17 Faszination Morgenland - Geschichte der Deutschen Morgenländischen
Gesellschaft - Von Claus Schönig
17 Wege zu den Kulturen des Islams - Das Münchner Zentrum für Islamstudien - Von Hans Georg Majer
18 Datenfluss im Mittelalter - Die Leistungen islamischer Gelehrter neu bewerten - Von Reinhard Baumgarten
19 Kulturelle Begegnung im kolonialen Kontext - Der Nahe Osten und Europa - Von Verena Klemm
20 Jeder Kulturdialog geht vom Sonderfall aus - Kulturarbeit in Ländern mit muslimischer Mehrheit - Von Wenzel Bilg er
21 Wo Muslime fremd sind, sind wir es auch - Plädoyer für ein Atelier der kosmo-politischen Wissenschaften und Künste in Berlin Von Almut Sh. Bruckstein Çoruh
22 Kollektives Gedächtnis und kultureller Speicher - Die Rolle des Museums für Islamische Kunst im Pergamonmuseum im heutigen Diskurs - Von Stefan Weber
23 Das Epizentrum liegt am Golf - Andreas Kolb im Gespräch mit Michael Schindhelm
24 Dem Ursprung nachspüren - Stefanie Ernst im Gespräch mit Hamed Eshrat
24 Geschlossene Gesellschaft? - Stefanie Ernst im Gespräch mit Loredana Nemes

Islam in den Medien
25 Aufgeklärte Islamophobie - Das Islambild deutscher Medien - Von Kai Hafez
26 Seriöse und kompetente Brücke zur islamischen Welt - Das Online-Magazin Qantara.de - Von Loay Mudhoon
26 Nafas Kunstmagazin - Aktuelle Kunst vom Maghreb über den Nahen Osten bis Südostasien - Von Gerhard Haupt und Pat Binder
27 Medienmacherin mit Migrationshintergrund - Stefanie Ernst im Gespräch mit Sineb El Masrar
28 Kennt man sich, so braucht man keine Schublade mehr - Brückenbauen zwischen Parallelwelten – per Mausklick - Von Kübra Yücel
28 Das Islamische Wort Gabriele Schulz im Gespräch mit Reinhard Baumgarten
29 Forum am Freitag - Eine Plattform für Muslime und Nicht-Muslime im ZDF - Von Abdul-Ahmad Rashid und Kamran Safiarian

Zusammenleben in Deutschland
30 Rechtliche Anerkennung des Islams - Weder Gleichberechtigung noch Gleichbehandlung in Sicht - Von Aiman A. Mazyek
31 Die Deutsche Islam Konferenz 2006 bis 2009 - Zusammensetzung und Ergebnisse - Von Gabriele Hermani
32 Scharia und Grundgesetz: Ein Widerspruch? - Die Islamische Charta des Zentralrats der Muslime in Deutschland - Von Mathias Rohe
33 Der Islam aus Sicht des Verfassungsschutzes - Ein friedliches Zusammenleben braucht sachliche Auseinandersetzung - Von Heinz Fromm
34 „Wir brauchen heute mehr Dialog als je zuvor“ Aiman A. Mazyek im Gespräch mit Ali Dere, dem Stellvertretenden Vorsitzenden der DITIB
34 Nutzen für alle - Starke islamische Zivilgesellschaft - Von Olaf Zimmermann
35 Tag der offenen Moschee - Gespräche mit Muslimen sind effektiver als Gespräche über sie Von Nurhan Soykan
36 Welche Bedeutung hat der Islam für ihre politische Arbeit? Abgeordnete muslimischen Glaubens geben Auskunft
36 Islam-Bashing - Ein Kommentar von Aiman A. Mazyek
37 I love my prophet - Stefanie Ernst im Gespräch mit Melih Kesmen
38 Die Sehnsucht nach neuen Idealen - Von der Psychologie des Terrors - Von Wolfgang Schmidbauer
38 Islamfeindlichkeit in Deutschland - Ausgrenzende Strukturen ernst
nehmen - Von Sabine Schiffer
39 Literaturtipps
39 Impressum

Allen Ginsberg: Howl

2011-12-24T18:55:00.000+01:00

San Francisco, 13. Oktober 1955. In einer ehemaligen Autowerkstatt, welche sich "Six Gallery" nennt, findet eine Lesung statt. Allen Ginsberg tritt zur ersten öffentlichen Lesung seines Gedichts "Howl" ("Das Geheul") an. Der exaltierte Vortrag des 29jährigen löst Begeisterungsstürme aus.

Howl. Mit dem legendären Auftritt in San Francisco am 13. Oktober 1955 hatte alles begonnen. Lawrence Ferlinghetti, sein späterer Verleger, schickte ihm am Tag danach ein Telegramm: "Ich grüße Dich am Beginn einer großen Karriere." Allen Ginsberg erlangte mit diesem ersten öffentlichen Gedicht eine Berühmtheit, die bis heute, auch nach seinem Tod, anhält. Wie kein zweiter Text wurde "Howl" zum Ausdruck für den Beat, für Flower-Power, für das Lebensgefühl der rebellischen Jugend in den fünfziger und sechziger Jahren. Der Gedichtband löste bei seinem Erscheinen im Jahr 1956 gar einen Skandal aus und wurde beschlagnahmt. Sein Verleger kam wegen des Verkaufs "obszöner Literatur" vor Gericht. Der Prozess, der mit einem Freispruch endete, verhalf dem Autor und seinem Buch zu ungeheurer Popularität. Aber nicht der Vorhalt, dass Ginsberg in diesem Gedicht obszön sei, hatte diesen Skandal bewirkt, sondern die Verknüpfung des Obszönen mit der Sphäre des Heiligen und Religiösen. Die Protagonisten in "Das Geheul" treten als Heilige der neuen Zeit auf, weil sie die Missstände in der Gesellschaft nicht verdrängen, sondern sich mit ihnen identifizieren. Manche Rezensenten nennen den Text deshalb auch "sakral".

Das Lang-Gedicht beschreibt die Hölle des Molochs Amerika, die Hölle der Eisenhower-Präsidentschaft, der Atombombe, des kalten Kriegs, der Intellektuellenhatz McCarthys. "Ich sah" – beginnt die berühmte erste Zeile, eine Katastrophenmeldung – "die besten Köpfe meiner Generation zerstört vom Wahnsinn, ausgemergelt hysterisch nackt, wie sie im Morgengrauen sich durch die Negerstraßen schleppten auf der Suche nach einer wütenden Spritze ...". Was folgt, ist ein apokalyptischer Trip durch die Nachtseiten New Yorks und des American Dream, eine Wehklage, ein zorniger Aufschrei gegen die gefühllose, inhumane, bewusstseinstötende Welt des Kapitalismus. Gleich einer Jazz-Improvisation, artikulieren der 1. und 2. Teil die anonymen Schicksale der unter die Räder Gekommenen, der Drogensüchtigen, Alkoholiker und Obdachlosen, der Künstler und Homosexuellen. Im dritten Teil wird der Blick auf den in Rocklands Irrenhaus einsitzenden Carl Solomon gerichtet. Er, dem das Gedicht gewidmet ist, ist das beispielhafte Opfer, das Lamm, das wegen seines abweichenden Verhaltens aus der Gesellschaft ausgeschlossen wurde. Der 4. Teil spricht all diese Ausgestoßenen schließlich quasi heilig: "Heilig das Vergeben!" – so der versöhnliche Schluss – "Barmherzigkeit! Nächstenliebe! Glaube! Heilig! Unser! Körper! Leiden! Großmut! Heilig die übernatürliche extra brillante intelligente Güte der Seele!"

Carl Solomon. Der unmittelbare Anlass des Gedichts war die Nachricht, dass Carl Solomon, den Ginsberg beim ersten Aufenthalt in einer Irrenanstalt kennen gelernt hatte, neuerlich interniert worden war. Carl Solomon war beeindruckt von Artauds Buch über van Gogh, ("Der Selbstmörder durch die Gesellschaft") in dem Artaud jede Art von Psychiatrie heftig angreift. Dem zufolge sind psychisch Kranke in Wahrheit besonders begabte Menschen, die mit ihrer größeren Sensibilität die gesellschaftlichen Vorurteile besser durchschauen. Von Solomon hört Ginsberg: "Irrenanstalten sind Einrichtungen, um geistig Gesunde in den Wahnsinn zu treiben." Diese Behauptung wird ihre Auswirkungen auf Allens weiteres Schreiben haben.

Flower Power. Die Lyrik dieses Popstars, von dem der Reim "Flower Power" stammt, gehört zu den wichtigsten literarischen Dokumenten der "Beat Generation". Dazu zählt auch Jack Kerouacs Roman "On the Road", der Bericht über die Reise einer Gruppe junger Männer durch Amerika auf der Suche nach einem schnellen und wilden Leben. Während Kerouac jenen alternativen Lebensstil feiert, den zeitgenössische Kritiker einen "neurotischen Hunger nach Sensationen und Erfahrungen" nannten, listet Ginsberg die Kosten dieser Lebensform auf. Er überträgt darin Kerouacs Programm der "spontanen Prosa" in die Lyrik. Sein Publikum, die junge amerikanische Boheme der fünfziger und sechziger Jahre, findet sich darin wieder. Es ist beeindruckt von der radikalen Offenheit, mit der Ginsberg über die eigenen Empfindungen und Erfahrungen schreibt. Er bricht Tabus, um Anklage gegen eine menschenfeindliche Welt zu erheben.

Es ist ein Bericht über den "Krieg", den Krieg der Normalität gegen das kreative Potenzial des Landes. Amerika, das erst einen Krieg gewonnen hatte und den Verlierern großherzig wieder auf die Beine half, begann einen getarnten Bürgerkrieg gegen seine Dissidenten, den es auf der Ebene der Institutionen scheinbar gewinnen sollte. Die berüchtigten Ausschüsse des Eugene McCarthy etwa säuberten erfolgreich Hollywood. Doch dabei begann für die nachrückende Generation der Druck zu einer anachronistischen Normalität unerträglich zu werden. Auch unter dem Eindruck der Atombombe formierte sich eine informelle Jugendbewegung, die letztlich das amerikanische Jahr 1968 ermöglichte. Eine in sich durchaus heterogene Fraktion dieser Jugendbewegung nannte sich die "Beat Generation", Beat im Doppelsinn gemeint: eine "geschlagene" Generation, die zur Anpassung unfähig war und ihr Lebensgefühl aus dem "Beat", der Musik der ausgegrenzten Schwarzen, bezog.

Als Geburtsstunde der Beatbewegung gilt heute ihren Chronisten vielfach das Jahr 1944, als sich Allen Ginsberg, Jack Kerouac und William S. Burroughs an der Columbia University in New York begegneten. Die drei sahen sich als Vordenker einer neuen literarischen Richtung, die sich jedoch schnell verselbstständigte und bald literarischer Ausdruck eines Trends wurde, der über die Welt der Literatur hinausreichte. Aus der anfangs subversiven, antibürgerlichen Bewegung wurde ein Lebensgefühl, und das konservative Establishment sollte die jungen Autoren schon bald als Stars der amerikanischen Kunst- und Literaturgeschichte feiern. An den Akademien und Universitäten stieß die Beat-Literatur jedoch zunächst auf Ablehnung. Das FBI beobachtet Allen Ginsberg jahrelang, weil es in ihm eine Gefahr für das öffentliche Leben sah.

Allen Ginsberg. Er wurde am 3. Juni 1926 in Newark im US-Bundesstaat New York geboren. Er studierte Jura an der Columbia University, wechselte später zur Literatur. Allerdings verbrachte er viel Zeit in einem Freundeskreis, in dem Drogen, Kriminalität und Sex genauso gehuldigt wurden wie der Literatur. Trotzalledem: Er erhält schon während des Studiums einen angesehenen Lyrikpreis. Angesichts des Treibens in seinem Freundeskreis wurde er von der Uni verwiesen. Er blieb in New York, tauchte gleichermaßen in die Drogen und die Schwulenszene ein. Als etliche aus seinem Freundeskreis dann auch noch verhaftet wurden, kehrte er zu einem "normalen" Leben zurück. Er erklärte sich für heterosexuell und nahm eine Stelle im Marketing an. Das änderte sich aber bald wieder. Er traf Carl Solomon in einer Psychiatrie. Darüber fand er Zugang zu einigen New Yorker Autoren. Er selbst hatte bis dahin schon einiges geschrieben, aber kaum veröffentlicht. Erst die aufsehenerregende Lesung seines Buchs "Howl" sollte in Folge alles ändern.

Allen Ginsberg gehört seitdem zu den schillernsten Wortführern der Beatbewegung. Seine Gedichte spiegeln sein Leben wider: Homosexualität, Drogenerfahrungen und Außenseitertum. Daneben geht es um den Vietnamkrieg, soziale Ungerechtigkeit, Religion, das Altern und schließlich den Tod. Dem Buddhisten und dem Juden, dem Visionär und dem Zeitkritiker, dem Patrioten und dem Bürgerschreck, dem Prediger und dem Propagandisten der freien Liebe, dem enfant terrible und dem Umweltschützer, dem Drogenesser und dem gay activist, dem Pazifisten und dem PR-Manager seiner selbst dienen literarischen Vorbilder, die er in seinen Gedichten auch nennt: Dante, William Blake, Arthur Rimbaud, Walt Whitman, William Carlos Williams und T. S. Eliot. Klang und Rhythmus seiner Gedichte deuten oft auf den frühen Jazz mit seinen "hot rhythms" hin.

Er wurde aus Kuba und aus Prag rausgeschmissen, sorgte für Aufregung in Indien und war ein steter Dorn im Fleisch der amerikanischen Rechten, insbesondere während des Vietnamkriegs. Trotzdem hat sein Werk den politisch-subversiven Beat-Pop-Autor zu einem anerkannten Klassiker gemacht - womöglich gegen seinen Willen. Als sich das soziale Klima des Landes änderte, wurde Allen Ginsberg wurde ein anerkanntes Mitglied der American Academy of Arts and Letters und Lehrer an verschiedenen Universitäten und Instituten. Der einstige Gegenspieler der etablierten Kultur war ins kulturelle Establishment aufgestiegen.

Allen Ginsberg erlag am 5. April 1997 in New York City dem Leberkrebs.

Link ➨ Anhören/Lesen: A Supermarket in California by Allen Ginsberg
Link ➨ Anhören: Pacific Radio Archiv - Allen Ginsberg’s "Howl" (58:56)
Link ➨ Lesen: Das Geheul - Von Allen Ginsberg für Carl Solomon
Link ➨ Anhören: Internet-Archive - An Anne Waldman and Allen Ginsberg poetry reading.
22.5.11/24.12.11/

Weltkulturerbe: Schätze der Welt

2011-12-22T04:32:00.001+01:00

Schätze der Welt – Erbe der Menschheit ist eine Dokumentarreihe deutscher öffentlich-rechtlicher Rundfunkanstalten.

Die enorme Sammlung an Texten, Informationen, Bildern und Videos ist auch im Internet aufrufbar und bequem unabhängig von Sendeterminen nutzbar.

Schätze der Welt
Afrika
Amerika
Asien
Australien
Europa
Spezial
Länder A bis Z
Denkmäler A bis Z

Link ➨ Weltkulturerbe: Schätze der Welt
18.5.11/22.12.11/

Brahms digital

2011-12-21T00:10:00.002+01:00

[Retrodigitalisat] Rund 20 000 Musikhandschriften und Briefe des Komponisten Johannes Brahms sind via Internet in digitalisierter Form zugänglich. Die hochwertige Qualität der Digitalisate lässt für editorische und publizistische Zwecke keine Wünsche offen. Die Digitalisate liegen in einer Auflösung von 1.200 dpi (Fotos) bzw. 400 dpi (Autographe, Briefe, Drucke etc.) als RGB-Tifs vor und sind bereits sorgfältig freigestellt, um die graphische Weiterverarbeitung zu erleichtern. Die Präsentation erfolgt über datenbank- und serverunabhängige HTML-Galerien, für die lediglich ein Browser und Java Script notwendig sind.

Auch die besonders kostbaren Herzstücke der renommierten Lübecker Sammlung können nun weltweit abgerufen werden, unter anderem die Musikhandschriften und Briefe des Komponisten oder sein Adressbüchlein. Hinzu kommen rund 55 Stichvorlagen zu Brahms-Werken, die eigenhändige Eintragungen des Komponisten enthalten, ein Konvolut von mehr als 200 Konzertprogrammen der Brahms-Zeit sowie knapp 100 Notendrucke mit Brahms gewidmeten Kompositionen. Zahlreiche Albumblätter und Musikmanuskripte aus dem Brahms-Umfeld ergänzen die digitale Kollektion.

Das Brahms-Institut hatte bereits 2003 seinen umfangreichen Fotobestand digitalisiert, der überwiegend aus dem Brahms-Nachlass stammt. 2006 folgten mit dem Digitalen Notenschrank die kompletten Erst- und Frühdrucke der Werke von Brahms mit über 11 000 Einzelseiten. Das Brahms-Institut hat mit derzeit über 20.000 online verfügbaren Digitalisaten auch in gestalterischer Hinsicht bei der Präsentation des Archivs neue Maßstäbe gesetzt.

Link ➨
Brahms digital

Luigi Russolo: Die Geräuschkunst - L'arte dei rumori

2011-12-19T10:09:00.000+01:00

[Free eBook] 1913 veröffentlichte der italienische Futurist Luigi Russolo das musikalische Manifest "L'arte dei rumori" (Die Geräuschkunst).

Ein futuristisches Manifest. Ausgehend von dem Geräuschpegel moderner Großstädte und Maschinen setzt Luigi Russolo sich mit der Behandlung von Geräuschen in der Musik auseinander. 1913 widmete er Ballila Pratella, dem Musiker der fututistischen Gruppierung, das als Brief formulierte Manifest "L' arte dei rumori".

Luigi Russolos sogenanntes Manifest L'Arte dei Rumori, erstmals 1913 publiziert, und zehn weitere lesenswerte Kapitel über Russolos Geräuschanalysen, seine intonarumori etc. wurden 1999 von Justin Winkler und Albert Mayr ins Deutsche übersetzt und unter dem Titel Luigi Russolo. Die Geräuschkunst auch als Online-Version veröffentlicht.

eSources:

15.5.11/18.12.11/

Mozarts "Verzeichnüss aller meiner Werke"online

2011-12-11T00:24:00.000+01:00

Auf der Website der British Library ist eine Hi-Tech-Version von Mozarts "Verzeichnüss aller meiner Werke" zu finden. Jedes einzelne der insgesamt 145 Stücke, die Mozart zwischen Februar 1784 und seinem Tod im Dezember 1791 in dieser Übersicht festhielt, kann in der Ausstellung angehört werden. Das Online-Tagebuch präsentiert auf 30 Seiten insgesamt 75 hörbare Beispiele.

Link ➨
Mozarts "Verzeichnüss aller meiner Werke"online

31.5.08/11.12.11/

[Free eBook] Do The Reggae – Von Pocomania bis Ragga und der Mythos Bob Marley

2011-12-09T21:50:00.000+01:00

[Free eBook] Der Autor René Wynands stellt sein erstmals 1995 bei Pieper und Schott erschienenes Buch "Do the Reggae". Reggae von Pocomania bis Ragga und der Mythos Bob Marley als PDF-Version komplett zum Download bereit.Es zeichnet in alternierenden Kapiteln die Geschichte des Reggae nach und stellt den Mythos Bob Marley in

seinen musikgeschichtlichen Kontext.

Reggae ist auf der Karibikinsel Jamaika echte Volksmusik. Sie ist Ausdruck der Ansichten, Wünsche und Interessen der äußerst lebendigen und kreativen jamaikanischenGesellschaft. Hauptvertreter des Reggae war Bob Marley (1945–1981), der in den 1970er Jahren zu einer Kultfigur wurde. Das Buch zeichnet die Geschichte des Reggae bis in das Jahr 1996 nach und stellt dabei den Mythos Bob Marley in seinen musikgeschichtlichen Kontext. Es gibt einen tiefen Einblick in Herkunft, Entwicklung und in die Spielweisen einer faszinierenden Musik, deren innovativer Einfluss die euro-amerikanische Popmusik noch heute entscheidend befruchtet.

Das PDF kann kostenlos herunter geladen werden (724 KB). Es ist jedoch aus leicht verständlichen Gründen nicht erlaubt eine gedruckte Version des Buches kommerziell zu vertreiben.

Mehr + Download

Free eBook: René Wynands - Do The Reggae – Von Pocomania bis Ragga und der Mythos Bob Marley
15.5.11/10.12.11/

Die Farbe der Tränen: Der Erste Weltkrieg aus der Sicht der Maler

2011-12-08T19:26:00.000+01:00

Der Erste Weltkrieg aus der Sicht der Maler. "La Grande Guerre" - wie dieser Wahnsinn in Frankreich genannt wird - dauerte vier Jahre und kostete acht Millionen Menschen das Leben. Künstler wie Boccioni, Macke, Marc, La Fresnaye, Gaudier-Brzeska fielen oder gingen daran zugrunde.

Künstler an der Front. Das Anliegen dieser webbasierten Ausstellung besteht nicht darin, diese Ereignisse erneut zu erläutern, sondern zu zeigen, wie und unter welch schwierigen Bedingungen Künstler - und welche Künstler - beiderseits der Front sie darstellten. Unter den Millionen von Soldaten befanden sich Maler aller Nationalitäten und aller Richtungen. Die um 1880 Geborenen wurden gleich zu Beginn des Konflikts mobilisiert. Sie lernten den Krieg in allen Einzelheiten kennen, da sie ihn miterlebten. Boccioni, Macke, Marc, La Fresnaye, Gaudier-Brzeska fielen oder gingen daran zugrunde. Nur Angehörige neutraler Länder wie die Spanier Picasso und Gris blieben davon verschont. Andere hingegen zogen aus Patriotismus freiwillig in den Krieg oder weil sie dieser Katastrophe nicht untätig zusehen wollten.

Vom Zeugen zum Soldaten. Von wenigen Ausnahmen abgesehen waren Schriftsteller und Künstler bis zu diesem Zeitpunkt unbeteiligte Zeugen des Kriegsgeschehens gewesen. 1914 waren sie erstmals gezwungen, selbst daran teilzunehmen, ob sie nun Deutsche, Briten, Italiener, Österreicher oder Franzosen waren. Léger wurde als Krankenträger, Kokoschka als Kavallerist, Beckmann als Sanitäter, Derain als Artillerist, Camoin als Tarnspezialist, Dix als MG-Schütze eingesetzt. Viele von ihnen zeichneten oder malten das Gesehene und Erlebte. Die schnell hingeworfenen Skizzen, mit denen sie an vorderster Front ihre Hefte füllten, und ihre nach der Rückkehr ins Hinterland entstandenen Gemälde sind ergreifende und wahrheitsgetreue Zeugnisse.

eSource:

Die Farbe der Tränen4.5.11/12.12.11/

The Great Buildings Collection

2011-12-06T23:08:00.000+01:00

Great Buildings Online ist eine Online-Ressource für weit mehr als "nur" Architekten.

Sie ist für den privaten Gebrauch, für Bildung und Non-Profit-Zwecke vollkommen frei zugänglich und nützbar. Über 1000 großartige Bauwerke dieses Planeten werden - oft in 3D - mit ihren Architekten und regionalen Plätzen dokumentiert.

Great Buildings Online. Dass diese amerikanische Website nur in English nutzbar ist, sollte heute kein Hindernis mehr sein und auch der User, dessen English nicht allzu elegant ist, findet sich leicht zurecht. Finanziert und herausgegeben ist die führende Architektur-Website von der Artifice Inc. (USA). Great Buildings Online bietet zu den Bauwerken Bilder, Texte und 3D-Modelle. Gesucht und gefunden werden kann über einfache und eine umfassende Suchfunktionen, aber den Überblick über die Struktur des Online-Angebotes - die erfassten Architekten, Gebäude und die regionale Streuung - hat man rasch, wenn man die Menuepunkte "Buildings", "Architects". "Architectural Types" und "Places" anklickt.

eSource:

Great Buildings Online
30.4.11/7.12.11

Schweizer Plakatsammlung

2011-12-05T00:46:00.000+01:00

Die Sammlung digitalisierter Plakate umfasst eine grosse Vielfalt. Die vorgeführten Beispiele stammen aus der Zeit Ende des 19. Jahrhunderts bis heute und bieten spannende Einblicke in die Kultur dieser Epoche. Sie werben für den Tourismus, Ausstellungen, Produkte, Kulturanlässe, Sport und politische Kampagnen.

English, Francais und Deutsch. Die Website erlaubt ein Lesen in drei Sprachen: English, Francais und Deutsch. Die vorgestellten digitalisierten Plakate stammen aus den Sammlungen der Schweizerischen Landesbibliothek (SLB), der Bibliothèque publique et universitaire (BPU) de Genève, der Médiathèque Valais und das Verkehrshaus der Schweiz und werben unter anderem für den Tourismus, Ausstellungen, diverse Produkte, Kulturanlässe, Sport und politische Kampagnen. Um die Schau zu starten ist ein Suchbegriff einzugeben, der vielfältiger Natur sein kann: Sport, Kunst Landesaustellung, Winter, ...

Geben Sie einfach einmal einen Suchbegriff ein ...

Link ➨ Schweizer Plakatsammlung
25.4.11/4.12.11/

Santa Claus - Eine Migrationsgeschichte

2011-12-03T19:19:00.000+01:00

Ein deutscher Einwanderer aus Deutschland erzeichnete Santa Claus, Das $-Zeichen, den Esel der Demokraten, den Elefanten der Republikaner und Uncle Sam.

Thomas Nast, das Kind aus Landau in der Pfalz wird in den USA als "America’s Image Maker" gefeiert. Er gilt als der größte amerikanische politische Karikaturist und als Vater der amerikanischen Karikatur schlechthin. Seine Zeichnungen trugen wesentlich zum Sieg im Bürgerkrieg bei und übten maßgeblichen Einfluss auf den Wählerentscheid bei der Wahl von sechs amerikanischen Präsidenten aus. Ihm ist es zu verdanken, dass die politische Karikatur in den USA eine einflussreiche und renommierte Form des Journalismus wurde. Uncle Sam mit seinem fordernden Finger, der im Vietnamkrieg die Moral der amerikanischen Armee heben sollte. Der Elefant der Republikaner, der Esel der Demokraten, die Symbole der beiden großen amerikanischen Parteien.

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Vorarlberger Naturfreunde: Santa Claus - Eine Migrationsgeschichte

Der Plakatfund aus dem Kino Radium in Zürich, Filmplakate der Jahre 1907 bis 1914

2011-12-01T21:53:00.000+01:00

Ausgrabungen im Saal des ehemaligen Kinos Radium förderten eine dichte Abfolge von Siedlungsresten aus dem mittelalterlichen «Niederen Dorf» zutage. In dem historischen Gebäude wohnten vom 14. Jahrhundert an bis 1909 Müllersfamilien. Das Haus weist bemerkenswerte repräsentative Wohnräume des 17. bis frühen 19. Jahrhunderts auf, die jetzt wieder instand gestellt sind.

Filmplakate. Eine aussergewöhnliche Entdeckung sind die nahezu 100 Filmplakate und weiteren Materialien zu Kino und Filmverleih, die im Dachgeschoss hinter einem Wandtäfer zum Vorschein kamen. Der filmhistorisch spektakuläre Fund führt in die Anfangszeit des Kinos Radium und beleuchtet die bis anhin wenig bekannten Werbeaktivitäten eines der ersten Schweizer Lichtspielhäuser.

Das Kino Radium war eines der ersten ortsfesten Lichtspieltheater in Zürich. Es wurde 1907 an der Mühlegasse 5 im Erdgeschoss eines mittelalterlichen Altstadthauses eingerichtet. 2008 erfolgte die Schliessung im Rahmen eines umfassenden Umbaus der Liegenschaft, den die Stadtarchäologie Zürich begleitete. Bei Räumungsarbeiten kam im Sommer 2009 im Dachstock ein Stapel mit annähernd 100 Filmplakaten aus der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg zum Vorschein. Der von einem Mitarbeiter der Stadtarchäologie geborgene Fund umfasst 90 Filmplakate (davon 52 Dubletten, bis zu 12 pro Plakat), 68 Programmzettel (davon 62 Dubletten), einige Filmzeitschriften sowie weitere Materialien zur Hauptsache aus den Jahren 1911 bis 1914.

Bei den Plakaten handelt es sich sowohl um internationale Verleihplakate als auch um lokale Eigenproduktionen (überwiegend Textplakate). Die 69 beworbenen Filme stammen aus Deutschland, aus den USA, aus Frankreich, Italien, Dänemark, Grossbritannien, Österreich und Russland. Die Papiere lagen bei ihrer Auffindung als ungeordneter Stapel hinter einer Holzvertäferung über dem Dachvorsprung. Die Fundumstände lassen vermuten, dass die Plakate versteckt worden waren. Der Grund dafür bleibt rätselhaft. Ein Zeitungsartikel und ein Programmzettel aus den 1930er Jahren sind die jüngsten datierbaren Bestandteile des Fundes. Sie weisen darauf hin, dass die älteren Filmplakate auch erst in dieser Zeit deponiert worden waren. Der Stapel konnte nahezu vollständig geborgen werden.

Der Erhaltungszustand der meisten Plakate ist leider schlecht. Aus filmhistorischer Sicht ist der Fund jedoch spektakulär. Anhand der entdeckten Affichen (und der wenigen bereits vorher bekannten Plakate) aus der frühen Stummfilmzeit lässt sich die Werbetätigkeit der ersten Schweizer Lichtspielhäuser rekonstruieren. Nicht zuletzt die "geschmacklose" Plakatwerbung etablierte in bildungsbürgerlichen Kreisen den schlechten Ruf des Kinos, der auch Einfluss auf die Überlieferung und damit auf die bisherige filmhistorische Bewertung der kinematografischen Gebrauchsgrafik ausübte.

Das als PDF vorliegende Inventar verzeichnet alle aufgefundenen Gegenstände mit Kinobezug (ohne Dubletten). Die Abbildungen zeigen die Fundstücke in unrestauriertem Zustand.

Ab Ende 2011 werden die instand gesetzten Filmplakate im Stadtarchiv Zürich für Forschungszwecke zugänglich sein.

Download:
Plakatfund Kino Radium (PDF, 33 Seiten, 7 MB)
Adrian Gerber, Andreas Motschi, Der Plakatfund aus dem Kino Radium in Zürich, Filmplakate der Jahre 1907 bis 1914 und weitere Materialien, Inventar, Zürich 2011.
25.2.11/27.10.11/2.12.11/

Ein virtuelles Museum: On-Line Picasso Project

2011-11-27T00:15:00.000+01:00

Ein Picasso-Museum auf dem Bildschirm und bequem im Wohnzimmer, Schlafzimmer, Büro oder Atelier. Da kommt man aus dem Staunen nicht mehr heraus und Sie können ruhig schon mal den Schlafsack und Knabbergebäck vor dem PC bereitstellen: Ein Augenschmaus für viele Tage und Nächte, wochenlang!

Einmalig. Über 20.000 katalogisierte Werke von Pablo Picasso fein säuberlich und chronologisch aufgezeichnet und abgelichtet, mit Lupe zu betrachten, mit Such-, Kalender und Kondardanzfunktion. Dazu 10.500 biografische Einträge zum Leben Picassos, fast 9000 archivierte Beiträge über Picasso, über 10.000 kunstbezogene Notizen, endlos Literaturhinweise, kontextuelle Anmerkungen,Kommentare, 882 erfasste Sammlungen und noch eine Menge, Menge mehr. Wo und über wen gibt es das sonst noch?

Suchtgefahr. Das Menü des Non-Profit-Projects der Texas A&M University sollte einmal zur Information durchgelickt werden, damit man die Fülle und Systematik auch wirklich entdeckt. Das bisschen English dürfte kaum schaden, ein Problem ist es jedenfalls kaum. Und dann wichtig: Bookmark setzen! Denn ein Tag wird für diesen "Museumsbesuch" wohl nicht ausreichen und die Website macht süchtig!

eSource:

On-Line Picasso Project der Texas A&M University

24.4.11/28.11.11/

Das Kratzen der Nadel im Archiv: 78er-Schallplatten als Downloads verfügbar

2011-11-22T21:10:00.000+01:00

Das Londoner King´s College offeriert im Rahmen seines Charm-Projektes (Centre for the History and Analysis of Recorded Music) alte 78-RPM-Aufnahmen digitalisiert zum Herunterladen an. Greifbar sind derzeit rund 5000 kostenlose Tondokumente.

King's College London. King's College London ist eine unter den 25 Spitzenuniversitäten der Welt, die älteste in London und die viertälteste in England. Das College wurde 1829 gegründet und erhielt seinen Namen nach der Schirmherrschaft König Georgs IV.

CHARM. Das 2004 gegründete Centre for the History and Analysis of Recorded Music (CHARM) ist die wichtigste und grösste europäische Institution für die musikalische Interpretations- & Performanceforschung. Sie ist an drei britischen Universitäten (Royal Holloway University of London, King’s College London und University of Sheffield) domiziliert und organisiert zwei Symposien jährlich. Darüber hinaus macht es eine Fülle hoch interessanter historischer Musikaufnahmen, die bis ins Jahr 1914 zurückreichen, unentgeltlich online verfügbar.

5000 hörbare Dateien. Das Charm-Archiv umfasst derzeit mehr als 5000 Audiodateien, die entweder im MP3-Format online abgehört oder als Flac-Datei heruntergeladen werden können. Viele davon sind Teil des Projektes "Musicians of Britain and Ireland, 1900-1950". Dort finden sich auch Originale von Sir Arthur Conan Doyle Stimme und er erzählt Sherlock Holmes.

Damit erweckt das Projekt legendäre Aufnahmen wieder zu Leben, die sonst in den Archiven verstaubt wären. Die Aufnahmen stammen aus dem einmaligen und geradezu legendärem Archiv früher Aufnahmen des King's College, das an die 150.000 Stücke dazu archiviert. Neben speziellem Klassik-Repertoir geht es um die britische Musik vor dem Zweiten Weltkrieg. Diese Archivierung und Wiederveröffentlichung ist für die Briten deshalb auch bedeutungsvoll, da ab 1931 die lokalen Künstler mehr und mehr aus dem Gesichtsfeld der Öffentlichkeit verschwanden, weil im Zuge von internationalen Firmenübernahmen und Konzentrationen im Schallträgergeschäft dort der Fokus vermehrt auf international vermarktbare Namen gelegt wurde.

Unter den Aufnahmen finden sich Perlen wie eine Wiedergabe von "Rhapsody in Blue" durch Mischa Spoliansky und das Julian Fuchs Symphony Orchestra aus dem Jahr 1927 oder Chopin-Interpretationen aus den 1910er- und 1920er-Jahren mit Eileen Beattie, Alfred Cortot, Mark Hambourg, Isolde Menges und Irene Scharrer und es kommt zu auditiven Wiederbegegnungen mit Künstlern wie den Geigern Albert Sammons oder Yovanovitch Bratza oder den Pianisten Karol Szreter und Mischa Spoliansky. Das Projekt legt speziell Wert darauf, klingende Zeugen der Zeit wieder verfügbar zu machen, die nicht als CD oder sonstwie online angeboten werden.

Links:
The AHRC Research Centre for the History and Analysis of Recorded Music
Opening up Britain’s musical memory
10.4.11/23.11.11/

Ohrfeige für Honecker

2011-11-21T22:48:00.000+01:00

Bei einem amerikanischen Bombenangriff erlitt Ernst Busch am 22. November 1943 - Häftling der Nazis im Untersuchungsgefängnis Moabit - schwere Kopfverletzung und eine Lähmung der linken Gesichtshälfte. Trotzdem sang er weiter bis zu jenem Tag des Jahres 1961, an dem er Honecker geohrfeigt haben soll.

Zusammen mit vielen anderen deutschen Emigranten wurde Ernst Busch im Mai 1940, als die deutsche Wehrmacht in die Niederlande und Belgien einmarschierte, interniert. Bei einem Fluchtversuch wurde er an der Schweizer Grenze verhaftet, der Gestapo ausgeliefert und ins Berliner Gefängnis Moabit gebracht. Die Anklage gegen Busch lautete »Vorbereitung zum Hochverrat«. Es drohte ihm die Todesstrafe. Durch die Intervention von Gustav Gründgens erhielt er jedoch 1943 »nur« eine vierjährige Zuchthausstrafe.

Busch kann sich bei Gründgens revanchieren: 1945/46 erfolgt eine neunmonatige sowjetische Internierung Gründgens; im Prüfungsverfahren sagen zahlreiche Künstler, unter ihnen Ernst Busch, für Gründgens aus, so dass er im April 1946 entlassen wird. Busch kannte Gründgens bereist seit seiner ersten Theaterstelle in Kiel. Im Dezember 1921 spielte er mit Gustaf Gründgens in »Die letzten Masken« von Arthur Schnitzler beim Vereinigten Städtischen Theater in Kiel. 1929 hatte er Kabarett-Auftritte mit Grethe Weiser und Ernst Busch in der Nelson-Revue.

Ob die Ohrfeige aus der Hand von Ernst Busch Erich Honecker wirklich auch erhalten hat, darüber streiten sich die Leute. Die einen nennen es Legende, andere Verleumdung. Insider wollen jedoch wissen und insistieren hartnäckig darauf, dass er sich erlaubt hatte, Erich Honecker auf einer Parteisitzung zu ohrfeigen. Belegt ist zumindest, dass er der FDJ (Freie Deutsche Jugend) - deren Vorsitzender Erich Honecker von 1946 bis 1955 war - empfahl, ihn »am Arsch zu lecken«.

Seinen Zorn hatte man mit dem Wunsch hervorgerufen, anlässlich der Weltjugendfestspiele - für deren Organisation Honecker verantwortlich zeichnete - die Hymnen der beteiligten Länder abzuspielen. Busch sah verständlicherweise keinen Grund dafür, die Hymnen der damals faschistischen Diktaturen Spaniens und Griechenlands auf DDR Boden aufzuführen. Infolge der heftigen und zum Teil deftigen Auseinandersetzungen mit dem Zentralrat der FDJ, der Parteiüberprüfungskommission und der staatlichen Kunstkommission erhielt Busch zunehmend weniger Möglichkeit, als Sänger öffentlich zu wirken. Wegen zunehmender Krankheit sah sich - nach offizieller DDR-Version - Ernst Busch gezwungen, die Bühne zu verlassen. Jedenfalls wurde er mehr und mehr kaltgestellt und war nur noch auf Schallplatten zu hören.

Ernst Busch († 8.6.1980 in Berlin) wurde am 22. Januar 1900 in Kiel geboren. Ein Jahr nach Beginn des 1. Weltkriegs begann er eine Lehre auf der Kruppschen Germania-Werft als Werkzeugmacher und arbeitete dort u.a. als Facharbeiter im Ventilbau für U-Boote. Busch, der schon seit 1919 privaten Gesangs- und Schauspielunterricht genommen hatte, bewarb sich als Schauspieler beim Vereinigten Städtischen Theater in Kiel und bekam umgehend einen Vertrag. Im Dezember 1921 spielte er mit Gustaf Gründgens in »Die letzten Masken« von Arthur Schnitzler. Sein weiterer Weg führte ihn über das Stadttheater in Frankfurt/Oder (1924-26), die Pommersche Landesbühne (1926/27) zu Erwin Piscators Theater am Nollendorfplatz in Berlin. Dort hatte er seine Premiere in Ernst Tollers »Hoppla wir leben«. 1929 lernte er Hanns Eisler kennen, mit dem ihn eine lebenslange Freundschaft verbinden sollte. Busch und Eisler entwickelten sich zu einem überaus produktiven Gespann. Der eine brachte Texte ein, für die der andere die Melodien komponierte und ihn bei Auftritten oft am Klavier begleitete. Ab 1930 entwickelte sich die Zusammenarbeit mit Bertolt Brecht.

Anfang März 1933, einige Tage nach dem Reichstagsbrand, emigrierte Busch in die Niederlande. Schon einige Tage später war er über Radio Hilversum mit dem »Kominternlied« und dem »Solidaritätslied« zu hören. Sein weiterer Weg führte ihn über Belgien, London, Zürich, Paris und Wien, nach einem Auftritt bei der 1. Arbeitermusik- und Gesangolympiade in Strasbourg im Juni 1935, schließlich in die Sowjetunion. 1937 fuhr er mit der Journalistin Maria Osten nach Spanien, um den Freiheitskampf vor Ort mit seinen Mitteln zu unterstützen. Nach seiner Ankunft im Sammellager der Internationalen Brigaden in Albacete fuhr Ernst Busch direkt nach Madrid zum Internationalen Kongress der Schriftsteller, an dem u.a. Ernest Hemingway, Andre Malraux, Michail Kolzow, Egon Erwin Kisch, Alfred Kantorowicz, Anna Seghers, Gustav Regler, Willi Bredel, Ludwig Renn, Hans Marchwitza und Bodo Uhse teilnahmen.

Nachdem Busch 1938 Spanien verlassen hatte, lebte er vorwiegend in Antwerpen, wo er nach dem Einmarsch der Deutschen im Mai 1940 vom Vichy-Regime verhaftet und in den südfranzösischen Internierungslagern St. Cyprien und Gurs festgehalten wurde. Nach geglückter Flucht Ende 1942 wurde er Anfang 1943 an der Grenze zur Schweiz verhaftet, an die Gestapo ausgeliefert und nach Berlin verbracht. Die Anklage gegen Busch lautete »Vorbereitung zum Hochverrat«. Es drohte ihm die Todesstrafe. Durch die Intervention von Gustav Gründgens erhielt er jedoch 1943 »nur« eine vierjährige Zuchthausstrafe, die auch unter dem Gesichtspunkt ausgesprochen worden war, dass Busch während der Untersuchungshaft in Berlin-Moabit am 22. November 1943 bei einem anglo-amerikanischen Bombenangriff eine schwere Kopfverletzung erlitt, die eine teilweise Gesichtslähmung hinterließ. Die Richter sahen für ihn keine Möglichkeit mehr durch Gesang Widerstand und kommunistische Propaganda zu betreiben.

Ungeachtet aller nachkriegsbedingten Widrigkeiten sind für Busch die folgenden Jahre eine Zeit außerordentlich produktiven, fruchtbaren und erfolgreichen Schaffens. In einer späten Notiz schätzt er die Jahre von 1945-1953 als seine »heroische Zeit« ein. 1946 arbeitet er beim Hebbeltheater Berlin, ab 1950 im Brecht-Ensemble des Theaters am Schiffbauerdamm und am Deutschen Theater als Schauspieler und später auch als Regisseur. Ernst Busch produziert in seiner »heroischen Zeit« etwa 150 Liedtitel. Und seine alte, noch in die Weimarer Zeit zurückgehende Idee, die Zeitgeschichte im Lied zu begreifen, krönt er mit der in den sechziger und siebziger Jahren geschaffenen »Chronik in Liedern, Balladen und Kantaten«. Dieses sein »Lebenswerk« kann sich sehen lassen. Es umfasst über zweihundert kommentierte Gesänge auf mehr als 45 Schallplatten. Es ist eine der wichtigsten Liedsammlungen des 20. Jahrhunderts.

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Trainee-Stipendien 2012/13 - Deadline 31.1.12

2011-11-21T20:58:00.001+01:00

Trainee-Stipendien 2012/13 zur internationalen Qualifizierung für MitarbeiterInnen im Kunst und Kulturbereich - Bewerbungen bis spätestens 31. Jänner 2012

Internationale Erfahrungen und professionelle Managementkenntnisse werden immer mehr zur Schlüsselqualifikation für erfolgreiche Arbeit im Kunst- und Kulturbereich. Deshalb schreibt das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur auch für das Jahr 2012/13 das Trainee-Stipendium zur internationalen Qualifizierung für MitarbeiterInnen im Kunst und Kulturbereich, vor allem für regionale Kulturinitiativen, sowie für AbsolventInnen von Kulturmanagementlehrgängen aus.

Die von einer unabhängigen Jury ausgewählten Trainees erhalten für drei bis sechs Monate die Möglichkeit, bei internationalen Kunst- und Kulturinstitutionen Erfahrungen "on the job" zu sammeln. Das Traineeprogramm deckt relevante Reisekosten ab und sieht einen monatlichen Beitrag zu den Lebenserhaltungskosten zwischen Euro 1.500 und 1.850 vor.

Die schriftlichen Bewerbungen sind ab sofort bis spätestens 31. Jänner 2012 (es gilt das Datum des Poststempels) an das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur, Abteilung V/7, Concordiaplatz 2, 1010 Wien, zu richten.

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Amtsdeutsch Kunst

2011-11-21T20:50:00.001+01:00

Bürokratien verfügen oft über eine eigenständige Fachsprache respektive Fachterminologie. Viele dieser Begriffe sind gesetzlich vorgegeben oder haben sich in Fachkreisen eingebürgert und können nicht anders verwendet werden.

Damit amtliche Kulturpolitik verständlich wird , hat das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur in einem Glossar alle zentralen Begriffe zusammengefasst und "erklärt".

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Lexikon der Fachbegriffe - Kunst

Kostenlos! Leitfaden: "Evaluieren in der Kultur"

2011-10-29T23:21:00.001+02:00

Relevanz, Nachhaltigkeit, Impact, Effektivität und Effizienz. Diese Themen müssen Kulturschaffende nicht länger desillusionieren. Denn "Evaluieren in der Kultur", der neue Leitfaden für professionelle Evaluationen hilft, sich im Dschungel der Evaluationstheorie zu orientieren. Auch wenn er sich an Kulturträger richtet, ist er darüber hinaus für die Zivilgesellschaft eine äußerst nützliche Handreichung, ebenso für politische Entscheidungsträger und Kontrollorgane.

Der Leitfaden richtet sich an Kulturverantwortliche, welche die Rahmenbedingungen kultureller und künstlerischer Arbeit mitgestalten, Strategien entwerfen oder selber Projekte umsetzen. Das sind Kulturvermittelnde, Kulturveranstaltende, Sponsoren, Kulturfördernde und Kulturschaffende, welche sich konzeptionell, organisatorisch und unterstützend für Vermittlung und Verbreitung von Kunst und Kultur engagieren. Das sind grosse Institutionen wie auch kleinere. Die Evaluation ist für alle diese Personen und Stellen als nützliches Instrument gedacht, um ihre vielseitigen Tätigkeiten zu überprüfen.

Der Leitfaden, gemeinsam von Pro Helvetia und Migros Kulturprozent herausgegeben, thematisiert die Evaluation von kulturellen Projekten, Programmen und Institutionen und ist nun zur gleichnamigen Expertentagung am 13. November in Bern erschienen. Er richtet sich primär an Kulturverantwortliche, die Rahmenbedingungen kultureller und künstlerischer Arbeit mitgestalten, Strategien entwerfen oder selber Projekte umsetzen.

"Evaluieren in der Kultur" stellt sowohl theoretische Grundlagen als auch praktische Tipps zur Auswertung der Kulturarbeit bereit. Der Leitfaden geht im ersten Teil dem Warum, Wie, Was und Wann des Evaluierens nach, gibt einen Einblick in das Basiswissen der Evaluation und beinhaltet einen Exkurs in die Projektplanung als Voraussetzung für erfolgreiche Evaluationen. Im zweiten Teil zeigt der praxisnahe Leitfaden anhand von Beispielen aus dem Kulturbereich, wie sich eine Evaluation initiieren, organisieren und realisieren lässt und vermittelt konkretes Wissen sowie das notwendige Rüstzeug zur Anwendung in der Praxis.

Die Publikation erscheint in deutscher und französischer Sprache und kann ab jetzt kostenlos bei beiden Institutionen bezogen oder auf der jeweiligen Website-Seite heruntergeladen werden.

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Ein Leitfaden für die Evaluation von kulturellen Projekten, Programmen, Strategien und Institutionen - Herausgegeben von Migros-Kulturprozent und Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia - pdf, 98 S., 1,7 MB, 13.10.2008

Inhaltsverzeichnis
Vorwort 5
Einleitung 9
Die Theorie 13
Das Grundwissen für professionelle Evaluationen 14
1 Evaluation? Eine Definition 15
2 Warum evaluieren? Der Zweck von Evaluationen 16
3 Was evaluieren? Die inhaltlichen Aspekte von Evaluationen 21
4 Wann evaluieren? Die Anforderungskriterien an Evaluationen 23
5 Wie evaluieren? Die Evaluationstypen 26
5.1 Extern oder intern evaluieren 26
5.2 Der Zeitpunkt des Evaluierens 34
Die Projektplanung als Voraussetzung für erfolgreiche Evaluationen 36
6 Der Sinn der Planung 37
7 Die Ziele definieren 39
8 Die Richtwerte und Indikatoren festlegen 42
8.1 Die quantitativen und qualitativen Indikatoren 47
8.2 Die Evaluation von Qualität in der Kulturarbeit 51
9 Die Wirkungsanalyse und ihre Anwendung in Evaluationen 52

Die Praxis 57
Die Phasen der Evaluation 58
10 Phase eins: die Vorbereitung 59
Vorbereitung, Etappe 1: den Evaluationszweck klären 59
Vorbereitung, Etappe 2: die Schlüsselfragen stellen 61
11 Phase zwei: die Organisation und die Wahl des Teams 67
Organisation, Etappe 1: den Evaluationstyp definieren 67
Organisation, Etappe 2: die Methode wählen 69
Organisation, Etappe 3: die Ressourcen klären 72
Organisation, Etappe 4: das Evaluationsteam bestimmen 74
Organisation, Etappe 5: den Auftrag formulieren und die Offerten einholen 76
Organisation, Etappe 6: die Terms of Reference 79
12 Phase drei: die Durchführung der Evaluation 83
Durchführung, Etappe 1: den Arbeitsplan erstellen
und die Methode verfeinern 83
Durchführung, Etappe 2: Informationen beschaffen
und die Daten analysieren 84
13 Phase vier: die Berichterstattung und die Management Response 86
14 Phase fünf: die Umsetzung der Evaluationsergebnisse 90
Anhang 93
Glossar 94

23.11.08/30.10.11/

Plakatsammlung zur italienischen Geschichte des 20. Jahrhunderts

2011-09-23T18:19:00.000+02:00

Das Istituto Gramsci der Emilia Romagna bietet auf sener Homepage eine Datenbank mit rund fünfhundert digitalisierten italienischen politischen Plakaten aus dem Italien des 20. Jahrhunderts. Sie lassen sich nach Autor, Titel, Thema und Jahr aus der Datenbank erschliessen und im digitalisierten Vollbild darstellen.

Banca dati. Wer sich mit der italienischen Sprache schwer tut, der kann sich über die Datenbank (banca dati) auf die Sprachauswahl (Italienisch / Französisch / Englisch) begeben. Freilich hilft diese Sprachauswahl lediglich für die erweiterten Suchfelder.

Link ➨
Plakatsammlung zur italienischen Geschichte des 20. Jahrhunderts
9.10.08/23.9.11/

Virtuelles Museum: Russische und sowjetische Plakatkunst

2011-09-13T18:46:00.000+02:00

Das "Virtuelle Museum des russischen und sowjetischen Plakats" präsentiert in einer Online-Ausstellung digitalisierte russische und sowjetische Plakate seit 1846. Die Plakate sind sowohl chronologisch, nach Titeln und Künstlern recherchierbar. Ein Studienzentrum bietet interaktive Informations- und Studienangebote.

Plakatkunst. Einen großen Gewinn für den Besucher der Seite stellen die wissenschaftlichen Begleittexte dar - eine Informationsquelle, welche man gewöhnlich bei Plakat- und Bildsammlungen im Internet vermisst. Die Aufsätze erfassen historische und kunsthistorische Aspekte. Doch das ist längst nicht alles. Unter dem Menuepunkt "Interaktives Studienzentrum" findet man Informations- und Studienangebote wie "Kulturfahrplan des russischen Plakats", "Themen und Ressourcen", interaktive Kurse und ein Forum.

Zur Online-Austellung gesellen sich unter dem Menuepunkt "Ausstellungen" weitere virtuelle Sonderausstellungen, so eine Sammlung russischer Zirkusplakate (1960-1990) , "Realität der Utopie. Russische Plakatkunst des 20. Jahrhunderts" oder "Werben für die Utopie. Russische Plakatkunst im 20. Jahrhunderts". Erstellt wurde die Website vom Lotman-Institut für russische und sowjetische Kultur Ruhr-Universität Bochum.

eSource:

Russische und sowjetische Plakatkunst5.4.11/15.9.11/

Vierter Österreichischer Kreativwirtschaftsbericht

2011-09-04T21:10:00.000+02:00

Die creativwirtschaft austria der Wirtschaftskammer Österreich hat den 4. Österreichischen Kreativwirtschaftsbericht mit dem Schwerpunkt Kreativwirtschaft und Wertschöpfungssysteme veröffentlicht.

Jedes zehnte Unternehmen in Österreich gehört der Kreativwirtschaft an, welche die Bereiche Architektur, Design, Musik, Buch & künstlerische Tätigkeit, Radio & TV, Software & Games, Verlage, Video & Film sowie Werbung umfasst.

In etwa 36.100 erwerbswirtschaftlichen Kreativunternehmen waren im Jahr 2008 mehr als 127.000 Beschäftigte tätig. Mit einem Anteil von 2,6% an den gesamtwirtschaftlichen Umsatzerlösen entspricht die ökonomische Bedeutung der Kreativwirtschaft Österreichs etwa jener des Hoch- und Tiefbaus (2,9%) und übersteigt jene des Tourismus (2,0%). In Bezug auf die Anzahl der Unternehmen und der Beschäftigten ist der Tourismus mit 12,4% bzw. 8,1% allerdings bedeutender als die Kreativwirtschaft, der 10% aller Unternehmen und 4% der Beschäftigten in Österreich angehören.

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Vierter Österreichischer Kreativwirtschaftsbericht

Marketing mit Mehrwert: Activity Book von Veer

2011-09-04T13:29:00.000+02:00

Marketing ist für den Bilder- und Schriftenlieferanten für kreative Designer Veer kein Fremdwort. Dass er aber auch hier noch toppen kann, das erstaunt.

Da haben sie sich ein Aktivity-Buch einfallen lassen, das gerade dann, wenn man als Kreativer vor einem Blackout steht, besonders nützlich ist. Nützlich ist es aber auch für den Durchschnittskonsumenten als Kreativitätstraining. Das 96seitige, knallige, bunte und kostenlose "Heft" kann man sich zusenden lassen oder als PDF downloaden. Das dauert allerdings, ist es doch voller Farben, Bilder, Schriften also angewandter Designkunst. Eine anregende Bespielsammlung aus Typographie und Bild. Ein Must für alle die die Kreativität nicht nur "anbeten".

Mehr + eSource:
Activity Book von Veer
20.2.11/4.9.11/

Antragsformulare für Europäische Kulturfestivals (Deadline: 16.11.2011)

2011-08-31T17:19:00.001+02:00

Die EACEA hat die Antragsformulare für Europäische Kulturfestivals (Einreichfrist: 16.11.2011) veröffentlicht. Antragsteller sollten sich ebenfalls die verfügbaren Leitfäden für Antragsteller durchlesen, da diese hilfreich für die inhaltliche und technische Bearbeitung des Antrags sind.

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Melodientaubheit - Test

2011-08-30T22:44:00.000+02:00

Das amerikanische "National Institute on Deafness and Other Communication Disorders" bietet einen Online-Test.

Menschen mit absolutem Gehör haben zwei grundlegende Dinge gemeinsam: Ihre Fähigkeit, Töne exakt zu bestimmen, nimmt mit zunehmendem Alter ab, und der am häufigsten falsch bestimmte Ton ist das Gis. Als absolutes Gehör wird die Fähigkeit bezeichnet, die Höhe eines Tones genau zu identifizieren, ohne einen Vergleichston zu Hilfe zu nehmen. Melodientaubheit ist allerdings etwas anderes als ein nicht (mehr) absolutes Gehör.

Menschen, die keine Melodien erkennen können, nehmen falsche Töne dennoch unbewusst wahr. Das behaupten zumindest amerikanische Forscher die dies bei Probanden mit Melodientaubheit herausgefunden haben wollen. Etwa zwei Prozent der Bevölkerung "leidet" unter dieser "Behinderung".

MEHR + eSOURCE
bei den Vorarlberger Naturfreunden:
Melodientaubheit - Test
13.7.10/30.8.11/

Dreißig Zeichnungen von Goethe online

2011-08-29T22:04:00.002+02:00

Von Jugendzeichnungen bis zum Jahre 1775 findet man dreißig Handzeichnungen von Johann Wolfgang von Goethe online. Der Verleger Alfred Kippenberg, Insel-Verlag, hatte seinem Autor, dem Passauer Schriftsteller Hans Carossa, zu Weihnachten 1931 einen Faksimiledruck davon geschenkt.

Diese Mappe befand sich im so genannten "Seestettener Nachlaß", den die Schwiegertochter Carossas', Helene Carossa, dem Stadtarchiv Passau überlassen hat. Zum 250. Geburtstag von Goethe stellte das Stadtarchiv Passau diese Zeichnungen aus. Erfreulicherweise hat das Stadtarchiv die "Galerie" auch ins Internet gestellt und damit weltweit den interessierten Menschen eine qualifizierte Auswahl aus Goethes Zeichnungen zugänglich gemacht.

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Dreißig Handzeichnungen von Goethe - Herausgegeben wurde diese Mappe von Professor Dr. Hans Wahl, Direktor des Goethe-Nationalmuseums in Weimar, im Insel Verlag-Verlag, Leipzig, 1931/32.

Aus seinem Vorwort zitieren wir:

" ... Die Auswahl aus den mehr als 2.000 erhaltenen Goethe-Zeichnungen ergab sich von selbst: die vielen flüchtigen Bleistiftnotizen, zum größten Teil der italienischen Zeit zugehörig und sachlich umrisshaft zur Stärkung der Erinnerung festgehalten, schieden aus, ebenso Blätter kleinen und kleinsten Formats. Auch die Gruppe, die Goethe selbst, um Goethe, den Zeichner in seiner eigenen Sammlung der Nachwelt zu überliefern, ausgewählt hatte und von fremder Hand, "vollenden" ließ, musste unberücksichtigt bleiben, weil gerade sie am wenigsten geeignet ist, die Hand Goethes zu offenbaren. Kunsthistorische Schätzungsmaßstäbe, die etwa die Einflüsse Oesers in der Jugend, Hackerts und Tischbeins in Italien nachweisen könnten, mussten hinter der Absicht zurücktreten: gerade den lehrmeisterfreien, vorbildfernen Goethe, den Zeichner Goethe schlechthin, wie er sich von der Jugend bis ins Alter selbst behauptete, zu zeigen; und zwar zu zeigen in Blättern, die er nicht unvollendet ließ, bei denen er, auch wo sie Skizzen blieben, ans Ende dessen, was er sagen wollte und konnte, gelangt war.
Natürlich ist es möglich, den Zeichner Goethe mit den Mitteln kunsthistorischer Methoden in den technischen und geschmacklichen Fluss seiner Zeit einzufügen, aber eine solche Betrachtungsart erscheint uns wenig fruchtbar, weil sie nur untergeordnete Zusammenhänge aufdecken könnte. Denn Goethes Zeichentätigkeit, so reich sie war und so ernsthaft eine Zeit lang sein Streben zur Künstlerschaft war, setzt sie sich doch aus einer Reihe von mehr oder minder nah auf einander folgenden Akzessen von Zeichenfieberzusammen. Die Zeichenkunst war ihm trotz wiederholter heftiger Umwerbung doch immer die Geliebte der Mußestunden, die ihn begleitete, so oft er seinen Lebens- und Schaffenspflichten entweichen konnte.
So spiegelt jede neue Periode weniger die Erfahrungsgewinne der vorvergangenen, als vielmehr das neue Verhältnis des Dichters und Naturerforschers zum Leben selbst, und das erste und letzte, das Goethe befragt, ist immer sein Auge. Nicht Goethe, der Schüler von Zeichenmeistern, spricht aus den dreißig Blättern zur Nachwelt, sondern Goethe der große Dilettant, der die Elemente der Kunst trotz mehrfacher Anläufe nicht voll eroberte, doch mit der Leidenschaft des Auges die Natur erfasste, um bei aller Gebundenheit an die Sehweite seines Jahrhunderts diese ebenso oft wie überraschend zu überfliegen. In solchem Sinne bietet die Mappe die künstlerisch stärksten Blätter aus Goethes Nachlassenschaft."

23.4.08/30.8.11

Der Hexenschabbas - Libretto zu Haydns Oper [Marionettentheater]

2011-08-28T16:52:00.000+02:00

[Retrodigitalisat] Das verschollen geglaubte Libretto von Haydns Oper "Der Hexenschabbas" wurde in der Herzogin Anna Amalia Bibliothek in Weimar aufgefunden. Freilich bleiben aber die Noten noch verschollen.

Marionettentheater in Schloss Esterháza . "Der Hexenschabbas" ist eine Marionettenoper, die 1773 erstmals aufgeführt worden ist. Der Text dazu stammt von Josef Karl von Pauersbach, dem Leiter des Marionettentheaters am Hofe des ungarischen Fürsten Nikolaus I. Bei Arbeiten zur Erschließung aller Bestände der Bibliothek sei man auf einen Textband mit der Aufschrift "Der Hexenschabbas. Ein Marionettenfest in einem Aufzuge" gestoßen.

Die Marionettentheater in Schloss Esterháza war längere Zeit eine besondere Liebhaberei Nikolaus I. (schon im Juli 1772 hatte der Fürst um 500 Dukaten Joseph Karl von Pauerbachs Marionettentheater gekauft). Aus diesem Grund vertonte Haydn damals mehrere Puppenspiele und hatte auf diese Weise auch die Gelegenheit, immer wieder seine zu Papier gebrachten Klänge zu prüfen und mit ihnen zu experimentieren. Das Marionettentheater des Fürsten Nikolaus dürfte wahrscheinlich für Maria Theresias ersten Besuch in Schloss Esterháza 1773 eröffnet worden sein. Sie sah die von Haydn vertonte Marionettenoperette "Philemon und Baucis" (zu der "Der Götterrath" gehört) auf der "ganz neuen Bühne". Im Herbst gleichen Jahres wurde auch "Hexen-Schabbas" gespielt. Bis 1776 hatte Schloss Esterháza kein eigenes Marionettentheater, das heißt nur die Bühne war vorhanden, eine permanente Leitung, Schauspieler und Musiker jedoch nicht.

Joseph Karl von Pauersbach. Mit Joseph Karl von Pauersbach wurde die Direktion 1776 in die Hände eines fähigen Mannes gelegt (zwischen 1771 und 1774 hatte er vier verschiedene Stücke für Wiener Puppentheater geschrieben) und die Blütezeit des Esterháza Marionettentheaters begann. Auf einmal waren sechs bis sieben Werke im Repertoire. Im Gothaer Theater-Kalender finden sich zu den Aufführungen mehrere Reporte aber auch die Nachlässe im Eisenstädter Archiv (unter anderem Rechnungen für Dekorationen und Puppenschnitzer) geben Aufschluss über die einsetzenden Aktivitäten in diesem Jahr.

Aus den Quellen erfährt man, dass die meisten Dekorationen aus der Hand von Travaglias stammen, andere wurden Cantini, "Monsieur Federico" und einem sogenannten "Förster" zugeschrieben. Die Ausstattung an Puppen scheint die Garderobičre, eine Frau Handl, gemeinsam mit verschiedenen "Frauenzimmern" gefertigt zu haben. Die meisten Puppenopern waren deutsche Singspiele, jedoch ohne Rezitative, und so wurden oft sowohl Sänger als auch Schauspieler (für die Dialoge) engagiert. Falls die deutschsprachigen Sänger nicht ausreichten, holte Haydn "Nachschub" vom Eisenstädter Kirchenchor, von Oedenburg oder Pressburg. Die Schauspieler waren Mitglieder von Wandertruppen, von denen die Karl-Wahr- Truppe die berühmteste war.

Aus einem "Advertissement" zu "Didone Abbandonata" von Phillip Georg Bader (1776) mit Musik von Haydn: " ... Übrigens ziert man dergleichen Stücke für das Auge, und Ohr auf – Ohne dieses sind Marionettenstücke unausstehlich! Wobei noch zu beobachten ist, dass sie um so viel mehr wirken je kürzer sie sind, und je mehr Abwechslung sie haben." Pauersbach verließ schon 1778 wieder den Hof von Fürst Nikolaus I. Als letztes bereitete er noch die Premiere des Stücks "Das ländliche Hochzeitsfest" für den Fürsten vor. Das bedeutete, dass die Blütezeit des Puppentheaters auf Schloss Esterháza vorbei war. 1779 findet sich nur noch "Die bestrafte Rachbegierde" auf dem Spielplan. Danach wurden die Aufführungsaktivitäten weitgehend eingestellt.

Von Pauersbach hat von 1776 bis 1778 für den Fürsten von Esterháza zwölf Stücke geschrieben. Man weiß bis heute nicht sicher, ob es sich ausschließlich um Opern handelte, die von Haydn vertont wurden, oder auch um Schauspiele, für die Haydn lediglich die Zwischenaktmusiken komponierte.

1779 kam es auf Schloss Esterháza zu einem großen Brand, bei dem mehrere wertvolle Stücke, die Haydn für das Schlosstheater geschrieben hatte, vernichtet wurden. Zum Glück sind nicht alle Puppenopern Haydns dem Brand zum Opfer gefallen. Das beweist der Katalog eines Wiener Musikalienhändlers von 1799, wo unter anderem auch drei seiner Marionettenopern angeboten wurden. Man weiß heute, dass die Marionettenopern auch an anderen Fürstenhöfen gespielt wurden (unter anderem am Fürstenberg´schen Hoftheater in Donaueschingen), was hoffen lässt, dass in Zukunft noch Partituren Haydns auftauchen.

Einige der Libretti sind in der Wiener Stadtbibliothek oder im Archiv in Eisenstadt verwahrt, andere auch in Budapest. 1790 starb Fürst Nikolaus I., der Prachtliebende, und sein Nachfolger Anton Esterházy (1790-1794) entließ fast alle Musiker und das gesamte Theaterpersonal.

Digitalisat. Das anonyme Werk ohne Erscheinungsvermerk umfasst zehn Blätter und enthält zwei Holzschnitte. Von dem Text wurden vermutlich zwei- bis dreihundert Exemplare gedruckt, von denen bislang allerdings keines eruiert werden konnte. Die Bibliothek hat das Werk bereits digitalisiert und online zugänglich gemacht.

Link ➨
[Retrodigitalisat] Haydn, Joseph: Der Hexenschabbas. Ein Marionettenfest in einem Aufzuge . - [ca. 1773]
Der Hexenschabbas
Entstehungszeit: 1773
Bemerkung: verschollen
Opus: Hob XXIXa:2: Der Hexenschabbas
Joseph Haydn (*31.3.1732-†31.5.1809)
21.4.10/28.8.11//

Free mp3: Billie Holiday - Strange Fruit

2011-08-24T23:56:00.000+02:00

Am 25. August 1941 heiratete Billie Holiday Jimmy Monroe. Diese Verbindung macht ihre schwierige Situation jedoch nicht leichter, sie wurde 1957 geschieden. Wann und von wem sie erst zum Opium und dann zum Heroin verführt wurde bleibt ungewiß. Noch auf dem Totenbett wollte sie das FBI wegen Drogenkonsums verhaften.

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(Download, Infos, Links, etc.)
Billie Holiday - Strange Fruit
25.7.08/24.8.11/

Jazz - Lexika - Online

2011-08-18T15:32:00.000+02:00

[Nachschlagewerk] Die Lexika der Website "Swinging Hamburg" besteht zunächst aus einem ganz respektierlichen Lexikon der Jazzbands (über 500 Bands), der historischen Bands (mit Fotos), der zeitgenössischen Jazzmusiker (2.400!), der historischen Jazzmusiker (Fotos, Instrumente) und einem Lexikon der Jazzbegriffe (Stile, Fotos).

Swinging Hamburg. Das Jazz_Lexikon ist den Usern kostenlos zugänglich. Angefangen hatten die rührigen Organisatoren das Jazzmusiker-Lexikon mit Einträgen von Jazzmusikern des Traditional Jazz aus Hamburg und Umgebung. Hinzu kamen schnell internationale und deutsche Jazzmusiker, die regelmäßig oder gelegentlich in Hamburg aufgetreten sind oder noch auftreten. Dann baten immer mehr Musiker aus dem Modern Jazz und vielen anderen Jazztrends um Aufnahme, und man kam dem Wunsch auch nach. So wird es sich denn auch bei den Bands verhalten haben.

In der Folge haben die Redakteure der Website aus dem Umfeld des Hamburger Lokal-Anzeiger Verlages das Jazzmusiker-Lexikon Stück für Stück um internationale und historische Jazzgrößen, die maßgeblich für die Entwicklung des Jazz verantwortlich waren oder weltberühmt sind, erweitert. So findet man nun bereits über 2.400 Einträge im Jazzmusiker-Lexikon inklusive Fotomaterial zu Bands und Musikern!

Jazz-Lexika bei Swinging Hamburg:

Lexikon der Jazzbands - über 500 Jazzbands
Lexikon der historischen Jazzbands
Lexikon der Jazzmusiker
Lexikon der historischen Jazzmusiker
Lexikon der Jazzbegriffe

Link ➨ Jazz-Lexika bei Swinging Hamburg
11.04.08/18.8.11/

Virtuelles Museum: Daguerreotypie Galerie

2011-08-15T23:25:00.000+02:00

Die Daguerreotypie ist eine Fotografie auf einer spiegelglatt polierten Silberoberfläche, in der Regel eine versilberte Kupferplatte.

Die Daguerreotypie bescheibt ein chemisches Verfahren zur Speicherung von Licht auf entsprechend lichtempfindlichen Materials. Dieses Verfahren wurde von Louis Jacques Mandé Daguerre 1837 erfunden und ist das älteste fotografische Verfahren und wohl auch das erste Open Source Projekt der Welt.

Link ➨ Virtuelles Museum: Daguerreotypie Galerie

Lale Andersen singt "Lili Marleen"

2011-08-01T08:09:00.000+02:00

Am 2. August 1939 steht Lale Andersen vor dem Studio-Mikrofon. Der Tag wird ein historisch bedeutender werden: Sie singt "Lili Marleen" in der Vertonung von Norbert Schultze. Es wird das Lied werden, das Freund und Feind im II. Weltkrieg, manchmal auch als Perislfage, auf ihren Sendern hören wollen.

Norbert Schultze. Lale Andersen hatte schon 1937 eine Platte in der Vertonung von Rudi Zink aufgenommen. Im Simpl singt Lale Andersen erstmals "Lili Marleen" mit noch chansonhafter Melodie, der Text von Hans Leip ist großteils schon im 1. Weltkrieg entstanden. Die bekannte Melodie, die stärker einen Marschrhythmus betont, wird erst im darauffolgenden Jahr 1939 von Norbert Schultze komponiert. Erst diese Vertonung von Norbert Schultze, damals unter dem Pseudonym "Frank Norbert" machte das Lied zum Erfolg. Dabei war es keine Eintagsfliege des Komponisten: Neben Liedern und Chansons, deren bekanntestes "Lili Marleen" (1939) ist, schrieb Norbert Schultze Opernwerke wie "Schwarzer Peter" (1936) und "Das kalte Herz" (1943), das Musical "Käpt'n Bay-Bay"(1950) mit dem Evergreen "Nimm' mich mit, Kapitän auf die Reise" sowie über 50 Filmmusiken, darunter "Symphonie eines Lebens"(1943) und "Das Mädchen Rosemarie"(1957).

Link ➨ Lale Andersen

Aus der Sicht des erfolgreichen Komponisten muss die kolportierte Geschichte so nicht unbedingt stimmen: Der Durchbruch von "Lili Marleen" erfolgte im Sommer 1941, als dem gerade etablierten deutschen "Besatzungssender Belgrad" die leichte Muse ausging und man vom Reichssender Wien ein paar wenige Schallplatten erhielt. Darunter befand sich der Titel "Lili Marleen", den am 18. August 1941 ein Techniker mehr aus Versehen als aus Absicht nach den Nachrichten aufgelegt haben soll ("Superfrauen 10 – Musik und Tanz" von Ernst Probst). Wegen des darin enthaltenen Zapfenstreichs bringt es der Soldatensender Belgrad dann aber allabendlich zum Programmschluss um 22 Uhr. Das verhilft dem Lied bei Freund und Feind zu immenser Popularität, die sich in vielen Übersetzungen und Nachdichtungen – oft mit anti-nazistischem Inhalt – zeigt.

Link ➨ Anhören: Lale Andersen - Lili Marleen - 1939

Lili Marleen

Musik: Norbert Schultze

Text: Hans Leip

1939

Vor der Kaserne,
Vor dem großen Tor,
Stand eine Laterne
Und steht sie noch davor.
So woll'n wir uns da wiederseh'n,
Bei der Laterne woll'n wir steh'n,
Wie einst, Lili Marleen.

Unsere beiden Schatten
Sah'n wie einer aus,
Daß wir so lieb uns hatten,
Das sah man gleich daraus.
Und alle Leute soll'n es seh'n,
Wenn wir bei der Laterne steh'n,
Wie einst, Lili Marleen.

Schon rief der Posten:
Sie blasen Zapfenstreich,
Es kann drei Tage kosten!
Kamerad, ich komm' ja gleich.
Da sagten wir Aufwiederseh'n.
Wie gerne wollt' ich mit dir geh'n,
Mit dir, Lili Marleen!

Deine Schritte kennt sie,
Deinen schönen Gang.
Alle Abend brennt sie,
Mich vergaß sie lang.
Und sollte mir ein Leid gescheh'n,
Wer wird bei der Laterne steh'n,
Mit Dir, Lili Marleen?

Aus dem stillen Raume,
Aus der Erde Grund,
Hebt mich wie im Traume
Dein verliebter Mund.
Wenn sich die späten Nebel dreh'n,
Werd' ich bei der Laterne steh'n
Wie einst, Lili Marleen.

Unheroisch - undeutsch. 1942 warf das Propagandaministerium Lale Andersen "undeutsche Kontakte" zu jüdischen Emigranten in der Schweiz vor (Zwischen 1933 und 1937 gehörte Lale Andersen zum Ensemble des Zürcher Schauspielhauses. In diese Zeit fallen auch ihre dramatischen Studien bei dem deutschen Schauspieler Ernst Ginsberg (1904–1964), der nach seiner Emigration von 1933 bis 1962 Mitglied des Zürcher Schauspielhauses war). Aus Furcht vor einer Verhaftung nahm sie angeblich eine Überdosis Schlaftabletten. Nach der deutschen Niederlage bei der Schlacht von Stalingrad wurde "Lili Marleen" aus dem Programm des Soldatensenders Belgrad genommen. Das unheroische Lied statt der üblichen Durchhalte- und Kriegspropaganda ist Josef Goebbels schon lange ein Dorn im Auge und bei der Nazi-Propaganda verpönt. Doch selbst der Nazi-Propagandachef schafft es nicht, "Lili Marleen" so einfach aus dem Programm zu verbannen. Das Propagandaministerium verhängt zwar gegen die Sängerin ein Auftrittsverbot. Sechs Monate später wird das Verschwinden von Lale Andersen und "Lili Marleen" von der BBC bemerkt: "Ist es Ihnen aufgefallen, dass Sie dieses Lied schon lange nicht gehört haben? Warum wohl? Vielleicht deshalb, weil Lale Andersen im Konzentrationslager ist?", fragt der Sender. Die Nachfrage von BBC hat Wirkung: Im Mai 1943 darf Lale Andersen wieder beschränkt auftreten, "Lili Marleen" jedoch nicht mehr singen.

Link ➨   Lili Marleen - Noten

Propaganda. Auch die Soldaten der Allierten singen mit wachsender Begeisterung das Lieblingslied des Kriegsgegners. Lili Marleen wird zur Waffe im Propagandakrieg, Übersetzungen und Umdichtungen entstehen. 1944 erscheinen in Großbritannien und den USA erste lizensierte englischsprachige Versionen. Amerikaner denken bei Lili Marleen an Marlene Dietrich, nicht an Lale Andersen. Ab Herbst 1943 singt der deutschstämmige US-Star das Lied in einer kämpferischen englischen Übersetzung. Auch die Briten haben ihre eigene Lili Marleen: Die junge Sängerin Anne Shelton (1928 - 1994). Als "Sweetheart" der Soldaten konkurriert sie erfolgreich mit der Deutschen Lale Andersen. Dazu kommen noch propagandistische Fassungen von "Lili Marlen" für die heimlichen BBC-Hörer in Deutschland.

Link ➨   Free mp3: Marlene Dietrich - Lili Marlene - live (0,7 MB)

Die bekannteste Umdichtung ist die von Lucie Mannheim, die von BBC während des Krieges gesendet wurde. In ihrer "Anti-Hitler-Version" persiflierte sie auf Lale Andersens Text:

Link ➨   Antifaschistische Persiflage auf Lili Marleen des BBC: Lucy Mannheim

Hans Leip. "Lili Marleen", das von einem jungen Wachtposten handelt, wurde 1915 während des Ersten Weltkrieges von dem jungen deutschen Schriftsteller und Grafiker Hans Leip (1893–1983) auf dem Weg zur Ostfront getextet. Er schrieb das "Lied eines jungen Wachtposten" für seine Freundin und die seines Kumpels, die "Lili" und "Marleen" hießen. Erst 1937 veröffentlicht er die Zeilen in seinem Gedichtband "Die kleine Hafenorgel".

Lale Andersen. Lale Andersen wird am 23. März 1905 unter dem Namen Lise-Lotte Helene Bunnenberg in Bremerhaven geboren. Schon als 19jährige heiratet sie in ihrer Heimatstadt den Maler Paul Ernst Wilke, mit dem sie drei Kinder hat. Sie lässt sich als Sängerin und Schauspielerin ausbilden. In Varietees und Theatern singt sie Chansons von Bertolt Brecht und Kurt Tucholsky, aber auch Hafen- und Seemannslieder. Bis 1938 tingelt sie mit langsam zunehmenden Erfolg durch Deutschland, Auftritte in der Schweiz kommen hinzu. München und das Künstlerlokal "Simpl" bilden am ehesten noch einen Lebensmittelpunkt. Auch der Künstlername Lale Andersen entsteht in dieser Zeit. Den Durchbruch unter dem Künstlernamen Lale Andersen schafft sie am berühmten Kabarett der Komiker. Nach dem Krieg muss sie vorerst wieder durch die Provinz tingeln. 1959 feiert sie ein glanzvolles Comeback mit einem Hit, mit dem sie in Deutschland sogar die Originalinterpretin Melina Mercouri übertrifft: "Ein Schiff wird kommen", die Titelmelodie aus dem Film "Sonntags nie". Doch es wird immer "Lili Marleen" sein, die für ihren unvergänglichen Ruhm sorgt. Das zeigt sich auch 1969 in einer Umfrage der Londoner "Times", bei der sie noch zu ihren Lebzeiten in die Liste der bekanntesten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts eingereiht wird. Am 29. August 1972 stirbt sie im Alter von 67 Jahren in einer Wiener Privatklinik an Herzversagen und wird, ihrem Wunsch entsprechend, auf der Nordseeinsel Langeoog beigesetzt.

Kultur macht Wirtschaftswachstum!

2011-07-31T18:55:00.001+02:00

Stagnierende Haushaltskassen verleiten die Verantwortlichen schnell dazu, bei den Kulturausgabent zu sparen. Das ist jedoch ausdrücklich kontroproduktiv, wie eine Forschergruppe um den Wirtschaftswissenschaftler Stephan Heblich vom Jenaer Max-Planck-Institut für Ökonomik herausgefunden hat. Kulturelle Angebote machen Städte und Regionen interessanter für hochqualifizierte Arbeitskräfte - und fördern damit auch ein höheres Wirtschaftswachstum in der Region.

Barock. Der Zusammenhang zwischen kulturellen Angeboten und hochqualifizierten Arbeitskräften war eigentlich schon immer bekannt. Stephan Heblich vom Max-Planck-Institut für Ökonomik, Michael Fritsch von der Universität Jena sowie Oliver Falck vom ifo Institut in München werteten jedoch nun Regionaldaten aus Deutschland aus und bewiesen damit, dass die Zahl hochqualifizierter Beschäftigter, also solcher mit Universitätsabschluss, anstieg, je näher die jeweilige Region an einem barocken Opernhaus lag. Diese Hochqualifizierten wiederum haben einen starken Anteil daran, dass diese Regionen auch ein stärkeres Wirtschaftswachstum erfahren, wie Heblich erläutert: "Schätzungen zeigen, dass ein Anstieg der Beschäftigten mit einem höheren Bildungsabschluss tatsächlich das Bruttoinlandprodukt erhöhen kann. Für uns ist das ein klares Indiz für regionale Wissensflüsse, die durch Hochqualifizierte ausgelöst werden."

Höheres Pro-Kopf-Einkommen. In der Studie hatten die Forscher 29 Opernhäuser berücksichtigt, die in den Jahren zwischen 1648 bis 1800, also vor der industriellen Revolution, erbaut wurden. Sie entstanden ganz unabhängig vom Wohlstand des jeweiligen Herzogtums und waren vornehmlich dem Prestigestreben der Herzöge oder Prinzen geschuldet. Damit konnten die Forscher nun auch methodisch nachweisen, dass das höhere Pro-Kopf-Einkommen in diesen Regionen nicht auf endogene Effekte zurückzuführen ist, also darauf, dass es sich hier um immer schon reichere oder gebildetere Regionen handelt, sondern dass es sich tatsächlich um einen unabhängigen exogenen Effekt handelt, ausgelöst durch das kulturelle Angebot.

Hinterfragt. Um sicher zu gehen, dass alternative Erklärungen für den beobachteten Zusammenhang zwischen einem vitalen kulturellen Umfeld und einer Konzentration hochqualifizierter Arbeitnehmerschaft auszuschließen sind, prüften die Forscher eine Vielzahl von aktuellen und historischen Faktoren - etwa religiöse Einflüsse oder die Präsenz von Universitäten. "Das Ergebnis bleibt bestehen: Ein lebendiges kuturelles Umfeld wirkt sich positiv auf das regionale Wirtschaftswachstum aus," sagt Heblich. Kulturförderung kann also nachweislich Wirtschaftwachstum steigern.

Link ➨

Oliver Falck, Michael Fritsch, Stephan Heblich - The Phantom of the Opera: Cultural Amenities, Human Capital, and Regional Economic Growth. IZA Discussion Paper No. 5065, pdf., 42 S., 354 KB, 23.7.2010

Der gebrandmarkte Heiligenschnitzer

2011-07-27T21:00:00.001+02:00

Der Wickelsche Kruzifix in St. Sebald (Nürnberg) entstand durch den Bildschnitzer Veit Stoß um 1520. Der im Inneren entdeckte Papierzettel sagt dazu, am 27. Juli 1520 sei "dieser got auff gericht durch Niklos Wickel". Ein OP-Team suchte erst kürzlich an einem anderen Kruzifix einen solchen Zettel.

Arzt und Krankenschwester. Auf dem Hauptaltar der Kaiserkapelle (Nürnberg) befindet sich ein aus Lindenholz geschnitztes und farbig bemaltes Kruzifix. Dieses bedeutende spätgotische Kunstwerk wird dem berühmten Bildhauer Veit Stoß zugeschrieben. Einen eindeutigen Beweis für die Urheberschaft von Veit Stoß für das Kruzifix der Kaiserburg gibt es nicht. Der stilistische Vergleich mit anderen Skulpturen aus seiner Hand legt diesen Schluss aber sehr nahe. Auch die lebensechte Ausgestaltung anatomischer Details ist ein wichtiges Merkmal der Bildhauerkunst von Veit Stoß. Bei der Restaurierung versuchte man, ähnlich dem Winkelschen Kruzifix, einen Beweis dafür zu finden. Bei der Untersuchung mit einem Endoskop, das durch ein Loch im Armansatz in die abgedeckte Aushöhlung des Korpusses eingeführt wurde, kam ein verborgener Zettel zum Vorschein. Ein OP-Team, bestehend aus Arzt und Krankenschwester, barg das Papier. Das tatsächlich auch aufgefundene Fragment gibt allerdings keinen Aufschluss über die Urheberschaft oder sonst erkennbarem Zusammenhang zum Kruzifix.

Link ➨ Biografie Werkverzeichnis Veit Stoß

Veit Stoß. Veit Stoß (ca. 1447 bis 22.9. 1533) - deutscher Bildschnitzer im Zeitalter der Reformation - wurde um 1447/48 im schwäbischen Horb am Neckar geboren. Seine Wanderjahre in Schwaben und am Oberrhein brachten ihn mit der Ulmer Bauhütte, Hans Multscher und Jörg Syrlin, vor allem aber mit der über Nikolaus Gerhardt von Leyden vermittelten realistischen Kunst der niederländischen Bildhauerei in Kontakt. Er wirkte nach den üblichen Wanderjahren ab 1473 in Nürnberg. Er heiratete dort und auch sein ältester Sohn, Andreas, kam in Nürnberg zur Welt. 1477 gab er sein Nürnberger Bürgerrecht auf und zog nach Krakau.

Krakau. Nach der Übersiedelung nach Krakau entstanden die ersten prominenten Werke von Stoß und sein gewaltiges Hauptwerk: 1477-1489 schnitzte er in Krakau den riesenhaften, 16 Meter hohen und 11 Meter breiten Flügelaltar für die deutsche Marienkirche, den umfänglichsten europäischen Altar des 15. Jahrhunderts, für den er 2008 Gulden erhielt und dazu das Grabmal für König Kasimir IV. Jagiello in der Kathedrale auf dem Wawel. Der Stadtschreiber Johann Heidecke betonte, alle Christenheit rühme den Meister. 1481 kaufte Stoß ein Haus in Krakau. 1483 wurde er vom Krakauer Rat "um seiner Tugend und Kunst willen" von allen Steuern befreit und zum ständigen Berater des Rates für Bau-Angelegenheiten ernannt. 1490 und 1494 tritt er als Sachverständiger in Baufragen in Erscheinung.

Link ➨ Veit Stoß - Fränkische Sagen - Projekt Gutenberg

Orts- und Zeitwechsel. Wie eindrucksvoll sein Krakauer Werk bis ins 20. Jahrhundert wirkte, wird an anderer Stelle beschrieben. Dass der ehemals kämpferische Atheist Alfred Döblin sich schließlich der Religion und dem Katholizismus zuwandte, wird auch mit dem Stoß'schen Marienaltar in Krakau in Verbindung gebracht. Tief beeindruckt war er von der polnischen Madonnenverehrung, von der Krakauer Marienkirche und dem Kruzifix des Veit Stoß hoch über dem Mittelschiff. Diese Szenerie hat er im dritten Band der Südamerika-Trilogie noch einmal beschworen. Sie trat ihm verwandelt wieder vor Augen, als er 1940 auf der Flucht durch Frankreich in einem Flüchtlingslager gestrandet war, der Verzweiflung anheim zu fallen drohte und vor dem Kruzifix in der Kirche von Mende zu erkennen glaubte, dass seine bisherige Weltanschauung ihm nicht weiterhalf. ("Alfred Döblin und das Judentum" - Aus Anlass seines 125. Geburtstages Von Klaus Müller-Salget)

Wieder in Nürnberg. 1496 zog er mit seiner Frau Barbara und acht Kindern nach Nürnberg zurück, wo er für drei Gulden das Bürgerrecht zurückerwarb. Er schuf dort bedeutende Ausstattungsstücke für verschiedene Kirchen wie den berühmten "Englischen Gruß" in Sankt Lorenz. 1500 bis 1503 schuf Veit Stoß einen Altar für die Pfarrgemeinde Schwaz in Tirol. Doch dieses Werk ist bis auf zwei Gesprengefiguren leider der Barockisierung des Gotteshauses zum Opfer gefallen.

Link ➨ Überblick über die wichtigsten Werke von Veit Stoß (Abbildungen)

Brandmarkung. Das Leben von Veit Stoß in Nürnberg wird als skandalumwittert beschrieben. Im Projekt Gutenberg ist eine fränkische Sage um Veit Stoß wiedergegeben, wonach er bei einem Raufhandel einen Trinkkumpanen erstochen habe, deshalb nach Krakau zog und dort mehr als ein Jahrzehnt blieb. Erst als man ihm wegen des Totschlages in seiner Jugend Straflosigkeit durch den Rat zusicherte, soll er nach Nürnberg zurückgekehrt sein. Gesichert scheint hingegen folgender Sachverhalt: Nach gescheiterten Geldgeschäften fälschte er einen Schuldschein. Er ahmte Unterschrift und Siegel eines Kontrahenten nach und landete am 10. November 1503 deshalb im "Lochgefängnis". Am 4. Dezember 1503 wurden nach seinem Geständnis beide Wangen mit glühendem Eisen durchstoßen.

Link ➨ Das Spätgotische Kruzifix in der Kaiserkapelle (pdf)

Innsbrucker Hofkirche. Diese entehrende Strafe der Brandmarkung hatte Folgen für sein weiteres Wirken. Nachdem er vom Henker gebrandmarkt war, galt der exzentrische Künstler als Einzelgänger, als gesellschaftlicher Außenseiter. Für seinen Ehrgeiz und seine Willensstärke sprechen seine berühmten späten Werke, wie etwa der "Englische Gruß" in St. Lorenz, das so genannte "Wickel'sche Kruzifix" in St. Sebald und der Altar für die Karmeliterkirche, der sich heute im Bamberger Dom befindet. 1516 schuf Stoß den Rochus für die Annunziatakirche in Florenz, den der erste Kunsthistoriker, Vasari, als ein "Wunder der Holzarbeit" bezeichnete. Im Gefolge eines Gnadenbriefes an den kunstsinnigen Kaiser Maximilian I. wurde er 1512 auch zur Planung des mit Bronzefiguren umstellten Kaisergrabes in der Innsbrucker Hofkirche herangezogen. Doch die Nürnberger Rotgießer verweigerten dem missliebigen Mann die notwendige Mitwirkung. So stammt nur die Figur der Zimburgis von Masowien in der Reihe der Innsbrucker Grabmalfiguren von ihm. 1525 wurde Veit Stoss wegen seiner reformationsfeindlichen Ansichten aus Nürnberg ausgewiesen.

Zeit des Umbruchs. Seine letzte große Arbeit, der "Bamberger Altar", entstand 1520-23. Hier zeigt sich bereits deutlich die neue Raum- und Körperauffassung der Renaissance; im Vergleich zu den spätgotischen Arbeiten des Meisters wirkt alles gemäßigter, in sich ruhender. Generell sind die Werke des Veit Stoß voller Pathos, sein ins Detail gehender Realismus und die Übersetzung religiöser Motive in dynamische Aktion wurden von keinem Bildhauer seiner Zeit übertroffen. Das Ende des 15. Jahrhunderts war die Zeit des Umbruchs von der Spätgotik zur Renaissance, eine Blütezeit der Kunst. Veit Stoß reiht sich ein in diese Liste hervorragender Künstler. Er schaffte Altäre, Kruzifixe und zahlreiche andere Bildwerke, die als Inbegriff der Bildhauerkunst seiner Zeit gelten. Die Ausdruckskraft und die handwerkliche Meisterschaft seiner Kunstwerke ist enorm - mit größter Raffinesse und Virtuosität entlockte Stoß dem Material feinste Details. Er starb am 22. September 1533 in Nürnberg.

Video Killed The Radio Star

2011-07-16T18:35:00.008+02:00

Der YouTube-Hype ist noch nicht einmal erahnbar, aber: Am 1.August 1981 startete der US-amerikanische Fernsehsender Music Television (MTV) mit dem programmatischen Song "Video Killed The Radio Star" der Pop-Gruppe "The Buggles" sein Programm. Ein neues Genre war geboren.

Audio-Vision. Was MTV mit dem Buggle-Song als Tatsache hinstellte, schaffte es in den nächsten Jahren: MTV "killed the radio star" - und ließ ihn zugleich, als audio-visuellen Star, wie ein Phönix aus der Asche wieder auferstehen. Es war ein neues Genre geboren. Schnell geschnittene Musikclips, wenige Minuten lang, ursprünglich zur Promotion neuer Songs erfunden, erlangten schnell Kultstatus, wurden teuer und an spektakulären Drehorten produziert, und ihre oftmals jungen Regisseure wurden zu Stars der Branche.

Neue Kunstform. Die Videotechnik sollte in der Tat ähnlich tiefgreifende Auswirkungen auf die Popmusikentwicklung haben wie seinerzeit die Single-Schallplatte und das Kofferradio, denen der Rock'n'Roll in nicht geringem Maße seine Existenz verdankte. Der Video-Clip avancierte aber auch zu einer eigenen auf den Biennalen gehandelten Kunstform. Und zwar eine, die sich der Mittel der Musik, der Schauspielerei und der Werbung bedient. Schließlich liegen die unmittelbaren Vorläufer des Clips in den Promotion-Filmen: Die Plattenfirmen beginnen Ende der 60er Jahre damit, für Songs wie etwa Penny Lane von den Beatles eigene Kurzfilme herzustellen. So muss man gefragte Bands nicht direkt in jede Musiksendung schicken, sondern übermittelt die eigenen Bilder gleich mit der Musik dazu. Eher eine Ironie der Geschichte ist es allerdings, dass ausgerechnet dieser Titel, der das Medium Video mit der Vernichtung musikalischer Kreativität in einer Plastikwelt Orwellscher Prägung assoziierte, geradezu als Symbol für die damit ausgelösten Veränderungen einstehen kann.

Link ➨ Videoclips VII - Kunst-Geschichten - Magazin für Theologie und Ästhetik

"Video Killed The Radio Star" im Original von den Buggles. Hinter diesem britischen Duo verstecken sich der Keyborder Geoffrey Downes sowie der Sänger und Gitarrist Trevor Horn. Die beiden gründen im Sommer 1979 das Studioprojekt Buggles. Der Gruppenname ist ein Kunstwort aus Bug - also Wanze - und den Beatles. Aus der Idee für einen Werbespot entsteht "Video Killed The Radio Star". Im Oktober 1979 führt er die Charts in Großbritannien an. Dazu drehen die beiden Musiker auch ein Video - und das läuft dann am 1. August 1981 zum Sendestart des amerikanischen Musikkanals MTV. Auch die Nachfolgesingle passt ins Konzept: "The Plastic Age" - das Plastik-Zeitalter.

Buggles - Video Killed The Radio Star

Link ➨ Ansehen/Anhören: The Buggles - Video Killed The Radio Star

Aus dem Album - Age Of Plastic

I heard you on the wireless back in Fifty Two

Lying awake intent at tuning in on you.

If I was young it didn't stop you coming through.

Oh-a oh

They took the credit for your second symphony.

Rewritten by machine and new technology,

and now I understand the problems you can see.

Oh-a oh

I met your children

Oh-a oh

What did you tell them?

Video killed the radio star.

Pictures came and broke your heart.

Oh-a-a-a oh

And now we meet in an abandoned studio.

We hear the playback and it seems so long ago.

And you remember the jingles used to go.

Oh-a oh

You were the first one.

Oh-a oh

You were the last one.

Video killed the radio star.

In my mind and in my car, we can't rewind we've gone to far

Oh-a-aho oh,

Oh-a-aho oh

Video killed the radio star.

In my mind and in my car, we can't rewind we've gone to far.

Pictures came and broke your heart, look I'll play my VCR.

You are a radio star.

Video killed the radio star.

Link ➨ Musikvideos - Kunst der Gehirnwäsche oder Schule der Ästhetik?

Giuseppe Arcimboldo. Dabei ist die Idee, Musik in Bilder und Farben umzusetzen, sehr alt und auch schon ein halbes Jahrtausend Praxis: Am Prager Hof des Habsburger Kaisers Rudolph der II. baut Giuseppe Arcimboldo sein "grafisches Cembalo". Der aus Mailand stammende Maler Giuseppe Arcimboldo (1527 - 1593) arbeitete seit 1562 am königlichen Hof in Wien und dann in Prag. Als Hofmaler war er vor allem für die Ausgestaltung großer Feste verantwortlich. Dort entwickelte er seinen originellen und skurrilen Stil: Er setzte Physiognomien portraitierter Personen aus Werkzeugen, Blumen und Früchten, die Allegorie des Feuers aus brennenden Holzstößen, Strohbündeln und Geschützen zusammen. 1587 kehrte er hochgeehrt und geadelt nach Italien zurück und wurde fünf Jahre später noch zum "Conte Palatino" ernannt. Der manieristische Künstler wurde von den Surrealisten des 20. Jahrhunderts als ihr Vorläufer angesehen. Bei seinem grafischen Cembalo wird jedem Einzelton mechanisch eine Farbe zugeordnet, diese in den Raum projiziert. Die Idee wird weiter verfolgt bis zu den Farborgeln und Farbklavieren des vorigen Jahrhunderts.

:::Freiklick:::> Giuseppe Arcimboldo

Videokunst. Erst in den späten 1960-er Jahren tauchen die Promotion-Filme wie Penny Lane oder Strawberry Fields Forever der Beatles auf: Damit ist die Grundidee des Clips gelegt. In der Dauer des Popsongs, also während zweieinhalb bis vier Minuten, soll der Künstler im besten Licht dargestellt werden. Die Möglichkeiten dieser Darstellung erweitern sich im Laufe der Siebziger Jahre. Mit dem Video-Synthesizer ist es seit 1971 möglich, vollsynthetisch - also ohne Vorlage - Bilder herzustellen. Diese werden zunächst in der Videokunst genutzt. Nam June Paik, Yoko Ono und Laurie Anderson gehören zu den frühen Vögeln. Doch auch Pop Art Bands wie die Residents und Devo produzieren seit Beginn der 70er Jahre Musikvideos, in denen Musik und Bild von gleicher Bedeutung sind. Die Entwicklung zum hyperschnellen Clip, wie er heute Standard ist, beschleunigt sich gegen Ende der 70er Jahre fast dramatisch: Ab 1977 wird der Heimvideorekorder vermarktet, und bereits im Jahr 1981 wird in den USA eben mit MTV der erste Fernsehsender gestartet, der ausschließlich Musik-Clips spielt.

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16.7.11

Kein 'Programm' im spießbürgerlichen Sinn des Wortes

2011-07-16T17:56:00.000+02:00

Die Zeitschrift, die der "Art Nouveau" im deutschsprachigen Raum den Namen "Jugendstil" lieh, "Jugend. Münchner illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben", erschien am 1.Jänner 1896 in München zum ersten Mal. Das Programm: "Ein 'Programm' im spießbürgerlichen Sinn des Wortes haben wir nicht."

Jugend. Münchner illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben. Das großzügig gestaltete, von Anfang an mit Farbdruck arbeitende Blatt gehörte zu den wichtigsten Geschmacks- und Meinungsbildnern gerade der Zeit um die Jahrhundertwende. Innerhalb von zehn Jahren war sie bereits derart bedeutend, dass ihr Meyers großes Konversations-Lexikon in der 6. Aufl. 1905-1909 bereits einen eigenen Beitrag widmet: "Jugend, eine 1896 von Georg Hirth (s. d.) begründete und herausgegebene, in München erscheinende, illustrierte Wochenschrift, die in modernem Geiste Fragen der Kunst und des öffentlichen Lebens in Wort und Bild behandelt, daneben aber auch von den Tagesfragen unabhängige literarische und künstlerische Beiträge ernsten und humoristisch-satirischen Inhalts veröffentlicht. Redakteure sind F. v. Ostini, S. Sinzheimer, A. Matthaei und F. Langheinrich."

Link ➨ Digitalisiert: Jugend. Münchner illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben

München. Die Erneuerung der Kunst und des künstlerischen Lebens um 1900 war eine breite Bewegung und wurde von vielen Kräften getragen. München war in letzten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts zu einem der wichtigsten Plätze für die künstlerische Ausbildung geworden, der besonders die Jugend aus Ost- und Nordeuropa anzog. Die Stadt war eines der Zentren des Jugendstils, der hier gegen Ende des 19. Jahrhunderts in Opposition zum dominierenden Historismus Fuß zu fassen suchte. Künstler wie Hermann Obrist, Henry van de Velde, August Endell und Adolf Hoelzel bereiteten den Boden für eine Kunst, "die nichts bedeuten und nichts darstellen und an nichts erinnern" wollte. Wassily Kandinsky übersiedelte 1896 nach München. Gabriele Münter oder Frank Wedekind wirkten hier. Für die "Jugend", neben der ebenfalls 1896 gegründeten Zeitschrift "Simplicissimus", arbeiteten vor allem Mitglieder der Künstlervereinigung "Die Scholle". Ähnlich wie Franz von Stuck oder Julius Exter waren diese Künstler um 1900 maßgeblich an der Erneuerung der Münchner Malerei beteiligt. Sie halfen mit, der Kunst der Gruppe "Blauer Reiter" den Weg zu bahnen. Bis zum Ersten Weltkrieg blieben München und Oberbayern ein Brennpunkt der modernen Kunst von internationalem Rang.

Programm. In der Jugend sollte sie ihr Forum finden. Das Programm der Programmlosigkeit wurde zum Schmelztiegel, zeigte sich offen für die unterschiedlichsten Strömungen und wurde Förderer für eine Vielzahl von Künstlern und Literaten: "Ein "Programm" im spießbürgerlichen Sinn des Wortes haben wir nicht. Wir wollen Alles besprechen und illustrieren, was interessant ist, was die Geister bewegt; wir wollen Alles bringen, was schön, gut, charakteristisch, flott und - echt künstlerisch ist." Schon in den ersten sieben Jahrgängen der Zeitschrift sind über 250 Künstler vertreten. Das meiste wirkt farbenfroh-unschuldig, verliebt, träumerisch oder karnevalesk, manchmal weihe- und geheimnisvoll und erregte mit dem radikal neuen Erscheinungsbild Erstaunen. Das Originelle, ja Exzentrische war geradezu erwünscht und das Verrückte, wenn es vom Talent gesegnet, war nicht verboten. Von Woche zu Woche wechselte das Titelblatt, Seite für Seite brachte bunte und lebensvolle Formen der Graphik, poetische, belletristische, literarische und sogar musikalische Beiträge. Die vom Verleger Georg Hirth gegründete Zeitschrift propagierte nicht einen neuen einheitlichen Stil, sondern präsentierte verschiedenste Experimente und Vorschläge für neue Gestaltungsweisen des 20. Jahrhunderts. Alle Künstler sind noch weitgehend unbekannt, und alle haben einen unmittelbaren Bezug zu München. Für viele, so auch für Max Slevogt und Ernst Barlach, war die Jugend eine der ersten Gelegenheiten, ihre Arbeiten vorzustellen. Manche erlangten erst später Berühmtheit wie Henry van de Velde, Aubrey Beardsley, Peter Behrens, Joseph Maria Olbrich, Louis Comfort Tiffany und Gustav Klimt. Nahezu alle Künstler des Münchner Jugendstils begannen hier ihre Laufbahn, fanden hier erstmals eine Öffentlichkeit.

Link ➨ Jugend. Münchner illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben.

Art Nouveau. Da sich die Zeitschrift besonders der neuen Kunst, der "Art Nouveau" widmete, kam es in Deutschland allmählich zu einer neuen Bezeichnung dieses neuen Stils. Der deutschen Bezeichnung Jugendstil entsprechen französisch - oder besser: international - "Art Nouveau" und englisch "Modern Style" oder "Style Liberty". Es war der Stil, der in der "Jugend" propagiert wurde, der "Jugendstil". Gegen den Willen ihres Herausgebers wurde die Jugend zwar zur Namensgeberin einer ganzen kunstgewerblichen und literarischen Stilrichtung, aber auch wenn "Die Jugend" Namensgeber der Kunstrichtung ist, lassen sich Inhalt und Ausrichtung der Jugend auch in ihrer Hochzeit nicht auf das Label "Jugendstil" reduzieren. Eine Beschreibung der Jugend durch Merkmale des Jugendstils würde wesentliche Aspekte der Zeitschrift ausblenden. Neben modernen Illustrationen und Ornamenten spielten auch satirische und kritische Texte ein große Rolle im Heft. Der Kunstzeitschrift war allerdings mit dem Jugendstil zumindest in dem Erscheinungsbild gemein, die alten verstaubten und unzeitgemäßen Formen durch modernere ornamenthafte und blumenartige Darstellungen abzulösen.

Immerhin wird aber deutlich, wie wichtig das Heft für Kunst und Literatur der Jahrhundertwende war. Sie verstand sich als eine vielseitig interessierte Unterhaltungszeitschrift, die dem traditionellen Kulturkanon kritisch gegenüberstand und jegliche Form der Spießigkeit ablehnte. Sie ähnelte darin dem ebenfalls 1896 gegründeten "Simplicissisimus" oder der seit 1895 erscheinenden Zeitschrift "PAN", obwohl die scharfe politische Satire die Ausnahme blieb. Als Zeitschriftentyp ist die Jugend künstlerisch, satirisch, kritisch und universal. Satire und Lyrik sind ihre wichtigsten literarischen Gattungen. Zu den Autoren zählen u.a. der heute weitgehend vergessene Georg Bötticher, Fritz von Ostini, Anton Alfred Noder, Karl Ettlinger, Franz Kunzendorf.

Link ➨ Jugend Magazine

Weltkrieg I. Ab dem Ersten Weltkrieg wurde die Jugend zunehmend zu einer deutsch-nationalen und bayrisch - heimattümelnden Zeitung. Mit dem Tod des Zeitschriftengründers Georg Hirth im Jahr 1916, einer unsteten Geschäftsleitung und in einer wirtschaftlich schwierigen Nachkriegszeit bewegte sich die Zeitschrift ein Jahrzehnt am Rande des Abgrunds. Das änderte sich erst wieder unter der Schriftleitung von Franz Schoenberner als die Jugend ab 1927 eine Modernisierung erfuhr. Die allzu bajuwarisch schollenverhaftete und bierselige Atmosphäre wurde abgelöst durch eine scharfe Intellektualität und skeptische Wachheit. Kurze Skizzen von Hermann Kesten, satirische Gedichte von Erich Kästner oder zornige Artikel von Kurt Tucholsky gaben der Zeitschrift ein neues Profil. Kleine böse Zeichnungen von George Grosz, dunkle märchenhafte Monstren von Alfred Kubin und fragile Totentänze Mayrhofers trafen das Morbide und Makabre der Zeit.

Drittes Reich. Die Zeitung konnte noch bis 1940 erscheinen, freilich um den Preis einer totalen Anpassung an die nationalsozialistischen Vorgaben. In der Sondernummer "Tag der Deutschen Kunst" 1937 heißt es in der Einleitung: "Als das deutsche Volk uneinig und zerrissen war, maßte sich auch die Kunst an, sich von ihrem Volke loszusagen und ein selbständiges Eigenleben zu führen". "Wenn sich die Kunst loslöst vom Pulsschlag des Volkes, wird sie unfähig ethische Werte zu zeugen." Aber die Zeit des "krankhaften Intellektualismus", der "künstlerischen Verirrung" und des "entwurzelten Geisteslebens" sei vorbei.

16.7.11

Voneinander lernen: Kunstvermittlung im Kontext kultureller Diversität

2011-07-11T14:18:00.000+02:00

Die Studie "Voneinander lernen – Kunstvermittlung im Kontext kultureller Diversität" untersucht aktuelle Kunstvermittlungsformen im Hinblick auf ihren Umgang mit kultureller Diversität auf mehreren Ebenen: sei es in Bezug auf die Herkunft der Künstlerinnen und Künstler beziehungsweise auf die der Kunstvermittlerinnen und Kunstvermittler, im Hinblick auf die Wahl der Themen, der Form ihrer Gestaltung oder der Orientierung an verschiedenen Zielgruppen.

Damit möchte die Studie einen Beitrag zum aktuellen kultur- und entwicklungspolitischen Diskurs um kulturelle Bildung – insbesondere für den Bereich der "Arts Education" – leisten. Obwohl ein Konsens darüber existiert, dass Kunstvermittlung ein wesentliches Element kultureller Bildung darstellt, besteht gleichzeitig ein Desiderat in der Frage, wie eine aktuelle Kunstvermittlung aussehen kann, die für Rezipientinnen und Rezipienten Angebote der Auseinandersetzung mit Kunstwerken entwickelt, in die die jeweiligen kulturellen Hintergründe einbezogen werden. Dieser neue Ansatz tritt an die Stelle der bislang vorrangig praktizierten Vermittlung kanonischen (kunsthistorischen) Wissens.

Link ➨ ifa-Edition Kultur und Außenpolitik - Wiebke Trunk: Voneinander lernen – Kunstvermittlung im Kontext kultureller Diversität. pdf., 70 S.

Inhaltsverzeichnis
Einleitung 5
1. Transkulturelle Diversität, kulturelle Bildung, Kunstvermittlung: eine Annäherung 8
2. Kunstvermittlung und transkulturelle Diversität in der Praxis: vier Fallbeispiele 20
3. Auswertung der Projekte 45
4. Resümee 57
Handlungsempfehlungen 60
Literatur und Links 64
Zur Autorin 68

Marylin Monroe singt im Madison Square Garden "Happy Birthday Mr. President"

2011-07-06T09:31:00.001+02:00

Norma Jeane Mortenson wurde 1942 mit sechzehn Jahren - kurz vor ihrem möglichen Schulabschluss - mit dem um fünf Jahre älteren Nachbarsjungen Jim verheiratet. Am 13. September 1946 ließ sie sich scheiden. Seitdem kannte man sie nur noch mit dem Künstlernamen: Marilyn Monroe.

Marilyn Monroe. 1943 meldete sich der Ehegatte Jim bei der Handelsmarine. Während seiner Abwesenheit lernte Norma Jean den Fotografen David Conover kennen und erhielt 1944 während einer Tätigkeit in einer Flugzeugfabrik das erste Modell-Angebot: Auf Empfehlung des Armee-Fotographen, der die Frauen im Rüstungsbetrieb portraitieren sollte.

Schon 1945 wurde Norma Jeane als Fotomodell entdeckt und erhielt 1946 von der 20th Century Fox ihren ersten Filmvertrag. Sie färbte ihre brünetten Haare blond und nahm den Künstlernamen Marilyn Monroe an. Marilyn verweist auf die Bühnenschauspielerin Marilyn Miller und Monroe auf den Familiennamen mütterlicherseits. 1952 lernte sie Baseballstar Joe Dimaggio kennen, im Juni erhielt sie eine Nebenrolle in "Blondinen bevorzugt" und 1954 heirateten Marylin und Dimaggio für ein halbes Jahr Ehe. 1956 heiratete sie den Dramatiker Arthur Miller, beide zogen nach England. Sie ging jedoch bald darauf wieder zurück nach Hollywood, um an verschiedenen Filmen zu arbeiten, wobei sich bei Marilyn eine Schlaftablettenabhängigkeit abzeichnete.

Link ➨ Marylin Monroe singt "Happy Birthday Mr. President"

Link ➨ Diamonds are girl's best friend
Link ➨ Marilyn Monroe Videos

Kennedy. Am Tag der Amtseinführung des amerikanischen Präsidenten John F. Kennedy - dem 20.Jänner 1961 - wird sie von Arthur Miller geschieden und am 19. Mai 1961 sang sie im Madison Square Garden ihren wohl bekanntesten Song: "Happy Birthday Mr. President" für John F. Kennedy. Etwas mehr als ein Jahr später war Monroe tot. Am 5.8.1962 Marilyn Monroe (geb. 1.6.1926) wird in ihrem Appartment in Brentwood/Hollywood tot aufgefunden. Sie war an einer Überdosis Schlaftabletten gestorben. Die Yellow-Press verbreitete Geschichten über angebliche Affären mit John F. Kennedy und dessen Bruder Bob. Gerüchte und Enthüllungsstorys um ein Mordkomplott der US-Geheimdienste tauchen seither mit steter Regelmäßigkeit in diesen Presseerzeugnissen auf.

American Way. Marilyn Monroe verkörpert den amerikanischen Traum schlechthin. Ihr Leben gleicht der Geschichte von Aschenputtel: Ein armes, kleines Mädchen wird zum begehrten, erfolgreichen Hollywoodstar. Umgekehrt gilt aber auch, dass sie darunter gelitten hatte, dass man sie immer wieder auf das Image einer sexy Blondine reduzierte und sie auf diese Weise rücksichtslos vermarktete. Drei gescheiterte Ehen, zwei Fehlgeburten und Aufenthalte in psychiatrischen Kliniken hatten sie zu einem psychischen Wrack gemacht.

Link ➨ Marilyn Monroe

Niagara. Ein Aktphoto aus dem Jahre 1949 provozierte drei Jahre später einen weltweiten Skandal und ließ ihr Sex-Appeal weltberühmt werden. Mit dem Film NIAGARA schaffte sie 1953 den Durchbruch zum Weltstar und machte sie zur erfolgreichsten Schauspielerin in Hollywood. In den folgenden Jahren spielte Marilyn Monroe in Welterfolgen wie "How to marry a millionaire" und "River of no return".

Das verflixte siebte Jahr. Unvergessen bleibt ihre Darstellung in "The seven year itch" (Das verflixte 7. Jahr) von 1955. Die Szene mit dem hochwirbelnden Kleid für den Film wird in New York vor tausenden von Schaulustigen abgedreht. Die Szene im sommerlich New York, in der sie sich Kühlung auf dem Gitter eines U-Bahnschachtes verschafft und ihr hochflatterndes Kleid ihre Beine zeigt, ist in Filmgeschichte eingegangen. Von 1956 bis 1960 entstanden Filme wie "Bus Stop", "The Prince and the Showgirl" (den sie selber produzierte) und "Let's make Love". Ihr letzter, "Something's got give" (1962) blieb unvollendet. In ihren Filmen sang sie viele bis heute unvergessene Lieder. "Diamonds Are a Girls Best Friend" und "I Wanna Be Loved By You" sind ihre wohl bekanntesten Hits. Für den Geschmack der amerikanischen Gesellschaft der 50er Jahre klangen einige von ihnen gar zu provozierend. So wurde beispielsweise ihre Aufnahme von "Do it Again" erst fünfzehn Jahre nach ihrem Tod veröffentlicht. Ihre Stimme gehört noch heute zu den bekanntesten der Welt.

Filme mit Marilyn Monroe:
John Huston: Asphalt-Dschungel (1950)
Howard Hawks: Liebling, ich werde jünger (1952)
Henry Hathaway: Niagara (1952)
Howard Hawks: Blondinen bevorzugt (1953)
Jean Negulesco: Wie angelt man sich eine Millionär? (1953)
Otto Preminger: Fluss ohne Wiederkehr (1954)
Billy Wilder: Das verflixte 7. Jahr (1955)
Joshua Logan: Bus Stop (1956)
Laurence Olivier: Der Prinz und die Tänzerin (1957)
Billy Wilder: Manche mögen's heiß (1959)
George Cukor: Machen wir's in Liebe (1960)
John Huston: Misfits. Nicht gesellschaftsfähig (1961)

Free Movie: Das Cabinet des Dr. Caligari

2011-07-05T09:11:00.003+02:00

Der expressionistische Stummfilm gilt als einer der Meilensteine der Filmgeschichte, umso toller die Möglichkeit, den Film kostenfrei aus dem Web herunterzuladen.

Das Cabinet des Doktor Caligari war der herausragende Film von Robert Wiene des deutschen expressionistischen Kinos der zwanziger Jahre. Eine Traumlandschaft, in der sich schwarzgekleidete Schauspieler fieberhaft durch düstere und irreale Aufbauten jagen. Fritz Lang, der Regie führen sollte, steuerte die Rahmenhandlung bei.

Das Cabinet des Dr. Caligari. Das ist ein deutscher Horrorfilm von Robert Wiene aus dem Jahr 1920. Von den Drehbuch-Autoren Carl Mayer und Hans Janowitz war er als Denunziation der autoritären Tyrannei beabsichtigt, Der expressionistische Stummfilm gilt als einer der Meilensteine der Filmgeschichte. Werner Krauss (1884-1959) war einer der führenden Schauspieler des deutschen expressionistischen Kinos. Er spielte in über 100 Stummfilmen. Conrad Veidt (1893-1943) emigrierte in den dreißiger Jahren nach Großbritannien und später nach Hollywood. Seine größten Rollen waren die des Jaffar in Der Dieb von Bagdad (1940) und die des Major Strasser in Casablanca (1942). Fritz Lang (1890-1976), der zunächst bei Das Cabinet des Doktor Caligari Regie führen sollte, steuerte die Rahmenhandlung bei.

Link ➨ Free Movie: Das Cabinet des Dr. Caligari (Spielfilm)

Drama aus dem Jahre 1919
Deutsche Erstaufführung: 27.02.1920
Länge: 1703m
Land: Deutschland
Produzent: Rudolf Meinert
Regie: Robert Wiene
Drehbuch: Hans Janowitz, Carl Mayer
Kamera: Willy Hameister
Bauten: Walter Reimann, Walter Röhrig, Hermann Warm

Darsteller:
Lil Dagover als Jane
Friedrich Feher als Francis
Werner Krauß als Dr. Caligari
Hans Lanser-Ludolff
Rudolf Lettinger als Drl Olsen
Henri Peters-Arnolds
Ludwig Rex
Hans-Heinrich von Twardowski als Alan
Conrad Veidt als Cesare
Elsa Wagner

Link ➨ Das Vermächtnis des Dr. Caligari. Zum filmgeschichtlichen Status und Einfluß.

Handlung. Die Binnenhandlung dieses expressionistischen Stummfilmklassikers erzählt die Geschichte des Dr. Caligari, der mit Hilfe eines Somnambulen namens Cesare eine kleine norddeutsche Stadt in Angst und Schrecken versetzt. Tagsüber präsentiert Caligari den an einer merkwürdigen, tranceartigen Krankheit leidenden Cesare auf dem Jahrmarkt. Dort sagt der hochgewachsene, dürre und blasse Somnambule den Schaulustigen die Zukunft voraus. Des Nachts aber schleicht dieser Sklave Caligaris durch die Stadt und begeht unter dem Einfluss seines Herrn furchtbare Morde. Als eines Nachts ein junger Mann ermordet wird, dem Cesare den nahen Tod prophezeit hatte, ahnt Francis, ein Freund des Toten, dass Dr. Caligari mit der Sache zu tun hat.

Als Francis' Freundin Jane von Cesare entführt wird, wird der Verdacht zur Gewissheit. Eine aufgebrachte Menge macht sich auf die Jagd nach dem flüchtenden Doktor. In einem Irrenhaus scheint Francis den Schausteller in die Enge getrieben zu haben, da muss er eine furchtbare Entdeckung machen: Der wahnsinnige Dr. Caligari ist der Direktor der Anstalt ... Die Rahmenhandlung schafft die Doppelbödigkeit des Films: Denn Francis, der die Geschichte von Dr. Caligari erzählte, ist selbst Insasse der Nervenheilanstalt.

Kriegsmusik

2011-07-04T08:00:00.000+02:00

Die Urfassung "Toute la Lyre" von Pierre Schaeffer wird am 6.Juli 1951 im Pariser Theatre de l'Empire uraufgeführt. Die neue Fassung am 10. Oktober 1953 in Donaueschingen löst einen Tumult aus. Das Publikum pfeift, brüllt und es ist nicht zu unterscheiden, was wütender Protest, fanatische Zustimmung und was das Stück selber ist.

Kriegsmusik. Walter Dirks, der angesehene linkskatholische Journalist, schreibt in seinen Frankfurter Heften dazu: "Am Schluss des "Orphée 53" waren eine griechische Hymne an Zeus, das Geheul der Furien und anderes, nicht Identifizierbares so ungeheuerlich und so maßlos ausgebeutet, dass der ganze Saal um Mitternacht ins Toben geriet, es war nicht mehr zu unterscheiden, was wütender Protest, was fanatische Zustimmung, was amüsierter Ulk, was Nervenentladung – und was das Stück selber war. Mit solcher Musik könnte einer eines Tages einen Krieg entfesseln. Oder doch ein Progrom. Ob er mit den gleichen Mitteln auch ein Herz trösten oder eine Wahrheit aussagen könnte, ist recht fraglich. Ich wage nicht zu sagen, ob die Möglichkeiten, die sich hier auftun, für die eigentliche Kunst irgendwie bedeutsam werden können. Für Demonstrationen, den Krieg, die Diktatur, bietet das Verfahren ganz gewiss geradezu ungeheuerliche Möglichkeiten."

Das Unverständnis für Pierre Schaeffers Werk ist breit. Walter Dirks, linkskatholisch engagiert, mit Adorno Herausgeber der "Frankfurter Beiträge zur Soziologie" hat noch die Musik des Krieges und der Diktatur, gegen die er eintrat, in den Ohren. Das war doch eine gänzlich andere. Er spottet weiter: "Das Wort Komposition, das sich auch in den Wörtern Kompott und Kompost wieder findet eignet sich trefflich für diese Art von Klangmontage." Und selbst Stockhausen kann damit nicht umgehen, wenn er 1953 formuliert: "Vergesse man aber nicht, dass selten eine Komponistengeneration so viele Chancen hatte und zu solch glücklichem Augenblick geboren wurde, wie die jetzige: Die Städte sind radiert – und man kann von Grund auf neu anfangen, ohne Rücksicht auf Ruinen und geschmacklose Überreste". Dass es dieses "neu Anfangen auf Ruinen" nicht gibt, dass nicht nur die Ruinen noch immer das Hören und Sehen diktieren, hatte er damals wohl in der Hitze der Gefechte hoffnungsvoll übersehen wollen.

Schaeffer kommt vom "Radio", ist Radiotheoretiker und so lässt sich sein Werk nicht ohne seine höchstpersönlichen Kriegserfahrungen erklären. Schon 1948 wurde die Idee einer Musique concrète von den beiden Musikern und Komponisten Pierre Schaeffer und Pierre Henry geboren und in der Radiosendung "Concert des bruits" erstmals öffentlich aufgeführt. Als Radiotheorie hat es Schaeffer auch längst formuliert: Zwingt das Radio den Werken, die es übertragen will, den Ereignissen, die es festhält, einen Stil auf, sei er nun hyperrealistisch oder irreal? Liefert es uns, wie man gemeinhin glaubt, eine genaue Reproduktion oder nur ein Bild, eine Vorstellung, bei der man sorgfältig zwischen Elementen unterscheidet, die genauso sind und solchen, die nicht mehr als ein Gleichwertiges darstellen? Gibt es so etwas wie eine radiophone Akustik, so wie man von einer Optik des Kinos oder auch des Theaters spricht?

Link ➨ Pierre Schaeffer

Die "Musique concrète" markiert den Anfang des modernen Soundsampling, den einer eigenständigen Radiokunst und des Sounddesigns. Mannigfaltige Anregungen sind von ihr ausgegangen. Pierre Schaeffer über seine Idee einer "Musique concrète": "Ich komme ins Studio, um Geräusche sprechen zu lassen. Sie beschwören nicht mehr das Dekor oder die Schicksalsknoten einer Handlung, sondern artikulieren sich durch sich selbst ... und selbst wenn Bruchstücke von Worten oder Sätzen darin enthalten sind, so haben sie doch fraglos eine Ablenkung erfahren, wo nicht ihres Sinnes, so doch ihres Gebrauches. Anstelle von Musik ist ex abrupto eine Art Klangpoesie entstanden.

Pierre Schaeffer. (* 14. August 1910 in Nancy ; † 19. August 1995 in Aix-en-Provence) Er ist ein Pionier in der Musik des 20. Jahrhunderts. Unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg begründete er – später mit Pierre Henry – den Club d‘Essai innerhalb des nationalen französischen Rundfunks. Damals, als der Rundfunk noch ein technisches und ästhetisches Experimentierfeld war, arbeitete Schaeffer an der Montage und Verfremdung vorliegender, realer, eben konkreter Klänge. Im Zentrum des musikalischen Schaffens von Schaeffer steht die berühmte Studie, die er zusammen mit Pierre Henry herstellte, die "Symphonie pour un homme seul". Eine Sinfonie schon, irgendwie, aber in einer Abgründigkeit und Andersartigkeit, wie sie das symphonische Orchester nicht bieten kann.

Die wesentlichen biografischen Daten liegen in den meisten Darstellungen über Schaeffer erst nach dem zweiten Weltkrieg, wohl beginnend mit einem Beginn der besonderen Art: Mit dem "Ersten Konzert mit Musique concrète", das am 18. März 1950 in der Pariser Ecole Normale de Musique stattfand. Es war das erste Konzert der Musikgeschichte, in dem keine Musiker sangen oder spielten. Alle Klänge waren zuvor im Studio aufgenommen, verarbeitet und montiert worden; bei der Aufführung mussten sie über Lautsprecher wiedergegeben werden - als "Unsichtbare Musik". Die technischen Möglichkeiten waren damals engstens begrenzt: In den ersten Jahren gab es nicht einmal Tonbandgeräte, so dass Collagen und Mischungen mit mehreren Schallplattenspielern realisiert werden mussten.

Link ➨ Pierre Schaeffer - Études aux chemins de fer

Aber seine Geschichte als Rundfunkpionier ist eine ältere: Der gelernte Rundfunkingenieur hat schon in den vierziger Jahren damit begonnen, seine technischen Erfahrungen produktiv zu nutzen, sie umzusetzen in innovative Medienpraxis. In politisch finsteren Zeiten - zur Zeit der deutschen Besetzung Frankreichs während des zweiten Weltkrieges - gründete er ein Versuchsstudio, das sich nicht nur als ästhetisches Experimentierfeld der Radioliteratur und des Hörspiels verstand, sondern auch als Forum der Resistance. Seine Radioarbeit im Untergrund zielte auf die Zukunft eines wieder freien französischen Rundfunks. In seinem Hörspiel "Die Planetenmuschel", das damals als Untergrundproduktion realisiert wurde, finden sich Spuren der traumatischen Kriegserlebnisse jener Zeit. Die in Beaune gemachten Aufnahmen wurden vorsorglich für die Zeit nach der Befreiung vorbereitet: Als Zeichen des Protestes und der Hoffnung auf bessere Zeiten entwickelte sich eine intensive Studioarbeit in der Erarbeitung von Rezitationen politisch engagierter Gedichte und von Hörspielen. Schriftsteller wie Eluard und Aragon sprachen offen aus, was auch Schaeffer selbst bewegte - und was in Schaeffers Hörspiel "La Coquille à Planètes", das damals produziert wurde, zumindest indirekt deutlich wird: Widerstand gegen Okkupation und Unterdrückung, Abscheu gegen die Schrecken des Krieges.
1944 ist das Jahr der französischen Befreiung. Die alliierte Invasion setzt der deutschen Okkupation ein Ende. Das Radio des befreiten Paris war das Werk Schaeffers. Mit der Gründung des Versuchsstudios in Beaune hatte er die Voraussetzungen dafür geschaffen. Schaeffers Studio d'Essai sendete am 22. August 1944 den ersten Radioaufruf zum Aufstand, und es informierte in Reportagen über die Barrikadenkämpfe in der Stadt. Die wichtigsten Tondokumente jener Tage stammen aus Schaeffers Studio. Schaeffer stellte, noch während der Straßenkämpfe, die Weichen für die Geburt des Radios der 4. Republik. Ihm verdanken wir die wichtigsten Tondokumente jener erregenden Tage. Erhalten geblieben ist uns beispielsweise ein Telefongespräch Schaeffers mit Paul Eluard, das sich mischt mit dem Massengesang der Marseillaise draußen auf den Straßen. 1944, in der Zeit des französischen Umschwungs, stieg Schaeffer für kurze Zeit sogar zum Generaldirektor des gesamten französischen Staatsrundfunks auf.

Link ➨ DIE ZEIT - Gottes Plattenteller

Orphée 53. Dreiundfünfzig steht für das Aufführungsjahr und bezeichnet sich als "ein Stück für Geige, Cembalo und Magnetophon". Magnetophon, so lautete die Bezeichnung für eine neue Technik, die später und ausgereifter "Tonband" heißen wird. "Orphée cinquante-trois", "Orpheus "53", ergänzt die französischen Texte der Urfassung von "Toute la Lyre" durch deutsche Sprechtexte. So kommt es zu eigenartigen Dialogen in verschiedenen Sprachen. Für die mannigfaltigen Versuche, Sprache und Gesang mit konkreten Klängen zu kombinieren, entwickelte Schaeffer ein reges Interesse und suchte immer wieder nach neuen Lösungen. Pierre Schaffer, der diese "opéra concrète" zusammen mit Pierre Henry geschaffen hat, ist damals mit dem Versuch, neue Klangwelten mit den Aufführungskonventionen des Konzert- und Opernbetriebes zu versöhnen, auf heftigste Ablehnung gestoßen. Schaeffers Konzeption einer Lautsprecheroper mit live hinzutretenden Musikern und Darstellern hatte, wie er selbst später berichtet hat, damals Konflikte zwischen konventionellen und traditionellen Klangstrukturen, zwischen Hörbarem und Sichtbarem provoziert, mit denen nicht einmal sein Koautor einverstanden gewesen war. Dieser Versuch kam damals offensichtlich zu früh - in einer Zeit, als junge Komponisten nach einem radikalen, streng konstruktivistischen Neubeginn suchten und dabei alle aus der Tradition bekannten Bindungen in Frage stellten - nicht nur in der Musik selbst (in bekannten Konstellationen der Melodie, der Harmonie, des Rhythmus), sondern auch in Verbindungen der Musik mit Wort und Szene.

Offenbachiade

2011-07-03T19:48:00.000+02:00

Am 5. Juli 1855 trat Jacques Offenbach mit der Eröffnung der "Bouffes-Parisiens" erstmals als selbständiger Theaterunternehmer in Erscheinung und begründete damit eine Basis für neue künstlerische Entwicklungen. Die Operette gilt als seine "Erfindung" und die "Offenbachiade" spezifiziert seine musikalischen Satiren.

Opera buffa. Am 5. Juli 1855 gründet der 1819 als Sohn eines jüdischen Kantors geborene Offenbach ein eigenes, kleines Theater. Es ist die Weltausstellung in Paris (1. Mai bis 31. Oktober 1855), die ihn veranlasst von dem zu erwartenden Besucherstrom zu profitieren. Am 4. Juni 1855 erhielt er ein Theaterprivileg, das ihm die Aufführung von Pantomimen und musikalischen Szenen mit höchstens drei Mitwirkenden erlaubte. Es gelang ihm, in einem Holzbau an den Champs Elysees unterzukommen. Er stand unweit des Weltausstellungsgeländes und war 1849 erbaut worden. Offenbach eröffnete dann sein kleines Theater, das er nach der Bezeichnung für seine eigenen Werke "Bouffes-Parisiens" nannte, am 5. Juli 1855. Der zentrale Einakter des Eröffnungsabends hieß "Die beiden Blinden" ("Les Deux Aveugles") und sein enormer Erfolg entschied über die Zukunft von Offenbachs Unternehmung und auch über die künftige Richtung seiner künstlerischen Tätigkeit. Er schuf im Laufe seines Lebens über einhundert Bühnenwerke, meist Vaudevilles und Einakter. Diese sind aber heute nicht mehr so bekannt. In Erinnerung bleiben vor allem seine Operetten, die als Synonym für lockere und unbeschwerte Unterhaltung stehen und die später seine eigentliche historische Bedeutung ausmachten.

In seinem Theater entstehen etliche "Komische Opern", wie "Opéra Bouffe" wörtlich heißt, oder eben "Operette". Die auffälligsten Merkmale der Operette sind der heitere Charakter, der die Musik sowie die gesprochenen Dialoge prägt. Diese Form der Darbietung ist entstanden aus der komischen Oper, und schon seit dem 17. Jahrhundert wurden mit Operette Bühnenwerke bezeichnet, die zwischen die einzelnen Akte einer Oper eingefügt wurden. Im 18. Jahrhundert wurde der Begriff Operette für deutsche Übersetzungen von italienischen Opere buffe und Intermezzi ebenso gebraucht wie für französischen Vaudevilles und Opéras-comiques.

1856 verwendete Jacques Offenbach erstmals die Bezeichnung Operette für eines seiner Werke: "La rose de St-Fleur". Schon 1854 wurden in Paris in einem Theater genannt Folies-Concertants, frivol-spöttische Einakter aufgeführt. Daraufhin gründete Offenbach sein eigenes Theater, die Bouffes-Parisiens. Dessen Eröffnung am 5. Juli 1855 wird gemeinhin als Geburtsstunde der Operette bezeichnet, wiewohl er den Eröffnungseinakter "Die beiden Blinden" ("Les deux aveugles") noch nur als "bouffonerie musicale" bezeichnet. Unkomplizierte musikalische Formen (Chansons, Couplets), volkstümliche Melodien und moderne Tänze wie Cancan, Fandango und Walzer prägten den Charakter dieser neuen Richtung und kamen dem Publikumswunsch nach "leichter Unterhaltung" im Gegensatz zum hochkünstlerischen Musiktheater entgegen. Gerade der Eröffnungseinakter zeigt schon den berühmt gewordenen politischen Witz von Jacques Offenbach: Der blinde Patachon sitzt am Straßenrand: Mit gesanglichen und instrumentalen Kostproben seines Könnens versucht er mühsam, sich seinen Lebensunterhalt zu verdienen. Kein Passant ist vor seiner akustischen Freigebigkeit sicher. Da erscheint Giraffier auf der Bildfläche – ebenfalls blind, ebenfalls Sänger. Patachon fühlt sich bedroht von der Konkurrenz durch den ungebetenen Kollegen. Man liefert sich spitzfindige Wort- und rasante Liedduelle, kramt in der Melodien-Erinnerungskiste und wird fündig, versucht den Mitstreiter im unausgesprochenen Sängerkrieg zu besiegen. Höhepunkt des absurden Spiels ist ein Kartenspiel der beiden "Blinden".

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Exportartikel. Auch Wien hatte bereits eine Tradition von Posse und Gesang. Zudem wurden die Werke von Offenbach rezipiert und an zwei Theatern in Wien gepflegt: dem Theater an der Wien und dem Carltheater. Am 16. Oktober 1858 wurde im Wiener Carl-Theater in der Übersetzung Treumanns erstmals "Die Hochzeit bei Laternenschein" aufgeführt. In den darauf folgenden Jahren beherrschten die Werke Offenbachs die Wiener Operettentheater. Die erste Wiener Operette stammt von Franz von Suppè (Das Pensionat; 1860) und war ebenfalls noch ein Einakter. Die Dreiakter als abendfüllende Werke folgten ab 1870. Die Hauptmerkmale der Wiener Gattung sind die typischen Wienermelodien, ausgedehnte mehrteilige Finali sowie eine dominierende Rolle des Balletts und versinkt im Walzerkitsch wie die "Berliner Operette" in zackigem Marsch-Rhythmus. Lediglich einzelne Werke, wie "Die lustigen Nibelungen" von Oscar Straus (1904), atmen noch einmal Witz und Geist der "Offenbachiaden". Die Wiener Operette nimmt aber so die Stellung einer deutschen komischen Oper ein. Diese relativ starren Formen wurden durchbrochen durch Franz von Lehár (Die lustige Witwe 1905; Paganini 1925; Das Land des Lächelns 1929), dem mit diesen Operetten der Anschluss an die zeitgenössischen Opernkompositionen gelang (Uraufführung der "Giuditta" 1934 an der Staatsoper Wien). Die wichtigsten Vertreter der Wiener Operette waren nach Lehár, L. Fall, R. Stolz und E. Kálmán, dessen Csàrdàsfürstin sowie seine Gräfin Mariza eine eigene Tradition des Ungarischen Operettenkolorits begründete. Zu erwähnen ist auch die englische Operette ab 1880, mit dem erfolgreichsten Komponisten A. Sullivan (Trial by Jury; The Mikado), dessen Triumphe in Amerika Cohen, de Koven und Sousa beeinflusste. Daneben entwickelte sich ab 1920 eine neue Strömung, aus der dann das Musical hervorging.

Offenbachiade. Offenbachs "Komische Opern" zeichnen sich durch die satirische Überzeichnung von Charakteren der Zeit unter Napoleon III. aus. Musikalisch und dramaturgisch stammt sie von der alten Opéra Comique und entwickelt sich unter den spezifischen Bedingungen des zweiten Kaiserreiches in Paris. Unter dem Begriff "Offenbachiade" bürgert sich sogar ein Wort für die Vorliebe des Komponisten ein, die Handlung in der antiken Sagenwelt spielen zu lassen. Die Offenbachiade nimmt nichts ernst und enthält immer aktualitätsbezogene Satire, typisiert sie aber zeitübergreifend. Karikatur, Parodie und Persiflage gehören wesensmäßig zum Element der Offenbachiade. Sie macht sich aber beileibe nicht nur lustig, vielmehr kehrt sie das Untere nach oben und ergreift Partei für die Zukurzgekommenen. So karikiert Offenbach seinen Regenten und das Britische Empire gleichermaßen in "Die schöne Helena". Obendrein ein Schlüsselwerk Offenbachs, da er für die Uraufführung endlich seine Traumheldin findet: Hortense Schneider spielt seit diesem Jahr 1864 in seinen Produktionen die weibliche Hauptrolle.

Jakob Offenbach. Jacques (ursprünglich Jakob) Offenbach (* 20. Juni 1819 in Deutz, heute ein Stadtteil von Köln; † 5. Oktober 1880 in Paris; geboren als ) war ein Cellovirtuose, Komponist und Musiktheater-Impresario deutsch-jüdischer Abstammung. Er gilt als Begründer der modernen Operette als eigenständiges und anerkanntes Genre des Musiktheaters.

Der Vater Isaac bringt 1833 den gerade 13jährigen zusammen mit seinem lebenslang im Schlagschatten des jüngeren stehenden älteren Bruder Julius nach Paris, wo Jacques an das Convervatoire aufgenommen wird. Dort hält er es aber nicht lange aus. Die nun folgenden zwei Jahrzehnte arbeitet sich Offenbach als Privatmusiklehrer, Violoncello-Virtuose und Salonkomponist nach oben. Neben seinen regelmäßigen Auftritten in den Pariser Privatsalons organisiert er Konzerte in Paris und Köln. Durch das geschickte Lancieren von Pressemeldungen weiß er sich in das Bewusstsein der musikalischen Öffentlichkeit zu bringen. Auch nach 1855, als Jacques Offenbach mit der Gründung der "Bouffes Parisiens" eine zweite Karriere beginnt, bleiben seine Erfolge als Cellist weithin bekannt. Erst nach seinem Tod verändert sich der Blickwinkel auf Jacques Offenbach: Seine rund 75 vollendeten Cello-Kompositionen werden durch seine knapp mehr als einhundert Bühnenwerke - weitgehend für und um das "Bouffes Parisiens" entstanden - verdrängt.

Die Epoche der geistreich-satirischen Musikwerke Offenbachs endete mit dem deutsch-französischen Krieg 1870/71 und dem Zusammenbruch des Ancien Régime. Offenbachs Lieblingsinterpretin Hortense Schneider verließ das "Bouffes Parisiens", seine Librettisten wandten sich dem Sprechtheater zu, er selbst musste sein Theater 1874 verkaufen. Doch der vielseitige Notenschöpfer schrieb weiter, in erster Linie komische und Märchenopern. Seine am Lebensende komponierte Oper "Hoffmanns Erzählungen" wird gern als das Requiem eines Komponisten, der am Lebensende "doch noch etwas Richtiges" komponiert hat, dargestellt. Der Erfinder der Operette wird über diese Oper hinaus heute fast nur mit seinen großen Ausstattungs-Operetten (Pariser Leben, Orpheus in der Unterwelt, La Belle Hélène ...) gespielt, da diese am ehesten dem herrschenden Klischee von Operette und unbeschwerter Unterhaltung entsprechen. Tatsächlich hat Offenbach aber neben seinen Operetten immer wieder Opern geschrieben: von der großen romantischen Oper "Die Rheinnixen" (1864) über komische Opern wie "Robinson Crusoe" (1867), "Vert-Vert" (1869) oder "Fantasio" (1872) bis zu seinem erst posthum aufgeführten Spätwerk "Hoffmanns Erzählungen" (1881).

Kunst der Integration

2011-07-03T13:05:00.000+02:00

"I was born long long ago July, the 4th 19-0-0 back o’town down in James Alley - just a boy of New Orleans", sang Louis "Satchmo" Armstrong 1970. Er feierte seinen 70. Geburtstag, und im New Yorker Madison Square Garden waren dann Duke Ellington und Ray Charles seine Gratulanten und Mitmusiker bei "Hello Dolly".

Independence-Day. Und der mitteilsame Musiker verklärte später gar: "Es war ein von Raketen krachender 4. Juli, an dem ich zur Welt kam, und man nannte mich Feuerwerksbaby". Der "Satchmo"-Biograf Gary Giddins grub bereits 1988 das Taufregister des Gotteshauses "Sacred Heart of Jesus Christ" aus, wo in lateinischer Kirchensprache vermerkt ist: "Armstrong (niger, illegitimus). Am 25. August taufte ich Louis, geboren am 4. August 1901, Eltern: William Armstrong und Mary Albert".

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Der 4. Juli scheint aufs erste ein häufiger Geburtstag unter Amerikas farbiger Jazz-Bevölkerung zu sein: Alton Purnell, der Jazz-Pianist aus New Orleans, der Posaunist Louis Nelson, der Blues-Songwriter Pleasent Joseph (Cousin Joe), der Blues-Pianist, auch bekannt als "the Honeydripper" Roosevelt Sykes, der Pianist Eureal "Little Brother" Montgomery, der große Klarinettist aus New Orleans, Albert Nicholas, der Komponist Thomas Jefferson Anderson jr. oder etwa der Gittarist und Bluessänger Robert Pete Williams geben angeblich den 4. Juli als ihren Geburtstag an. Sie alle haben vier Dinge gemeinsam: Sie sind schwarz, Jazzer, kommen aus Amerikas Süden und sind vor 1929 geboren. Das liegt nicht etwa daran, dass im Oktober allgemeine Lusttage in den Staaten stattfinden, sondern einfach daran, dass in diesen Zeiten keinerlei Aufzeichnungen über Geburten der farbigen Bevölkerung gemacht worden sind. Und wenn dann so ein nicht Erfasster eine Card beantragte, so wurde er auch nach seinem Geburtsdatum gefragt. Antwort: der 4. Juli. Indem sie sich auf den 4. Juli als Geburtsdatum beriefen, demonstrierten sie auch, dass sie sich voller Stolz mit einem Land und einer Region identifizierten, die mit ihresgleichen eigentlich nichts zu schaffen haben wollten.

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Warum aber machte sich Satchmo oder Pops noch dazu um ein Jahr älter: Ende 1918 ging er mit der 21-jährigen Prostituierten Daisy Parker die erste seiner insgesamt vier Ehen ein. Und dazu wollte der 1901 Geborene unbedingt volljährig sein. Also machte sich Armstrong um genau ein Jahr und einen Monat älter: so wurde der 4. Juli 1900 kreiert. Und plötzlich hatte er symbolträchtig am (ersten) Nationalfeiertag im neuen Jahrhundert Geburtstag.

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Pursuit of Happiness. Independence Day (Unabhängigkeitstag) wird als "Geburtstag" der Vereinigten Staaten als freie und unabhängige Nation gefeiert. Dieser Tag erinnert an die Unterzeichung der Unabhängigkeitserklärung vom 4. Juli 1776, vor 229 Jahren. Zu dieser Zeit führten die Einwohner der 13 Kolonien an der Ostküste Amerikas einen Krieg gegen den britischen König und das britische Parlament, weil sie sich ungerecht behandelt fühlten. 1763, nach dem Ende des Siebenjährigen Krieges, erlangte England die Kontrolle über alle östlich des Mississippi gelegenen Gebiete Nordamerikas und Kanada.

Ursache des Kriegs war in Europa der Wunsch Österreichs, Schlesien, das Preußen 1742 erobert hatte, wieder zurück zu gewinnen und in diesem Zusammenhang die als Gefahr gesehene preußische Macht zu brechen. Auf dem nordamerikanischen Kontinent sah sich Großbritannien als Kolonialmacht dem Versuch Frankreichs gegenüber, seinen Einfluss in Arkadien im kanadischen Osten wieder zu verstärken. Außerdem sollten die kanadischen Kolonien Frankreichs mit den Niederlassungen am Mississippi durch eine Besiedlung des Ohio-Tals vereint und damit die britischen Kolonien von der Entwicklung nach Westen hin abgeschnitten werden.

Die Folgen des mit dem Frieden von Paris 1763 beendeten Krieges sind für Preußen die Behauptung als europäische Großmacht und damit die Beendigung der eigentlich schon mit Ludwig XIII., sicher aber mit Ludwig XIV. begründeten Vormachtstellung Frankreichs in Europa. Damit ist die das restliche 18. und das 19. Jahrhundert prägende "Balance of Powers" in Europa begründet. Frankreich, dem ein militärischer Erfolg letztlich durch den Kampf auf zwei völlig unterschiedlichen Kriegsschauplätzen versagt war, verlor seine nordamerikanischen Kolonien an England bzw. Spanien und musste sich aus Indien zurückziehen.

Der Sieg Großbritanniens über Frankreich und der Erwerb großer Teile seiner Kolonien ließ das Problem der Machtausübung in den neu erworbenen und den alten Kolonien drängend werden. Neue Steuern sollen die Siedler an den Kosten sowohl der Herrschaft als auch der Sicherung gegen die Indianer beteiligen. Der damit angelegte Konflikt zwischen Krone und Siedlern ließ schließlich den Bürgerkrieg ausbrechen, der seinerseits schnell - mit Frankerichs Hilfe - zum Unabhängigkeitskrieg wurde. Die britische Regierung führte eine neue Finanzpolitik ein, z.B neue Steuern auf Zucker, Kaffee, Textilien und andere Importe. Nach Einführung des "Stamp Act" mussten besondere Steuermarken an allen Zeitungen, Broschüren, juristischen Dokumenten und Lizenzen angebracht werden.

Die seit langer Zeit an ein hohes Maß Unabhängigkeit gewöhnten Kolonien wehrten sich gegen die von England eingeführten neuen Steuern. Sie argumentierten, dass nur ihre eigene Kolonialversammlungen sie besteuern könne, und sie beriefen sich auf den Grundsatz "no taxation without representation" (keine Besteuerung ohne Vertretung). 1765 trafen sich Vertreter aus neun Kolonien als "Stamp Act Congress" und wandten sich gegen diese neue Steuer. Das britische Parlament musste den Stamp Act zurücknehmen, aber es legte Steuern auf Tee und andere Güter und schickte Zollbeamte nach Boston um die Zölle einzusammeln.

Die amerikanischen Kolonisten verweigerten erneut den Gehorsam, und britische Soldaten wurden nach Boston entsandt. Die Spannungen ließen nach als der britische Regierung die neuen Steuern, mit Ausnahme der Teesteuer, aufhob. Eine "Tea Party" und ein "Massaker" waren die beiden Ereignisse, die das Schicksal vorantrieben. Im Jahre 1767 verlor eine Teehandelsgesellschaft in englischem Besitz viel Geld. Um das Unternehmen zu retten, hob England 1773 eine Steuer auf Tee ein, der in den Kolonien verkauft wurde. 1773 führte daher eine Gruppe amerikanischer Unabhängigkeitsaktivisten die so genannte "Boston Tea Party" durch: Als Indianer verkleidet (!) schlichen sie auf britische Schiffe und warfen 342 Teekisten in den Bostoner Hafen. König George III. fand das weniger komisch und es brachte ihn auch keineswegs dazu, die Teesteuer aufzuheben. Im Hafen von Boston wurden britische Soldaten von Koloniebewohnern, die dachten, die Soldaten waren geschickt worden, um sie zu beobachten, verhöhnt und mit Steinen beworfen. Die Soldaten schossen in die Menge und töteten einige Bürger. Die Koloniebewohner übertrieben bei der Anzahl der Getöteten und nannten den Zwischenfall ein "Massaker". Das britische Parlament verhängte daraufhin die "Intolerable Acts".

Im September 1774 traf sich der erste Kontinentalkongress. Führende Persönlichkeiten der Kolonien, die sich gegen die von ihnen als solche empfundene britische Repression in den Kolonien wandten, trafen sich in Philadelphia. Die Kolonisten begannen, Milizen zu organisieren und Waffen sowie Munition zu sammeln und lagern. Im Mai 1775 trat ein zweiter Kontinentalkongress in Philadelphia zusammen und übernahm langsam die Funktion einer nationalen Regierung. Er gründete eine Kontinentalarmee und -marine unter dem Kommando von George Washington. Papiergeld wurde gedruckt, und diplomatische Beziehungen mit anderen Ländern wurden aufgenommen. Am 2. Juli 1776 beschloss der Kongress, dass "diese vereinigten Kolonien freie und unabhängige Nationen sind und von rechts her sein sollten". Thomas Jefferson aus Virginia schrieb mit Unterstützung einiger anderer die Unabhängigkeitserklärung, die vom Kongress am 4. Juli 1776 angenommen wurde. Diese Erklärung war eine öffentliche Verteidigung der amerikanischen Revolution und enthielt eine längere Liste mit Beschwerden über den britischen König George III. Sie erklärte auch, und dies ist mit das wichtigste, die Philosophie hinter der Revolution - dass die Menschen ein Recht auf "Life, Liberty and the Pursuit of Happiness" (Leben, Freiheit und Streben nach Glück) haben, dass Regierungen nur mit "der Zustimmung der Regierten" herrschen können, und dass jede Regierung aufgelöst werden kann, wenn sie die Rechte der Bürger nicht schützt. Diese Politiktheorie stammte vom britischen Philosophen John Locke, und ist ein zentraler Punkt der angelsächsischen politischen Tradition.

Am 23. August 1775 erklärte König George III in einer Proklamation, dass die Kolonien sich in einem Zustand der Rebellion befänden. Der bewaffnete Konflikt zwischen Amerika und England zog sich bis 1783 hin. Der Friedensvertrag, bekannt als die Treaty of Paris, erkannte die Unabhängigkeit, Freiheit und Souveränität der 13 ehemaligen Kolonien, nun Staaten, an. Die 13 Kolonien waren jetzt "freie und vereinte unabhängige Staaten" - aber noch keine vereinte Nation. Der Revolutionserfolg bot den Amerikanern die Möglichkeit, ihren in der Unabhängigkeiterklärung niedergelegten Idealen eine rechtliche Form zu geben. Im Mai 1787 trat in Philadelphia eine Versammlung zusammen, um eine neue Verfassung für einen Bundesstaat mit stärkerer Zentralgewalt aufzusetzen. Die Verfassung teilt die Regierung in drei eigenständige Gewalten, denen unterschiedliche Aufgaben zufallen. Die Macht jeder einzelnen Regierungsgewalt wird durch die Macht der beiden anderen in Balance gehalten, und die gegenseitige Kontrolle verhindert mögliche Kompetenzüberschreitungen. In den zwei Jahren nach Inkrafttreten der Verfassung wurden zehn Zusatzartikel, das so genannten Bill of Rights, hinzugefügt.

Louis Armstrong. Armstrong, dessen Großeltern noch Sklaven gewesen waren, wurde am 4. August 1901 im ärmlichsten Teil von New Orleans geboren. Seine Mutter Mary Albert zog mit knapp 16 Jahren nach New Orleans und lernte dort den Arbeiter William Armstrong kennen. Die beiden heirateten nie, aber Mayann bekam zwei Kinder von Will: Louis und zwei Jahre später Beatrice. Die Not zwang Louis Armstrong bereits mit sieben Jahren, sich seinen Lebensunterhalt mit niedrigen Arbeiten selbst zu verdienen. Mit 12 Jahren wurde Louis Armstrong in eine "Besserungsanstalt" für farbige Kinder verwiesen. Er bekam dort seinen ersten Musikunterricht. Armstrong trat mit Marching Bands der Stadt auf, bei Festtagsumzügen und bei traditionellen Begräbnisprozessionen, die auf dem Weg zum Friedhof nach getragenen Kirchenliedern verlangten und auf dem Rückweg nach wilden, lebenslustigen Stücken.

Louis Armstrong heiratete 1918 seine erste von vier Frauen, die Prostituierte Daisy Parker. 1918/19 spielte er in der Band von Kid Ory. In New Orleans hatte sich Armstrong auch im Umkreis von Musikern wie Joe Oliver bewegt, sich aber auch bereits mit Glücksspielern und Zuhältern herumgetrieben. 1922 schloss er sich Joe Olivers Creole Jazz Band in Chicago an. 1923 hatte er seine ersten Schallplattenaufnahmen als 2. Kornist mit der "Creole Jazz Band".

Lil Hardin - Armstrong
1924 heiratete er Lil Hardin, die in Olivers Band das Piano spielte. Mit ihrem städtischen Lebensstil und ihrer Geschäftstüchtigkeit hatte sie enormen Einfluss auf Armstrong. Ende 1924 wechselte er für ein Jahr zu Fletcher Hendersons Band nach New York. 1925 kehrte Louis nach Chicago und zu seiner Frau zurück. Vor allem die Plattenaufnahmen, die er mit den "Hot Five" und "Hot Seven" zwischen 1925 und 1928 in Chicago tätigte begründeten seinen Ruhm. Ab April 1926 spielte Louis für knapp ein Jahr in dem Orchester von Caroll Dickerson. 1927 versuchte er sich als eigener Bandleader, scheiterte aber und kehrte 1928 wieder in die Band von Caroll Dickerson zurück. Armstrong trennte sich 1931 von seiner Frau Lil. Louis Armstrong ging nach der Trennung auf Tournee durch England, Belgien, Schweden, Dänemark, Frankreich, die Schweiz und Italien und kehrte 1935 nach mehreren Tourneen wieder nach New York zurück.

Link ➨ Louis Armstrong

Louis Armstrong war der erste richtige Star des Jazz und Erfinder sowie ein Meister des Scat-Gesangs. Er spielte als Solist in den berühmtesten Bands der Zeit, begleitete so bedeutende Sängerinnen wie Ella Fitzgerald und Bessie Smith und tourte durch die ganze Welt. Sein Trompetenspiel war unverwechselbar und sein rauher Gesang wirkte stilbildend in einer Zeit, in der es die ersten wahren Solisten im Jazz gab. Als Mitte der 1940er Jahre der "Bebop" die Musik bestimmte, blieb Armstrong trotzdem der König des "Swing" und brachte 1949 mit "Blueberry Hill" sogar einen Hit in die amerikanischen Hitparaden. Mitte der 60er Jahre schaffte Armstrong, was niemand einem Jazzer zugetraut hätte: Seine Hits "What a Wonderful World" und "Hello, Dolly" verdrängten die Beatles von den ersten Plätzen der US-Charts. Er starb am 6. Juli 1971 in New York.

Auslandsstipendien + Atelierwohnung für bildende Kunst in Yogyakarta

2011-07-03T09:25:00.000+02:00

URGENT! Einreichungen bis spätestens 31. Juli 2011

Das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur, Kunstsektion, hat in Yogyakarta, Indonesien, eine Atelierwohnung für bildende Künstlerinnen und Künstler zur Verfügung und vergibt diese im Rahmen einer Ausschreibung für drei Tranchen in den Jahren 2012 und 2013. Mit der Vergabe des Ateliers, das auf Vorschlag einer unabhängigen Jury den einzelnen Kunstschaffenden zur Verfügung gestellt wird, ist ein Stipendium verbunden. Die Reisekosten werden auf Antrag ebenfalls vom BMUKK übernommen.

YOGYAKARTA - INDONESIEN: ein großräumiges Atelier, ein Wohnraum, eigenes Bad, gemeinsame Küche, ein Ausstellungs- und Veranstaltungsraum, in der Nähe der Yogyakarta Art University. Eine englischsprachige Betreuung und lokale Unterstützung sind vorhanden, ebenso werden Kontakte zum Kultur- und Kunstnetzwerk in Yogyakarta, Galerien, Museen und der Universität, geboten.

Vergabezeitraum:
Tranche 1: April, Mai und Juni 2012
Tranche 2: September, Oktober und November 2012
Tranche 3: April, Mai und Juni 2013
Das Stipendium beträgt Euro 1.500 p.m.

Teilnahmeberechtigt sind alle österreichischen oder in Österreich lebenden freiberuflichen bildenden KünstlerInnen, bzw. solche KünstlerInnen, die mit der aktuellen künstlerischen Entwicklung in Österreich seit Jahren in engem Zusammenhang stehen. Von der Bewerbung ausgeschlossen sind Studentinnen und Studenten. Personen, die für diese Zeit ein Atelier des Bundes oder ein Staats- bzw. ein STARTstipendium zugesprochen bekommen haben, können nicht zeitgleich für ein Auslandsatelier berücksichtigt werden.

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Mehr Informationen: Auslandsstipendien + Atelierwohnung für bildende Kunst in Yogyakarta

"Sie haben nicht die Augen, die Meisterwerke zu sehen!"

2011-07-02T22:26:00.000+02:00

Am 3. Juli 1775 begehrt ein Höfling des französischen Königs Ludwig XVI. bei Voltaire in Ferney am Genfer See vorzusprechen. Derselbe wird auch bei der Proklamation Napoleons im Hauptquartier Alexandrien am 3. Juli 1798 zugegen sein: Vivant Denon, der erste Direktor des Louvre in Paris.

Voltaire. Vivant Denon war im Auftrag Ludwig XVI. in der Schweiz. Auf der Rückreise nach Frankreich ließ er es sich nicht entgehen, bei Voltaire in Ferney am Genfer See vorzusprechen. Voltaire will ihn nicht sehen, darauf schreibt er bestimmt am 3. Juli 1775: "Monsieur, ich verspüre ein unendliches Verlangen, Ihnen meine Aufwartung zu machen. Sie können krank sein, und das befürchte ich; mir scheint aber auch, es ist oft nötig, dass Sie es sein wollen, und das wäre mir in diesem Augenblick ganz und gar unlieb. Ich bin königlicher Kammerherr, und Sie wissen besser als irgendjemand sonst, dass man uns niemals den Zugang verweigert. Ich beanspruche daher das Vorrecht, dass mir die Tür geöffnet werde." Voltaire akzeptiert und Denon hält sich darauf eine ganze Woche in dessen Umkreis auf. Später fertigt er davon einen Stich, worüber sich Voltaire dann aber beklagt, weil er ihn wie einen verkrüppelten Affen gezeichnet habe.

Ägypten. Auch wenn dieser Druck Voltaire darstellend bis heute im Umlauf ist, so beginnt seine Berühmtheit auf den Tag genau dreiundzwanzig Jahre später, als Napoleon seine Proklamation am 3. Juli 1798 im Hauptquartier Alexandrien erlässt. Es ist der Ägyptenfeldzug Napoleons. Er reiste mit Napoleons Truppen durch Ägypten und schrieb eine umfassende und reich bebilderte Zusammenfassung seiner Reisen, welche in ganz Europa berühmt wurde.

Die Proklamation Napoleons hingegen ist Kriegspropaganda, und Napoleon führt zu diesem Zwecke auch bereits eine Felddruckerei mit: "Völker Ägyptens, man wird euch sagen, dass ich eure Religion abschaffen will, glaubt es nicht! Antwortet, dass ich komme, um euch euer Recht wieder zu verschaffen, die Usurpatoren zu bestrafen, und dass ich Gott, seinen Propheten und den Koran tiefer verehre als die Mameluken. Sagt ihnen, dass alle Menschen vor Gott gleich sind; Weisheit, Talente und Tugenden bedingen allein eine Verschiedenheit zwischen ihnen. Aber durch welche Weisheit, welche Talente, welche Tugenden zeichnen sich die Mameluken aus, dass sie ausschließlich alles das haben sollen, was das Leben lieblich und angenehm macht? Ist wo ein schönes Landgut, es gehört den Mameluken. Ist irgendwo eine schöne Sklavin, ein schönes Pferd, ein schönes Haus, alles dies gehört den Mameluken. Wenn sie Ägypten gepachtet haben, so mögen sie ihren Pachtvertrag zeigen, den Gott mit ihnen eingegangen ist. Aber Gott ist gegen das Volk gerecht und barmherzig."

Link ➨ Kunsträuber und Museumsdirektor - Vivant Denon und der Louvre

Napoleons Versuche, Ägypten für Frankreich zu gewinnen, sind vielfältig und ermangeln keinesfalls einer gewissen Kreativität, auch wenn sie schlussendlich scheitern. So startet er mit dem "General-Diwan", der ersten repräsentativen Volksversammlung im Mittleren Osten, eine Art parlamentarischer Demokratie nach französischem Vorbild in Ägypten einzuführen. Der Versuch scheiterte schon damals am konservativen Widerstand der Scheichs, die den Status Quo erhalten sehen wollten. Eine allgemeine Landreform musste verschoben werden, und eine Annäherung an die religiösen Würdenträger durch Verhandlungen über die Konversion seiner französischen Streitkräfte zum Islam scheiterte. Doch mit dem Feldzug beginnt eine neue Ära der Ägyptologie.

Nicht die Militärs ließen also Bonapartes Feldzug in die Geschichte eingehen - sondern Forscher und Zeichner waren es. Mit der französischen Truppenmacht reiste ein ganzer Stab von Wissenschaftlern, Künstlern und Literaten, darunter führende Köpfe ihrer Zeit. In wenigen Monaten Präsenz, zwischen Marsch und Gefecht, sammelten, vermaßen und zeichneten sie, was es nur zu sammeln, zu messen und zu zeichnen gab: Tempel und Begräbnisstätten, Goldschmuck und - damals noch mysteriöse, in Stein geprägte Schrift. Wie sehr Napoleon die Wissenschafter schätzte, belegt der Befehl vor der Schlacht bei den Pyramiden: "Esel und Gelehrte in die Mitte!" Ihm schienen die Vertreter der Wissenschaft, nächst den wertvollen Lasttieren, nun mal schützenswertes Gut. Das Ergebnis der Gelehrten füllt viele großformatige Bände. Die Gelehrten beschrieben die dortigen Denkmäler und veröffentlichten die Ergebnisse (darunter den 1799 aufgefundenen "Stein von Rosette") in 36 monumentalen Text- und Tafelbänden (Description de l'Egypte, 1809 - 1828). Zusammen mit dem illustrierten Expeditionsbericht des Baron Dominique Vivant Denon (Le Voyage dans la Basse et la Haute Egypte pendant les campagnes du Général Bonaparte, ab 1802 in 40 Auflagen) löste diese Publikation eine Ägyptomanie aus.

Anstößig. Als Denon im Jahr 1802 mit dem Erscheinen seines mehrbändigen, reich illustrierten Reiseberichts aus Ägypten berühmt wird, ist er eigentlich schon bekannt. Bereits 1776 war seine erotische Erzählung "Point de lendemain" ohne Nennung des Verfassers erschienen: Mit dieser Episode einer éducation sexuelle im Ancien régime wollte er demonstrieren, dass "galante" Literatur gänzlich ohne "anstößige" Worte auskommen kann. Doch nicht nur diese Novelle - die Geschichte eines jungen Mannes, der von einer älteren, verheirateten Frau verführt wird - erregte damals Aufsehen. Auch Denons priapische Zeichnungen machten die Runde unter den Libertins.

Link ➨ Entdecke die Hochkultur des Alten Ägypten

Revolution. Geboren wird der Chevalier De Non im Januar 1747 in Burgund, bei Châlon-sur-Saône. Zu den Berühmten, mit denen Vivant Denon im Laufe eines langen, wendungsreichen Lebens Bekanntschaft schloss, gehörten Ludwig XV., Katharina die Große und Friedrich II., Voltaire, Diderot und Robespierre, der Maler David, der Minister Talleyrand und der General Bonaparte. Während des Kunststudiums in Paris erreicht er eine Beschäftigung am französischen Hofe. Er spricht Italienisch, Latein und Griechisch und wird in den diplomatischen Dienst gestellt. Die Revolution überrascht den Adeligen in Venedig. Seine Güter sind beschlagnahmt. Flugs ändert er seinen Namen, aus dem Adeligen De Non wird der Bürger Denon. Als er Ende 1793, auf dem Höhepunkt des Terreur nach Paris zurückkehrt, hat er Beschützer auf höchster Ebene: Jacques Louis David, Mitglied des Sicherheitsausschusses: "Ich versichere, dass ich den Bürger Denon in Italien gekannt habe, dass ich gesehen habe, wie er sich dort mit Erfolg in den Künsten übte, und dass er stets nur in neutralen Ländern gelebt habt. Wir arbeiten zur Zeit gemeinsam an dem Kupferstich meines Bildes Der Schwur im Ballhaus. Er hat die Arbeit des Gravierens übernommen. Er hätte es nicht getan, wenn er nicht ein guter Patriot wäre." Sein Name wird von der Schwarzen Liste gestrichen, er erhält seine Güter zurück.

Louvre. 1802 ernennt ihn Napoleon zum Generaldirektor der Museen, das sind der Louvre, das Musée des Monuments Françaises, das Musée Spécial de la Peinture Française in Versailles, das Hôtel des Medailles sowie die Gobelinwerkstatt Aubusson und die Porzellanmanufaktur Sèvres. Denon hat Maler, Graveure und Bildhauer unter sich. Vor allem aber ist er zuständig für den Erwerb und Transport von Kunstgegenständen für den Staat. Alsbald schon reist er den napoleonischen Armeen hinterher, bewaffnet mit Katalogen und Kunstverstand und requiriert Kunstwerke, die den Ruhm des späteren Louvre, der damals noch Musée Central und von 1803 an Musée Napoleon heißt, mehren sollen. Als Denon sein Amt antritt, ähnelt das Museum eher einem Asyl als einem Palast: Künstler hausen dort, kochen und arbeiten. An Latrinen herrscht akuter Mangel. Mit unermüdlichem Arbeitseifer, Geschmack und Sachverstand verwandelt Denon das Museum in eine professionelle Einrichtung.

Die Ausstellungssäle des neuen Musée Napoleon sind zunächst eingeteilt in den "Saal der Flüsse" für die Skulptur und den "Saal des Ufers" für die Malerei, erst später werden sie, Denons enzyklopädischem Anspruch getreu, nach Schulen und chronologisch geordnet. Aus Florenz hat man Michelangelo, Andrea del Sarto, Giorgione herangeschafft, hier hängt nun Raffaels Transfiguration Christi, Veroneses "Hochzeit zu Kanaa". Die große Galerie zählt bald 945 Bilder, darunter Werke aus Ulm, Jena, Berlin, Potsdam, Kassel, München, Wien. Manchmal tauscht oder kauft man Bilder, doch meistens rafft man einfach. Nicht alles geht an den Louvre; auch die anderen Museen wollen ausstaffiert sein, sehr zu Denons Leidwesen: Das Pariser Museum ist sein Augapfel. Als die alliierten Truppen nach Paris einrücken, beherbergt der Louvre unter anderem die Laokoon-Gruppe, den Apoll vom Belvedere, die Pferde von San Marco, die Venus Medici, die Sammlung Borghese. Außerdem zählt man 24 Poussins, sieben Da Vincis, neun Correggios, fünfzehn Veroneses, zehn Tintorettos, 25 Raffaels, 24 Tizians. Gerade erst hat Denon die so genannten italienischen Primitiven entdeckt: Cimabue, Fra Angelico, Giotto, Masaccio, Ghirlandaio. Diese damals noch wenig bekannten Künstler will er mit Bildern der deutschen und flämischen Schule des vierzehnten und fünfzehnten Jahrhunderts zusammenbringen: "Ein Punkt, an dem die Malerei aufbrach, um wahre Wunder zu vollbringen", in der Tat.

Als die Russen, Österreicher, Preußen und Engländer Paris besetzen, tauft Denon sein Museum kurzerhand um. Ludwig XVIII. lässt ihn im Amt, bis die Frage der Restitution geregelt ist. Als die alliierten Truppen ihre Kunstwerke aus dem Louvre abholen, entfährt Denon ein vielsagender Aufschrei: "Sie haben nicht die Augen, die Meisterwerke zu sehen!" Mit der Abwanderung der Kunstwerke zerbricht seine museale Vision, den Besuchern die abendländische Kunstgeschichte anhand von Meisterwerken zu vermitteln. Denon bittet um seine Entlassung; er ist achtundsechzig Jahre alt.

Staatsstipendien für Komposition 2012

2011-07-02T21:57:00.000+02:00

Die vollständigen Bewerbungsunterlagen sind bis spätestens 15. September 2011 einzureichen.

Das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur schreibt für das Kalenderjahr 2012 Staatsstipendien für musikalische Kompositionen aus. Diese sollen auf Empfehlung einer unabhängigen Jury bis zu zehn Personen zuerkannt werden, die mit der Musiktradition und der aktuellen musikalischen Entwicklung in Österreich seit Jahren in engem Zusammenhang stehen, ein abgeschlossenes Musikstudium vorweisen können oder seit Jahren hauptberuflich als Musikschaffende tätig sind. Die Stipendien sollen die ausgewählten Personen in die Lage versetzen, sich während der Laufzeit des Stipendiums in erhöhtem Maß ihrer künstlerischen Entwicklung zu widmen.
Die Laufzeit jedes der mit € 1.100,- monatlich dotierten Stipendien beträgt ein Jahr.

Link ➨ Ausschreibung: Staatsstipendien für Komposition 2012

Auslandsmesseförderung für Galerien 2011

2011-07-02T20:54:00.000+02:00

Das Bundesministerium für Unterricht, Kunst und Kultur schreibt für das Kalenderjahr 2011 eine Förderung für die Teilnahme an Messen im Ausland für kommerzielle Galerien zeitgenössischer bildender Kunst mit Standort in Österreich aus.

Mit diesem Förderungsprogramm soll grundsätzlich die Teilnahme österreichischer Galerien an ausländischen Kunstmessen unterstützt werden, um damit die internationale Präsenz, Rezeption und Verbreitung insbesondere auch österreichischer Kunst bzw. von Künstlerinnen und Künstler zu verbessern.

Die Teilnahme an folgenden 10 Messen kann im Jahr 2011 gefördert werden:

Liste Basel
open space Köln
ABC Berlin
Artissima Turin
Zona Maco. Mexico Arte Contemporaneo
Gulf Art Fair Dubai
Pulse Art Fair Miami
Art Moskau
HK Hongkong
Paris Foto

Die Einreichungen sind bis spätestens 15. September 2011 zu tätigen.

Link ➨
Mehr Informationen: Auslandsmesseförderung für Galerien 2011

Johann Gottfried von Herder: "Plastik. Einige Wahrnehmungen über Form und Gestalt aus Pygmalions bildendem Traume"

2011-07-02T12:10:00.000+02:00

[Retrodigitalisat] Herders "Plastik. Einige Wahrnehmungen über Form und Gestalt aus Pygmalions bildendem Traume", Riga 1778 ist auf den Seiten der Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg digitalisiert online. Herder hält Malerei abwertend nur für "Oberflächenkunst" und Traum, die Skulptur hingegen für Wirklichkeit.

Skulptur. In seiner Schrift "Plastik" zieht Herder die Analogie zwischen "Bildhauerei" als Kunst und "Bildung" des einzelnen Menschen: "Bildhauerei stellt das Wesen des Menschen in seiner komplexen Einheit und Unwandelbarkeit dar, Malerei repräsentiert die mannigfaltige Gestaltung des Menschen in der Geschichte" .Kultur und Anthropologie stehen in einem engen Zusammenhang.

Link ➨ Plastik. Einige Wahrnehmungen über Form und Gestalt aus ...

Herder spielt allerdings die körperliche 'Darstellung' der Plastik, die der Betrachter gleichsam imaginativ ertastet, gegen die malerische 'Repräsentation' aus: "Es bleibt also wahr: 'der Körper, den das Auge sieht, ist nur Fläche, die Fläche, die die Hand tastet, ist Körper'". Herders Grundüberzeugung war, "daß 'für's Gesicht eigentlich nur Flächen, Bilder, Figuren eines Plans gehören, Körper aber und Formen der Körper vom Gefühl abhängen.'"Das eine Medium hat den Status des "Traums", das andere den der "Wahrheit".

Herder hat die "Oberflächenkunst der Malerei" so charakterisiert: "Was kann das Licht in unser Auge malen? Was sich malen läßt, Bilder. Wie auf der weißen Wand der dunklen Kammer, so fällt auf die Netzhaut des Auges ein Strahlenpinsel von allem, was vor ihm stehet ... Die weite Gegend, die ich vor mir sehe, was ist sie mit allen ihren Erscheinungen, als Bild, Fläche? Jener sich herabsenkende Himmel und jener Wald, der sich in ihn verliert, und jenes hingebreitete Feld, und dies nähere Wasser, und dieser Rahme von Ufer, die Handhabe des ganzen Bildes - sind Bild, Tafel, ein Continuum neben einander. Jeder Gegenstand zeigt mir gerade so viel von sich, als der Spiegel von mir selbst zeigt, das ist Figur, Vorderseite; daß ich mehr bin, muß ich durch andere Sinne erkennen, oder aus Ideen schließen."

Link ➨ www.johann-gottfried-herder.de

Johann Gottfried von Herder. Herder wurde am 25. August 1744 als Sohn eines Kantors in Mohrungen geboren. Er besuchte zunächst eine Lateinschule und studierte dann an der Königsberger Universität Philosophie bei Immanuel Kant, Theologie und Literatur. Dort schloß er Freundschaft mit Johann Georg Hamann. 1764 ging er als Prediger und Lehrer nach Riga. 1769 unternahm er eine Frankreichreise, danach eine Bildungsreise nach Deutschland. 1770 kommt es in Straßburg zur historischen Begegnung zwischen Herder und Goethe. Diese Begegnung sollte beide Dichter in ihrem Denken weitreichend beeinflussen. 1770-71 bleibt er in Straßburg, um sich von einem Augenleiden zu erholen. Ab 1771 hatte er verschiedene geistliche Ämter inne, z.B. war er Hofprediger und Superintendent bei einem Grafen (1771-76), später wurde er Generalsuperintendent in Weimar und damit zum höchsten geistlichen Würdenträger des Staates. Mit Hilfe von Goethe kam er nach Weimar. Dort konnte er auch Freundschaft mit Schiller und Wieland schließen. Herder trat für eine aufklärerisch-didaktische Dichtung ein, und geriet damit in Konflikt mit Goethe und Schiller. Seine letzten Lebensjahre verbrachte er isoliert vom gesellschaftlichen Leben Weimars. 1802 wurde er geadelt. Ein Jahr später, am 18. Dezember 1803, verstarb er. Mit seiner Werk Sammlung von Volksliedern übte er Einfluß auf die Romantik, Arnims und Brentanos Des Knaben Wunderhorn und die Gebrüder Grimm aus.

Technologische Poesie im öffentlichen Raum

2011-07-02T09:59:00.000+02:00

Am 1. Juli 1953 scheidet Jean Prouvé - einer der herausragendsten Konstrukteure, Architekten und Designer des 20. Jhds - aus seiner Firma aus, als die "Aluminium Francais" die Mehrheits an seiner Firma übernimmt. Am Höhepunkt beschäftigte die "Société des Ateliers Jean Prouvè" 250 Leute. Prouvé bleibt aber die treibende, innovative Kraft.

Kreativer Unternehmer. Jean Prouvé begann seine Laufbahn 1916 mit einer Ausbildung als Kunstschmied im Umfeld der von seinem Vater geleiteten École de Nancy, einer Hochburg des Art Nouveau. Seine Kenntnisse ständig erweiternd, richtete er 1924 eine eigene Werkstatt ein und entwickelte sich zu einem Spezialisten auf dem Gebiet der Metallblechverarbeitung. Ab 1925 öffnet sich Prouvé der Moderne, lernt - namentlich über die Union des Artistes Modernes - die Werke der französischen Avantgarde kennen (Beaudouin, Le Corbusier, Garnier, Jeanneret, Lods, Mallet-Stevens, Perriand . . .), stattet sein Atelier mit neuen Maschinen aus. Es entstehen nicht nur Möbel (insbesondere heute sehr gefragte Stühle), sondern auch Treppengeländer, Aufzugschächte und fassadenartige Fensterfronten. Aus dem Kunsthandwerker wird ein Konstrukteur. Die praktische unternehmerische Tätigkeit bildet seitdem immer die Basis seiner Produkte. Über Kontakte erhält Jean Prouvé schnell Großaufträge für Gitter oder Glasflächen. Rasch nimmt der Einsatz von Blech zu; es werden Trennwände, Aufzugkabinen, Fenster- und Türrahmen entwickelt und in Serienfertigung mit bis zu fünfzehn Angestellten produziert. Durch diese Beschäftigung mit dem neuen Material verwandelte sich die Schmiede Werkstatt mehr und mehr in einen Konstruktionsbetrieb, die Esse wurde durch "kalte" Arbeiten wie Falzen, Schrauben, Schneiden ersetzt. Prouvé wurde somit vom Handwerker zum Industriellen. Einschränkung: Im Grunde bleiben seine Betriebe immer industriell organisierte Handwerksbetriebe.

Link ➨ Tankstelle - Jean Prouve - Aluminium Fertigbau

1931 wird die Aktiengesellschaft "Ateliers Jean Prouvé" mit eigenem Forschungsbüro und vierzig Mitarbeitern gegründet. Die gut ausgelastete Metallbaufirma betreibt dank ihrer Serienanfertigungen ein schwunghaftes Geschäft mit Bauteilen und eigenen Möbelentwicklungen. Vom Türknauf bis zum Fliegerklub, vom Operationssaal bis zur Telefonzelle hat Jean Prouvé (1901-1984) so ziemlich alles in Form gebracht. Bei Prouvé folgte die Theorie der Praxis, die Zeichnung dem Prototyp und ästhetische Qualitäten waren nicht Ziel, sondern das Ergebnis seines Schaffens.

Innovativer Künstler. Von großer Bedeutung ist der nicht ausgeführte Entwurf für einen Busbahnhof in La Villette (1933), der in Gänze aus gefaltetem Stahlblech hätte bestehen sollen: Eine Vorwegnahme des Aéro-Club in Buc (1936) und der Maison du Peuple (Haus des Volkes) in Clichy. Die Maison du Peuple in Clichy (1939) zeigt exemplarisch Prouvés Fähigkeit, noch für die komplexesten Bauvorgaben eine einfache, funktionsfähige Lösung zu finden. Das modulable Gebäude dient wahlweise als Kino- oder Ballsaal für 500 Personen, als großer Saal für 2000 Zuschauer oder als Markthalle. Dies wird dank dem abnehmbaren Fußboden im ersten Stock möglich: Ohne ihn hat man ein Atrium mit Umläufen (das Glasdach kann zudem wie ein horizontales Schiebefenster geöffnet werden, um den Markt unter freiem Himmel abzuhalten). Mit dem Fußboden entsteht ein großer oder - dank beweglichen Trennwänden - kleiner Saal.

Link ➨ Design im öffentlichen Raum

Der Avantgardist war während des II. Weltkrieges in der Résistance aktiv und nach dem Rückzug der deutschen Besatzer für kurze Zeit Bürgermeister von Nancy. 1944 öffnet Prouvé seine Ateliers in Maxéville bei Nancy, in denen er bis zur Mehrheitsbeteiligung der französischen Aluminium-Gesesellschaft eine auf der finanziellen und kreativen Mitbeteiligung der Angestellten begründete Form der Arbeitsteilung perfektioniert, die ihrer und wohl auch wieder unserer Zeit weit voraus ist. 110 Arbeiter und 60 Angestellte entwickeln in enger Verknüpfung zwischen Büro und Ausführung zahlreiche Prototypen wie Fassaden, Dachelemente wie Schalen oder Sheds, ganze Häuser, leichte Vorhangfassaden. Dort erforscht er neben industriell gefertigten Metallhäusern und vielem mehr die Möglichkeiten des "Mur-rideau", der "Vorhangfassade" die er gegen 1930 mit erfunden hat: Während die tragenden Strukturen ins Innere des Gebäudes verlagert sind und dort z. B. die Sanitär- oder Küchenanlagen aufnehmen, hat die Fassade sich anderen Problemen zu stellen, wie Wärmeisolierung, Licht, Belüftung, Sonnenschutz, Ästhetik.

Trotz Rationalisierung und industrielle Organisation gab es kein Fließband, gleiche Konstruktionen wichen beträchtlich von einander ab und erlaubten Individualisierung und Verbesserung. Die Innovationskraft und der Ideenreichtum von Jean Prouvè kannte keine Grenzen und machte auch vor Häuser "ab Werk" keinen Halt. Am Höhepunkt seiner Fertigung beschäftigten die "Société des Ateliers Jean Prouvè" 250 Arbeitnehmer. Doch zum 1. Juli 1953 scheidet Jean Prouvé aus seiner Firma aus, als die französische Aluminium-Gesellschaft die Mehrheitsbeteiligung an seiner Firma übernimmt, die 1956 den Namen wechselt und 1981 geschlossen wird. Der Hauptaktionär "Aluminium Francais" fordert die Vereinheitlichung der Produktion. Trotz der Übernahme bleibt Jean Prouvé die treibende, innovative Kraft. Er scheitert jedoch an der Verwaltung und Produktionsorganisation.

Legendär ist seine Lehrtätigkeit von 1958 bis 1971 am Conservatoire national des arts et métiers in Paris, welche die nachfolgende Architektengeneration beeinflusst. Konstruktive Vernunft, neueste Techniken der Materialbearbeitung und Unternehmungsgeist - drei Eigenschaften, die Zeit seines Lebens als Grundsatz beherzigt wurden und die Vorbild für ganze Heerscharen von Designern wurden. Nebenbei beteiligt er sich an Bauvorhaben und betätigt sich als Berater. Im Jahre 1971 präsidiert er die Jury für den Architekturwettbewerb des Centre Pompidou; das Siegerprojekt von Piano und Rogers übernimmt in seiner ursprünglichen Form wesentliche Elemente der Maison du Peuple.

Link ➨ Jean Prouvé: Die Poetik des technischen Objekts

Jean Prouvé. (* 8. April 1901 in Paris, † 23. März 1984 in Nancy) Im Alter von 15 Jahren begann Prouvé 1916 auf Betreiben seines Vaters eine Lehre als Kunstschmied. Das Kunstschmiedehandwerk war zu dieser Zeit ein gefragtes Handwerk, die Architektur war durch die Schule von Nancy (Prouvé's Vater war Mitbegründer und Lehrer) eine stark ornamentale und vom Jugendstil geprägte. 1923 gründete Prouvé eine eigene Werkstatt, die bald einen anorganischen, ornamentfeindlichen Stil entwickelt auf den Architekten wie Le Courbusier aufmerksam werden. Bei ersten Möbelentwürfen verwendete Prouvé bereits damals Stahlblech das durch Falzen zusätzliche Stabilität erlangte.

Link ➨ LE MUSEE JEAN PROUVE (1901-1984)

Er gilt als ein Poet der Technik. Statt schön zu zeichnen, skizzierte er bestenfalls flüchtig. Vor allem aber experimentierte er in der eigenen Werkstatt: Jean Prouvé begann als Kunstschlosser zwischen Art Nouveau und Art Deco, tauschte die Welt des Luxus und der Moden gegen die Teilnahme am Aufbruch in das von ihm erhoffte sozial gerechte Industriezeitalter. Sein Lieblingsmaterial waren gestanzte und gebogene Bleche. Sein Oeuvre umfasst Entwürfe vom Brieföffner angefangen über Tür- und Fensterbeschläge sowie Leuchten bis hin zu vorgefertigten Architekturmodulen in Leichtbauweise aus Metall und Aluminium. Prouvé gilt heute als einer wichtigsten Pioniere der Serienfertigung von Möbeln und der Industrialisierung des Bauens. Ein Beispiel dafür ist die 1951 von Prouvé gemeinsam mit seinem Bruder Henry entworfene Tankstelle für die Firma Socony-Vacuum/Mobiloil. Sechs dieser Serientankstellen wurden realisiert, drei überlebten bis zum heutigen Tag.

Link ➨ Jean Prouvé - Design Museum Vitra

Die manufakturelle Produktion in Nancy, die Einzel- und Serienfertigung erlaubte, umfasste Standardstühle und Schulmöbel ebenso wie Ruhesessel und Schreibtische. Dank seiner Erforschung des technischen Denkens und der Objekte, die aus dieser Beschäftigung hervorgegangen sind, war er eine der großen Gestalten in Architektur und Design des 20. Jahrhunderts. Kein Geringerer als Le Corbusier lobt: "In Jean Prouvé vereinigen sich Architekt und Ingenieur, richtiger noch, Architekt und Baumeister, denn alles, was er anfasst und gestaltet, bekommt sofort eine elegante und plastische Form, mit glänzend verwirklichten Lösungen in Bezug auf Haltbarkeit und industrielle Fertigung".

Steppenwolf: Verse als Mindmap

2011-06-29T23:33:00.000+02:00

Der Roman "Der Steppenwolf" von Hermann Hesse kommt am 1.Juni 1927 auf den Markt und begründet seinen Weltruhm. Zum 50. Geburtstag (2. Juli 1927) erscheint auch die Hesse-Biografie von Hugo Ball. 1946 wird Hesse mit dem Literaturnobelpreis und 1955 mit dem Friedenspreis des deutschen Buchhandels ausgezeichnet.

Lyrik - Steppenwolf. Kein anderes Werk wurde so missverstanden, musste von seinem Autor immer wieder verteidigt und erklärt werden. Andererseits hat gerade dieses Buch in den 1960er Jahren eine Hesse-Rezeption in Amerika und Deutschland ausgelöst. Zu Beginn der zwanziger Jahre erleidet der bald fünfzigjährige Hesse eine tiefe Lebenskrise, die sich in den Texten "Tagebuch eines Entgleisten" (1922) und "Kurgast" (unter dem Titel "Psychologia Balnearia" 1923 entstanden) äußert. In vielen Briefen aus jener Zeit klagt Hesse über Depressionen und spielt wiederholt auf Selbstmordgedanken an. Im August 1925 erwähnt er in einem Brief erstmals Pläne zu einem phantastischen Buch vom Steppenwolf, der darunter leidet, dass er zur Hälfte ein Mensch, zur anderen ein Wolf ist. Der Tiefpunkt der Krise ist im Winter 1925/26 erreicht. In diesem Zeitraum entsteht die überwiegende Mehrzahl der Krisis-Gedichte.

Link ➨ Anhören: Hermann Hesse liest sein Gedicht "Skizzenblatt"

Hesse betont am 14. Oktober 1926 in einem Brief an Heinrich Wiegand, er "schreibe keine Dichtung, sondern eben Bekenntnis, so wie ein Ertrinkender oder Vergifteter sich nicht mit der Frisur beschäftigt oder mit der Modulation seiner Stimme, sondern eben hinausschreit." Er schickt das Manuskript der Krisis-Gedichte am 18. Juni 1926 an S. Fischer. Der Verleger widersetzt sich aber vorerst einer Veröffentlichung, und auch Hesses späteres Ansinnen, die Gedichte zusammen mit dem Roman erscheinen zu lassen, findet kein geneigtes Ohr. Im November 1926 erscheint eine Auswahl der Gedichte in der Neuen Rundschau unter dem Titel "Der Steppenwolf. Ein Stück Tagebuch in Versen". Die Reaktionen auf die Gedichte sind recht zwiespältig: Von einigen wenigen - unter ihnen Thomas Mann, Stefan Zweig und Oskar Loerke - als neuartiger Ausdrucksversuch des Dichters gelobt, rufen sie bei der Mehrzahl der Leser und Leserinnen, nicht zuletzt bei seinem Verleger selbst, Widerwillen und Ablehnung hervor

Prosa - Steppenwolf. Hesse macht sich in der Folge daran, die Gedichte in eine Prosafassung umzuarbeiten. In nur sechs Wochen, vom 16. Dezember 1926 bis zum 11. Januar 1927, beendet Hesse das Tiposkript des "Prosa-Steppenwolfs", wie es Hesse in verschiedenen Briefen aus dieser Zeit bezeichnet. Hesse transformiert die lyrischen Texte in eine Prosafassung in nur sechs Wochen! Hugo Ball lässt er am 2. Januar 1927 wissen: "Zur Zeit sitze ich Tag für Tag, mit schmerzenden Augen und mit schmerzenden Gicht-Händen an der Schreibmaschine, um den Prosa-Steppenwolf ins Reine zu schreiben, der nach Fischers Absicht vielleicht schon zum Geburtstag als Buch erscheinen soll."

Zum 50. Geburtstag am 2. Juli 1927 soll auch die Hesse-Biografie von Hugo Ball erscheinen. Der angesichts der Krisis-Gedichte zögernde Verleger S. Fischer ist nun begeistert. "Es gibt den Roman Steppenwolf, in Prosa, der ist kürzlich zu Ende geschrieben und liegt beim Verleger, erscheint so bald wie möglich. Gestern sagte mir Fischer, der ihn noch auf der Reise zu Ende gelesen hatte, seine Meinung darüber. Ich habe ihn seit 25 Jahren nie so erschüttert, begeistert und auch beunruhigt von einem neuen Buch sprechen hören. Das Buch wird Aufsehen machen ..." schreibt Hesse am 9. Februar 1927 an seine Schwester Adele.

Das Jahr 1927 ist das Jahr, in dem Hesse seinen 50. Geburtstag feiert. Gleichzeitig mit dem Steppenwolf erscheint auch "Die Nürnberger Reise" beim S. Fischer Verlag in Berlin. Ebenso erscheint eine Biografie von Hermann Hesses Freund Hugo Ball. Der Biograf Hugo Ball ist Autor und Mitbegründer der Zürcher Dada-Bewegung. Doch schon im September 1927 stirbt Hugo Ball. Auf Wunsch von Hesses zweiter Frau, Ruth Wenger, erfolgt in diesem Jahr auch die Scheidung der 1924 geschlossenen Ehe.

Link ➨ Zur Entstehungsgeschichte von Hermann Hesses Steppenwolf-Roman

Hugo Ball über Hermann Hesse und den "Steppenwolf":

"Ein Werk auf die Katastrophe hin bauen", dieses Nietzschewort liegt Hesse sehr nahe; er selbst könnte sein Werk auf die Katastrophe hin bauen oder gebaut haben." Bei Hölderlin wie bei Novalis sieht Hesse "das Schicksal des außerordentlichen, genialen Menschen, dem die Anpassung an die normale Welt nicht gelingt; das Schicksal des Sonntagskindes, das den Alltag nicht ertragen kann, das Schicksal des Helden, der in der Luft des gemeinen Lebens erstickt". Das ist die Begründung der Steppenwolf-Gedichte und -Ausfälle. Im Nachwort zu "Novalis" sowohl wie zum "Hölderlin" (beide bei Fischer) stehen Sätze, die jeder Freund des Dichters als dessen eigenes Problem, als seine eigene Qual erkennt.

Von Novalis sagt er: "Ebenso wie sein kurzes, äußerlich tatenloses Leben den Eindruck seltsamster Fülle macht und jede Sinnlichkeit wie jede Geistigkeit erschöpft zu haben scheint, so zeigen die Runen dieses Werkes unter spielender, entzückend blumiger Oberfläche alle Abgründe des Geistes, der Vergöttlichung durch den Geist und der Verzweiflung am Geiste." Auch das Schicksal des Hölderlin gibt einen Aufschluss über die mitunter befremdlichen Lebensexperimente des Steppenwolf-Dichters. Das Schicksal Hölderlins lässt ihn mahnen: "Es ist lebensgefährlich, sein Triebleben allzu einseitig unter die Herrschaft des triebfeindlichen Geistes zu stellen, denn jedes Stück unseres Trieblebens, dessen Sublimierung nicht völlig gelingt, bringt uns auf dem Wege der Verdrängung schwere Leiden. Dies war Hölderlins individuelles Problem, und er ist ihm erlegen. Er hat eine Geistigkeit in sich hochgezüchtet, welche seiner Natur Gewalt antat."

Hesses Studium und Liebhaberei wird mit den Jahren mehr und mehr die Magie. Sie ist ihm der bildhaft betonte Geist; die von allen Kräften der Sinne und der Seele zugleich erfüllte Phantasieform. Sie ist ihm das Siegel und die ergreifende Energie der Geste, der Andeutung, des Namens. Sie ist ihm eine Wehr gegen die Verkümmerung der Instinkte sowohl wie gegen ihre Verrohung. In der Magie hat alles unbewusste Triebleben eine adäquate geistige Form gefunden. Es gibt von Hesse eine Charakteristik "Goethe und Bettina" (Neue Rundschau 1924), worin der alte Herr Geheimrat kaum mehr kraxeln kann und doch die jüngsten Lebewesen noch in seinen Bann zieht. Hesse liebt das langsame Mittelpunktwerden, das den Mann von Weimar zu einer Zentralsonne am deutschen Himmel gemacht hat. Bei Mozart aber liebt er etwas anderes. Hier ist es das rosenrote Papageno-Märchen und die dunkle Glut des Teufels Don Giovanni, den ein ewig kicherndes Kinderherz in Kontrapunktik und Koloraturen so ganz und gar zu verstricken und zu verwickeln weiß, dass dieser Unhold, mehr als von Blitz und Donner, von der genialsten Tonkunst überwunden und unschädlich gemacht wird.

Der "Steppenwolf"-Roman, dieses Unikum von Dichtung, ist Hesses jüngste und mächtigste Inkarnation. Wenn es gelänge, den Feind im eigenen Innern zu packen und aufzulösen, die treibende vitale Kraft auf eine plausible Formel zu bringen; wenn es gelänge, dies leidenschaftlich unruhige, wogende, quälende, aller Sublimierung und Zivilisierung hohnsprechende Wesen auseinanderzulegen, in zierliche Worte zu fassen, es mit aller Gnade und allem Licht zu durchdringen –: Damit wäre etwas geschehen. Damit wäre diesem bisher unzugänglichen, namenlosen Wesen zu Leibe gerückt. Damit wäre für die Folge unliebsamen Überraschungen von der Instinktseite her vorgebeugt. Damit wäre die Lebenskraft selber entwurzelt und erschüttert; das Tier im Menschen wäre zutage gefördert und, wer weiß, vielleicht gebrochen. Damit wäre ein dämonisches Urbild gehoben, und einer Unsumme von Beängstigungen, von Hysterien, von schillernden Sophismen wäre der Weg verlegt. Damit wäre ein Humor ermöglicht, der mehr zu sein vermochte als anstellige Verlegenheit und gute Miene zum bösen Spiel.

Es gibt neben dem Idylliker und Asketen einen robusten, veitstänzerischen, flagellantischen Hesse. Es gibt neben dem schwermütigen Dichter des "Demian" einen überschäumenden, girrenden, tönenden Klingsor, der über zehn Leben verfügt. Es gibt, seit dem "Steppenwolf", einen Hesse, dem der Furor Teutonicus so gut bekannt ist wie der kleine schmachtende Pennäler. Er weiß die Harfe zu schlagen, dass sie unheimlich surrt und dröhnt, nachdem sie vergebens gesäuselt und gesungen hat. Der Wolf (auch in Wolfgang Amadeus und in Johann Wolfgang) ist ein Raubtier, das über scharfe Augen und Ohren und über ein respektables Gebiss verfügt. Rehen, Gänsen und Hasen, Eseln ebenso ist dieses Tier sehr gefährlich. Es gibt, vor seinen geschärften Sinnen, keine intellektualistischen Kunststücke und mogelnden Flausen –: Das ist der Ernst dieses Romans. Sein Spaß aber ist: Dass dieses weltfremde Wesen noch mit fünfzig Jahren viele graziöse Steps hat tanzen müssen, ehe es imstande war, als ein richtiger Steppenwolf ein wenig Munterkeit in die literarische Zunft zu bringen.

Link ➨ Hesse Wohnhaus in Gaienhofen am Bodensee - Höri-Museum

Vor diesem wohlgebauten Steppenwolf verfangen keine falschen Geburtstagstiraden. Nur der heilige Franz selber könnte ihn bekehren. Dass solch ein mythologisches Untier sich mitten in unserem modernen Leben mag blicken lassen, das deutet auf eine Zeit, in der man die Kunst der Liebe und der Begütigung, die verstehende menschliche Kunst nur noch gedruckt, nur schwarz auf weiß noch zu finden vermag. Gleichwohl: In diesem männlichen, ernsten Buche ist, mit negativem Vorzeichen, die Romantik noch einmal. Hier ist die Mystik unseres Görres und die Welt des alten Brognoli. Mag man ach und weh und vielleicht Schlimmeres rufen; gleichwohl: Hier ist der Versuch, die zusammengefassten und auf eine glückliche Formel gebrachten Dämonismen unserer Zeit abzustoßen, um Raum zu gewinnen für alle Güte und unbehinderte Höhe. Hier ist ein jugendlich tanzender Kämpe, der mit Augen, in die man aus Scheu nicht zu blicken wagt, seine Sache verteidigt und seine Liebe schützt. Als Wappen- und Totemtier tritt er an die Spitze eines Bundes von heimlich Versunkenen, deren Herz und Geist die hohen Worte blank und rein erhalten wissen will.